“New World” de FM Attack y “Okiya” de Mecha Maiko

[Beto Sigala]

A veces uno sólo necesita música apacible para cruzar los días largos y olvidarse un poco de los dilemas con melodías de electrónica sinestésica y estimulante que son un bálsamo para las heridas del cotidiano. En mi repertorio reciente (cada vez menos abultado) me han enriquecido dos discos ubicados en el synthwave; “New World” de FM Attack con una expansión en la riqueza de su sonido, y el EP “Okiya” de Mecha Maiko: un encuentro entre el synthwave, un campo zen y sonidos orientales. Ambos artistas canadienses (Vancouver, Toronto, respectivamente) ambos con el auspicio de la onda New Retro Wave.

FM Attack tiene un bajo perfil, se maneja como una persona sencilla y amistosa, le encanta The Glove, pero tiene una enorme inventiva cuando nos referimos al uso que le da a los sintetizadores y programaciones para hacer su música. Hablar de FM Attack es referirse a su buen gusto por el synthwave con un toque retro y muy clavado en la onda espacial. También es referirse a su mano meticulosa al momento de producir música para sus amigos cercanos, como el prodigioso álbum “Wild Insane” de Vandal Moon.

Quise hablar de FM Attack y su nueva producción “New world”, porque a pesar de tanta información y estímulos que nos rodean a diario, él sigue haciendo electrónica fresca, jubilosa.  Porque además en éste disco, Vandal Moon colabora con dos tracks, y porque Mecha Maiko (otra de sus aliadas en la onda retro wave)  hizo junto a FM Attack una canción sexy, alucinante como ‘Stranger’. Todo unido en un mismo karma.

“New World” desde su entrada con ‘Dark Blues Sky’ abre un portal hacia un mundo ficticio en el que convive nuestra realidad frustrada con imágenes muy relucientes de formas geométricas en 3D, neón, voces robotizadas, y un brillo estético que reinterpreta el sonido ochentero con elementos electrónicos e ínfimos acordes de guitarra que le dan mucha riqueza al paisaje. En ‘My Life’, FM Attack recurre más al encanto del pop mediante su propia voz y un meloso estribillo ideal para musicalizar algún dilema pueril de un estudiante de prepa de una época distante. ‘Ultraviolet‘, es un viaje estelar lleno de adornos, una bóveda celeste de sonidos progresivos que culmina en ‘Cosmic Dance’ y su ambiente más serio, con un tono al estilo de Tangerine Dream y la recreación bien lograda de un viaje por el cosmos. Cuando llegan los tracks ‘New World‘ y ‘Believe’ en los que colabora Vandal Moon, los dos estilos se fusionan para regalarnos dos canciones de postpunk que tienen la cuota precisa del sentimiento de un compositor como Blake Vos. Por algo Vandal Moon ha contagiado a tanta gente en el mundo.

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New World – FM Attack – 2019

 

En otro páramo distinto, “Okiya” de Mecha Maiko es música trascendente, tal vez menos cósmica, pero más espiritual. En algunas ocasiones su sonido se siente como un trance profundo para la búsqueda de la iluminación, y sin la necesidad de estancarse en el pasado, incorporando ingredientes más experimentales. La canción ‘Okiya’ es esto; es pasear por un jardín ancestral con buenos beats y sonidos extraídos de la naturaleza. ‘Bug’ no es synthwave ni trip hop, pero va por ahí surcando algo que se siente como una muy afortunada apropiación cultural de sonidos. ‘Ochaya’ es una odisea oriental que tiene como resultado una canción alucinante, con beats que podrían ser trip hop, y en la parte vocal algo similar a lo que hacía Deep Forest con su exploración étnica. Los cinco tracks son ejercicios de meditación en el que la música oxigena al cuerpo en una experiencia cuasi mística.

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Okiya – Mecha Maiko – 2019

 

Después de darle vueltas a estos dos álbumes, se me viene a la mente una interrogante no tan descabellada ¿Qué pasaría si FM Attack, Mecha Maiko y Vandal Moon se encerraran durante semanas para componer todo un LP juntos? Sería maravilloso. Tal vez ellos deberían pensar muy seriamente en esto.

 

Reseña: “Cremator”de Vukovar

[Beto Sigala]

La música underground y su difusión se hace cada vez más vertiginosa, y en cada vendaval llegan semanas repletas de nuevos tracks, nuevos álbumes y videoclips de artistas con potencial suficiente para seducir a los que buscan sonidos frescos que renueven sus catálogos. El tiempo para mi últimamente ha sido como dos manos que aprietan mi cuello y no me sueltan, y cuando lo hacen, me topo con la procastinación y el desinterés de escribir tan solo una líneas coherentes de algún nuevo artista. Justo en este trámite del tiempo y la abulia, llego a mi Vukovar, un proyecto originario del Norte de Inglaterra que ha permanecido activo y prolífico desde 2014, y entrevera muchas cosas, pero parte del postpunk para hacer una música con facetas etéreas, new wave, pasajes corrosivos, tranquilidad, angustia y locura. No tener fronteras bien delimitadas en el sonido que ha creado esta banda, ha sido su mejor escape a la ilusión.

Vukovar no hace tracks iguales, en su álbum “Cremator” de 2019 crea momentos, estados de ánimo y situaciones confusas en las que un tercio de la música puede insertarse en la curva de aprobación del postpunk y todo lo demás son experimentos de música con atmósferas lúgubres y melancólicas, en una psicodelia que crea imágenes bitonales.

Escuché “Cremator” (2019) por primera vez en el infierno de junio y su calor pegajoso; ‘Roma Invicta’, el track que inicia, es de lo mejor del álbum, con percusiones penetrantes, frases cantadas en coro y el uso del sintetizador como un elemento minimalista que le da un carácter sofisticado a la canción. ‘Love Meetings’ e ‘Interment By Mirrors’ son dos agujeros dimensionales que nos transportan a un mundo de mucha distorsión. Vukovar en estos pasajes renuncia al estribillo pegajoso y se vale de la repetición, de los sonidos ácidos.  Luego ‘Dive For Your Memory’ suena tan cándida como si la hubiese escrito algún gigante del new wave de los ochenta. ‘Prurient’ cambia de nuevo la dirección con algo más complaciente para los que les gusta eso a lo que llamamos postpunk en estos días, en una canción oscura, con un bajo vehemente y de nuevo la manera en que esta banda aprovecha los sonidos sintéticos para darle tintes de dramatismo a sus canciones, sin la necesidad de aturdir.

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Vukovar – Cremator – 2019

‘The Cold Lord’ es un capítulo etéreo, rasposo, del que es difícil librarse, pero estoy seguro que le va a encantar a los escuchas más clavados.  Y eso de lo que hablaba antes, en referencia a los cambios de estilo repentinos, queda plasmado con el siguiente track ‘Love’s Provocation’, de nuevo encallando en ritmos más afables. ‘Voices/Seers/Voices’ tiene una parte vocal muy agradable que suena algo a Echo & The Bunnymen. Es la canción más elaborada del disco y su estribillo intenta sobresalir del resto en medio de un pasaje ruidoso. Vukovar dejó en el lado B del disco su faceta más suave, más azotada; las canciones más melancólicas estás acomodadas en los últimos cuatro tracks del disco y la final termina con una sensación de angustia.

“Cremator” fue parte de mi infernal junio de 2019 en un lado del mundo en el que conocemos y apreciamos tanto a los músicos ingleses que siempre  encuentran la forma de sobresalir en el rock. Vukovar, en apariencia, se resiste a clonar fórmulas y evita componer canciones en el disco con el mismo feeling, por lo menos no lo hace consistentemente y trata de potenciar su lado experimental. Es un álbum de contrastes, tanto en los musical como en lo anímico, después de todo así es el camino del ser humano. “La inconsistencia es mi esencia, dice la rueda”.

Singles Vol. 3: Clan Of Xymox/Antipole, The Membranes, A Cloud of Ravens, Minuit Machine, Kill Shelter, Fatal Casualties, Dimitri Berzek

Clan Of Xymox – Loneliness [Antipole/Paris Alexander remix]

Clan of Xymox es de los proyectos electro-góticos más influyentes de todos los tiempos. Su estética es una marca indeleble y han marcado a muchos artistas que hoy gozan de las bases musicales que este grupo holandés instauró en los ochenta. Vistos en retrospectiva y a pesar de algunos álbumes no tan logrados en la etapa de Xymox, siguen siendo de las insignias del darkwave en el mundo; su último LP fue una reafirmación de esto. ‘Loneliness’ es uno de sus temas clásicos que ahora ha sido revitalizado de manera precisa, desafiante, pero a la vez como una buen homanaje por Paris Alexander de Antipole. Este remix es simplemente una gema.

A Cloud of Ravens – Alone Inside Your Dark

Este proyecto neoyorkino incorpora elementos del goth y del postpunk con fijación por los sonidos de los ochenta; una voz grave y una electrónica oscura e intensa, perfecta para el baile frenético a razón de sintetizadores melódicos. Cloud of Ravens ha lanzado un muy prometedor EP titulado “Sacred Hearts” del que destaca sobre todo el track ‘Alone Inside Your Dark’.

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Alone Inside Your Dark

Fatal Casualties – O.N.G.

Este es un proyecto sueco que desarrolla buena electrónica al estilo synthpop. Su impronta tiene que ver mucho con el génesis de este género en Europa. Su actividad tuvo sus inicios en 1988 justo cuando ese género dominaba el mainstream hasta su extinción en los noventa. Afortunadamente Fatal Casualties volvió en el impulso de la nostalgia con dos buenos LP. Ahora, en la promoción de su nuevo álbum han ido liberando sencillos muy consistentes; Tankenvurpa y O.N.G. Ambos tracks de música prolija y con el sabor propio del norte de Europa.

Dimitri Berzek – My Love Is Electric

Dimitri Berzek es un dj y productor mexicano afincado en la Ciudad de México con una trayectoria muy destacada en la escena de la electrónica nacional. Ahora, en medio de la confusión cotidiana del México moderno, Dimitri ha decidido mostrar su nueva faceta a través del sencillo ‘My Love is Electric’, con una infusión de synthpop en el que se hace acompañar del vocalista argentino Franco Doglioli. El track tiene la polenta en los beats necesaria para contagiar al baile.

Kill Shelter – In Decay/ Bodies

“Damage’” de Kill Shelter fue uno de los álbumes más consistentes del darkwave en 2018. Por tal razón, este músico y productor escocés (Pete Burns) ha decidido lanzar su disco ahora bajo el encanto del acetato. Y para celebrar esta nueva edición, ha puesto al alcance de las plataformas digitales un nuevo sencillo llamado ‘In Decay’, en el que establece una conexión con la fuerza vital de Antipole y Delphine Coma. Por si fuera poco, otro nuevo track llamado “Bodies”, también está disponible y es una inverosímil colaboración con el músico australiano Buzz Kull.

The Membranes – Black is the Colour

Hablar de The Membranes es referirse a una larga tradición de músicos de la vibrosa ciudad de Manchester como una de las cunas del rock sombrío. Estas leyendas del underground de Reino Unido han vuelto con el sencillo ‘Black is the Colour’, que es un deleite para los que disfrutan de la música con bajos tocados de forma poderosa y monótona. Su nuevo álbum ya está disponible, lleva por nombre “What Natures Gives…” y pinta como un muy buen regreso. Además en videoclip de la canción ‘Black is the Colour’ tiene referentes con símbolos muy distintivos de la cultura mexicana.

Minuit Machine – DRGS

El nuevo LP “INFRAROUGE” del proyecto francés de coldwave Minuit Machine ya está disponible de forma digital. Su refinada electrónica emocional es siempre un empuje para abrir las venas y dejarse llevar por una oleada programaciones oscuras que estrujan el corazón. Voces que resuenan como ecos, un mundo sintético y el frío omnipresente acompañan a un álbum que pretende enamorar con sentimentalismo fatal. Escuchen ‘DRGS’,  una canción sobre lo que implica la exposición real y mediática de los seres en este mundo; el peso de las cosas absurdas y sientan la aparición en cámara de Hélène de Thoury (Hante.), y Amandine Stioui.

Reseña: ‘Closer and Closer Apart’ de Pleasure Symbols

[Beto Sigala]

Muchas veces la vida te presenta oportunidades, elecciones limitadas por las inquietudes personales, por el tiempo que vives y por los sucesos incontrolables que deforman la ilusión de la realidad. Cuando eres músico y te jactas de ser artista, tienes que plantearte por lo menos una vez en tu carrera ir a las mazmorras de tu psique, ir al fondo de tus motivaciones y encarar a los demonios para convertirlos en lírica y notas. Todos los músicos identificados con la oscuridad se topan con estos retos en algún punto, si no, no existirían álbumes como Closer, o Black Celebration, o Darklands, o In the Flat Field.

El dueto australiano Pleasure Symbols, en el que Jasmine Dunn y Steven Schnorrer comparten la inspiración, ha tomado esta alternativa de ir al fondo y no duplicar el sonido de un muy exitoso EP debut, ni replicar un track hermoso como ‘Control’ con tal de asegurar el confortable reconocimiento. Al contrario, con “Closer and Closer Apart, aunque ha quedado implícito el estilo propio de este proyecto, es notable una extensión en su sonido; El bajo tiene más protagonismo y las melodías de la guitarra sirven para auspiciar el tono suave y melancólico de Jasmine Dunn. Así, el álbum está en el punto medio del dream pop y el postpunk con canciones que sirven para perpetuar esa búsqueda eterna de encontrarle algún sentido a las emociones.

Cada disco, cuando está plasmado con artesanía, logra transmitir una energía (tal vez simbólica) y “Closer and Closer Apart” tiene una fuerza oscura que te azota con esmero contra el pavimento. Sus argumentos, como ya es un lugar común en nuestros días, caminan entre la disociación de ideas, los recuerdos, la pesadumbres, el amor como una inagotable fuente resentimiento y dolor, y la muerte vista como ese acto inevitable de poesía negra que es un punto sin retorno de nuestra condición humana. Obviamente -como también es un lugar común en el postpunk que se hace ahora- la música y la voz pasan a través de la reverberación para darle un tono más dramático a las imágenes del disco.

 

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Pleasure Symbols – Closer and Closer Apart – Avant! 2019

 

‘Endless’ es el inicio del viaje que encuentra su fuerza en una muy buena línea de bajo y un beat down tempo en el que Jasmine frasea como en una especie de anticanto que a final de cuentas resulta en una voz interna que le habla a su conciencia. ‘Dissociation’ es nocturna y fría; una melodía que va creciendo para culminar con un estribillo intenso y una guitarra distorsionada inmersiva.

Todos los grandes álbumes oscuros de la historia, tienen sus gemas, y precisamente ‘Image Refelected’ es una de ellas: esta canción y su enorme musicalidad serán recordadas por mucho tiempo. Es tan igual y a la vez tan distinta a los demás tracks del disco, pero tiene en su melodía un brillo especial, una amplitud que prueba la influencia que ha dejado en el subconciente una obra como ‘Disintegration’ -tan en boga por estos días-. ‘Heavy Breathing’ existe en el universo de la distorsión, pero se ajusta de manera muy precisa en  los estándares del goth rock. Para mí ‘Chain of Love’ es otra de las gemas del disco, un grito inspirado en el interminable mito del amor que recrea un paisaje de música envolvente.

Hay que ir al fondo, por lo menos una vez, pero hay que tocarlo para salir a la superficie. Quizás dentro de diez años cuando estemos conquistados por alienígenas o florezca aún más la negatividad de la humanidad, veamos a este disco como esa música mágica que era importante para un selecto grupo de humanos del 2019. No vacilo, su sonido tiene esa fuerza que viene de algún lugar recóndito del pensamiento moderno, te acecha y finalmente te domina para robarte las ganas de levantarte del sillón. “Closer and Closer Apart”  no es un disco de tempestades, pero sí es deleite de la melancolía, tristeza reluciente.

 

 

 

 

Entrevista: ÄNIMA

[Beto Sigala]

¿Han visto la película ‘Encino Man’? (El Hombre de California) Pues yo soy en muchos sentidos un tipo primitivo y anacoreta como ese personaje. No salgo muy seguido y a veces me pierdo de mucha de la música que sucede en esta ciudad. Les digo esto porque recién vi a ÄNIMA en vivo cuando abrieron el show de Spectres. ÄNIMA es de esos proyectos endémicos de esta región de México que se aferran a la música oscura y sobreviven sorteando la apatía o la falta de espacios de la Perla. Cuando los dos músicos de ÄNIMA terminaron su set en aquella noche de Spectres, los vi sentados afuera del local refrescándose del tumultuoso calor humano; me dieron ganas de abordarlos y preguntarles sobre la música que hacen, pero como ya dije, soy ‘Encino Man’, por eso los busqué luego en su página de facebook y he aquí una conversa a distancia con este dueto de coldwave.

 

Yo tengo que equilibrar mi trabajo de “Godinez” con mis ratos libres para hacer esto. ¿Ustedes a qué se dedican?

Yo ( Fabián) soy músico de tiempo completo,
César ( programador, y administrador de una tienda)

¿Cuál fue la semilla de ÄNIMA, cómo fue que decidieron crear música que sonara a coldwave?

En lo que ambos coincidimos es el amor por los sonidos análogos de antaño. El motivo principal del nacimiento del proyecto es hubo un evento con El Muertho de Tijuana en Ciudad Guzmán, en el cual no teníamos una banda con las características para que pudiera abrir el evento, así que armamos varias rolas propias y unos covers, proyecto al cual bautizamos como ÄNIMA, cuando vimos que tuvimos buena aceptación de los asistentes decidimos dedicarnos más en serio a componer y grabar nuestro primer material “Stockholm”, no fue tanto que tuvimos que adaptarnos para el sonido coldwave , creo que fue más casualidad, que de manera consciente.

Hay estilos musicales muy diferentes que forman nuestro criterio y nos dan identidad. A veces nada tienen que ver con el rock o la música oscura. En su caso ¿Qué música escuchaban y tocaban antes de interesarse por el postpunk?

Tenemos gustos parecidos y bastante impares, es decir coincidimos con el rock, punk, pero a la vez no tan familiares como la música ambiental de películas, videojuegos, etc.
Hemos participado en proyectos desde metal gótico, grunge, postpunk, shoegaze, new wave.

Siempre los músicos anglos tienen más peso en el imaginario popular, pero ¿Qué toman de músicos mexicanos en específico que también sea influencia en su música?

En lo personal la mayor influencia musicalmente, ideológicamente y de más peso en nuestra música fue conocer el trabajo de Jaime Keller (Illy Bleeding), Walter Schmidt, Carlos Robledo, Size como la cabeza de todo aquello que siempre quisimos hacer.
Hay letristas que no tienen mucho que ver con la escena oscura pero en lo personal sirvieron de influencia como Arturo Meza, como de compañeros músicos contemporáneos como Iván Antillón, Iván García, Dalí Lantzeta por hacer mención de algunos.

A veces tenemos prejuicios sobre lo que nosotros mismos creamos y sucede que en muchas ocasiones hay más reconocimiento fuera de nuestro propio país. ¿Les suena familiar, les ha pasado algo así con su música?

Pues hemos tenido suerte de recibir comentarios positivos sobre nuestra música en lo local como en lo extranjero. Actualmente hay excelentes propuestas que ponen el nombre de México muy en alto en el extranjero, creo que el tabú de inferioridad por ser mexicano está quedando atrás.

Pienso en ustedes, dos músicos de Tamazula y se me viene a la mente su primera tocada, en dónde fue, y qué tan difícil fue abrirse paso, primero en su ciudad y luego en la ZMG?

En nuestro caso fue al contrario, tuvimos la suerte de entrar a la escena de GDL directamente, ya que se nos presentó la oportunidad de tocar en el cierre de la mítica Kalaka Bar, y desde ese momento hemos tocado más veces en la ZMG que en nuestra propia localidad, hasta apenas inicio de este año fue la primera vez que tocamos en Tamazula de Gordiano en dos años de proyecto.

¿Cuál pueden decir que es su máxima inspiración?

En lo personal la cotidianidad, la inspiración está ahí en todo momento, solo es necesario saber mirar, no solo observar.
La catarsis vivencial.

¿Qué es lo más reconfortante de ser un músico underground y qué es lo complicado de tratar de tirar para arriba en un mundo dominado por música plástica y la obsesión por el reconocimiento?

La libertad creativa de no estar sujetos a lineamientos. Y si tienes tal libertad la música adquiere ese aire de transparencia y honestidad. Lo más difícil de luchar es con las limitaciones que se auto imponen. En el underground hay propuestas muy honestas como irónicamente hay también plásticas cuya única obsesión es el reconocimiento y el ego.

¿Qué viene para ustedes, en qué estado está su música y sus planes a futuro?

Actualmente estamos promocionando el material más reciente: “Elegía” y recuperando el anterior el cual sentimos que dejamos de lado muy pronto y faltó mover. Tuvimos un cierre de año pasado e inicio de este bastante cargado de fechas, así que pretendemos comenzar a maquetear las ideas para las nuevas canciones que esperamos liberar en otro material este año.

Reseña: ‘Inflict’ de Veil of Light

[Brad Pig]

En la esquina de la calle en la que vivo hay un negocio de alitas. Todos los días escucho de forma involuntaria esas canciones que suenan ahora, las que le encantan a la chaviza: Maluma, Pedro Capó, Imagine Dragons, Calvin Harris, Cumbia chilanga con la taladrante voz de Karla Morrison, y más del repertorio de un dj que complace a los que van a comer pollo frito y tomar cerveza mientras que en las pantallas de local invariablemente hay algún partido de futbol (Como si no existieran más deportes). Todo esto es muy curioso, porque al que programa la música de ese lugar, el otro día se le soltó de los dedos Blue Monday, y enseguida sonó The Great Commandment de Camouflage; mi cabeza estalló mientras cenaba quesadillas. Sentí que algo estaba mal, fue como uno de esos mentados errores de la matrix. Sentí  motivación para escribir unas palabras sobre Veil of Light, un proyecto de música electrónica que me recuerda algo a Camouflage o a And One y que en 2019 siguen haciendo música chingona.

Veil of Light es un dueto de postpunk con un sonido industrial-sintético y de fuertes lazos retro futuristas. Este proyecto originario de Zurich en Suiza, acaba de lanzar su cuarto material de estudio a través del sello alternativo Avant! Records. ‘Inflict’, su flamante álbum, es un viaje frenético que rescata en su sonido las bases del EBM para llevarlo al punto de encuentro con una estética familiar al synthpop. Muy interesante es ese efecto que se reproduce constantemente al emular el golpeteo metálico y desde luego sus sintes bien acomodados en melodías rampantes que pintan un nave industrial en los oídos y hacen recordar esa época inocente en que nos imaginábamos un futuro con autos voladores, sustentabilidad y gansitos marinela con neón en la envoltura o pura distopia.

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‘Inflict’- Veil of Light 2019

 

En ‘Inflict’, Veil of Light emula de muy buena forma algo que ya vivimos, pero vale la pena redescubrir las veces que sea. Su sonido es una mezlca de actualidad con homenaje al pasado, también es muy rítmico y el tono de la voz es robótico, pero cálido; su estilo actúa de inmediato en los sentidos y es preciso como para cualquier club under donde todos bailan, pero nadie se mira genuinamente a los ojos.

Todo el disco funciona de principio a fin con distintas modulaciones en sus beats. ‘Inflict’ cumple en el sentido estricto del género porque es música estimulante, con ideas minimalistas en la parte vocal y un peso muy fuerte en los sintetizadores y loops que utilizan. Así, en el álbum brillan aparte tracks como ‘Animal Instinct’ una canción acelerada con una línea de sintetizador que suena a un ambiente de película de ciencia ficción y es un pensamiento sobre la actitud furtiva de los seres humanos. ‘You Done Me Wrong’ es la estrella de este disco con programaciones feroces, beats bien marcados, voces que emanan de un altavoz y un hedor industrial que va en aumento.‘Holy Wars’ tiene un EBM que hace recordar mucho los sonidos de Front 242 o Parade Ground, porque aunque es de un halo sombrío, su fuerza recae en una intensa melodía.

Hay que ser un poco cínico para perderse en la maleza de los tiempos modernos, quizás nos hemos convertido en seres muy nostálgicos y necesitamos evocar el pasado para recuperar algo de la felicidad perdida. Ser un poco cínico es disfrutar ‘Inflict’ como si fuese algo novedoso, ya casi nada lo es, pero en estos días alcanza solamente con hacer lo congruente y crear de forma honesta. Veil of Light  tiene precisamente un sonido congruente, posado en sus influencias. Yo no debería decir más que me suena a tal o cual cosa, porque eso significa ser algo retrógrada, y hoy trato más de disfrutar esta música y otra que va saliendo. A mis vecinos de las alitas, sólo les pediría que suelten joyas más seguido, porque de tanto escuchar su ruido me pongo como brontosaurio.

Wayne: la nueva serie de Youtube Originals

Three o’ Clock High (Cita con el Peligro) era una cándida comedia adolescente de los ochenta que abordaba la interminable lucha entre los estudiantes débiles y un matón de preparatoria de esos que carecen de sentimientos y harán todo lo posible por desmembrarte o por lo menos dejarte un recordatorio facial. Esta y otras muchas películas siempre han abordado el aspecto del abusado que busca resistir el embate, contraatacar, y tratar de equiparar fuerzas aunque resulte imposible. Siempre (por lo menos en el cliché) el matón es visto como un ente irreflexivo, un villano del que se ignora el origen de su maldad, pero que debe ser mancillado, sometido, a fin de recuperar el balance entre el bien y el mal.

Casi nunca el cine o la televisión tratan de redimir a este tipo de villanos, hacerlos anti héroes juveniles con motivaciones humanas suficientes para generar tanta empatía como el nerd que se reivindica frente a toda la escuela. Wayne, la nueva serie de Youtube Originals, es precisamente el matón de la escuela visto como un personaje principal del que pocos ven su verdadera esencia y es sumamente violento porque el mundo lo hizo así, pero tal como ‘The Punisher’, tiene una debilidad por defender las causas de los desvalidos. Wayne -interpretado por Mark McKenna- es un joven problemático, abandonado por su madre, con un papá moribundo, de muchos rasgos psicópatas, pero que protege a sus compañeros debiluchos y no tolera las injusticias. Así como otros ‘bullies’ de la historia, no se detiene por nada, es flaco, correoso, y en el fondo busca ser amado como cualquier otro chico de preparatoria.

La historia desarrollada a manera de una road movie, comienza en el momento en que Wayne, en su mundo de solitud y puñetazos se encuentra con Del, una chica de su edad que parece ser el ángel que lo salve de la desgracia, pero que en el fondo es una chica tal vez igual de disfuncional que él; juntos, ambos adolescentes comienzan una furiosa travesía en la que la búsqueda de un hermoso Trans Am dorado es la justificación para salir a tragarse el mundo en un viaje épico de golpes, sangre, policías ineptos, familiares energúmenos y un director de escuela que parece tener más dilemas pueriles que el propio Wayne.

La web serie creada por Shawn Simmons y Rhett Reese (Deadpool) transcurre en diez episodios sin desperdicio, con mucho vértigo, humor negro, puñetazos, y giros en la historia que van poco a poco develando a un anti héroe en pleno frenesí, mas allá del bien y del mal, listo para que la vida le devuelva algo de lo mucho que le robó durante su existencia.

La razón por la que pocos la han visto es porque Youtube premium no se ha consolidado de manera exponencial como servicio de streaming, y el único verdadero golpe mediático ha sido hasta este día la muy comentada Cobra Kai que ya va por su segunda temporada. Netflix se ha convertido en una plataforma que se cuida demasiado de la corrección política, por eso la mayoría de sus series juveniles se quedan en lo insulso, son complacientes, explotan demasiado la nostalgia o se estancan en la fantasía. Por esto Wayne es un respiro de lo políticamente correcto, es un homenaje a los perdedores de siempre y su lucha por salir del fondo con algo de claridad. La violencia es por una causa muy personal, y aunque el ‘bullying’ es un asunto que no se debe tomar a la ligera, esta serie funciona en la necesidad de responder a las agresiones de un mundo que trata de asfixiarnos a cada paso.