“Dark Nouveau” Una compilación dedicada a la memoria de Scott Walker

El sello ubicado en Filadelfia (EUA) Metropolis Records, siempre ha sido una luz para la difusión de la música de muchas bandas desde sus inicios en 1993. Como una de las discográficas dedicadas al synth pop, darkwave, industrial, postpunk y goth, el sello ha sido muy exitoso tanto en reediciones de clásicos perdidos como en la promoción de música moderna. Con esa misma visión, Metropolis ha anunciado Dark Noveau, una nueva compilación digital, que está disponible en las plataformas digitales desde el 21 de junio pasado.

Esta compilación que encapsula 24 tracks, incluye una colección de canciones de algunos de los mejores exponentes modernos de la escena dark underground , como She Past Away, Twin Tribes, Hante, Ash Code, Antipole, Skeleton Hands, IAMTHESHADOW y muchos otros más. Las bandas incluidas en esta compilación, son una buena mezcla de la oscura y vibrante alrededor del mundo. También esta colección está dedicada a la memoria de Scott Walker, fallecido en marzo de este año, un músico seminal que dejó una enorme diáspora en varias generaciones que siguieron su estilo único.

Escuchen esta sustanciosa mezcla que nos da un panorama amplio y entretenido de la gran diversidad de sonidos actuales dedicados a la oscuridad.

Various Artists- Dark Nouveau

Singles Vol. 3: Clan Of Xymox/Antipole, The Membranes, A Cloud of Ravens, Minuit Machine, Kill Shelter, Fatal Casualties, Dimitri Berzek

Clan Of Xymox – Loneliness [Antipole/Paris Alexander remix]

Clan of Xymox es de los proyectos electro-góticos más influyentes de todos los tiempos. Su estética es una marca indeleble y han marcado a muchos artistas que hoy gozan de las bases musicales que este grupo holandés instauró en los ochenta. Vistos en retrospectiva y a pesar de algunos álbumes no tan logrados en la etapa de Xymox, siguen siendo de las insignias del darkwave en el mundo; su último LP fue una reafirmación de esto. ‘Loneliness’ es uno de sus temas clásicos que ahora ha sido revitalizado de manera precisa, desafiante, pero a la vez como una buen homanaje por Paris Alexander de Antipole. Este remix es simplemente una gema.

A Cloud of Ravens – Alone Inside Your Dark

Este proyecto neoyorkino incorpora elementos del goth y del postpunk con fijación por los sonidos de los ochenta; una voz grave y una electrónica oscura e intensa, perfecta para el baile frenético a razón de sintetizadores melódicos. Cloud of Ravens ha lanzado un muy prometedor EP titulado “Sacred Hearts” del que destaca sobre todo el track ‘Alone Inside Your Dark’.

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Alone Inside Your Dark

Fatal Casualties – O.N.G.

Este es un proyecto sueco que desarrolla buena electrónica al estilo synthpop. Su impronta tiene que ver mucho con el génesis de este género en Europa. Su actividad tuvo sus inicios en 1988 justo cuando ese género dominaba el mainstream hasta su extinción en los noventa. Afortunadamente Fatal Casualties volvió en el impulso de la nostalgia con dos buenos LP. Ahora, en la promoción de su nuevo álbum han ido liberando sencillos muy consistentes; Tankenvurpa y O.N.G. Ambos tracks de música prolija y con el sabor propio del norte de Europa.

Dimitri Berzek – My Love Is Electric

Dimitri Berzek es un dj y productor mexicano afincado en la Ciudad de México con una trayectoria muy destacada en la escena de la electrónica nacional. Ahora, en medio de la confusión cotidiana del México moderno, Dimitri ha decidido mostrar su nueva faceta a través del sencillo ‘My Love is Electric’, con una infusión de synthpop en el que se hace acompañar del vocalista argentino Franco Doglioli. El track tiene la polenta en los beats necesaria para contagiar al baile.

Kill Shelter – In Decay/ Bodies

“Damage’” de Kill Shelter fue uno de los álbumes más consistentes del darkwave en 2018. Por tal razón, este músico y productor escocés (Pete Burns) ha decidido lanzar su disco ahora bajo el encanto del acetato. Y para celebrar esta nueva edición, ha puesto al alcance de las plataformas digitales un nuevo sencillo llamado ‘In Decay’, en el que establece una conexión con la fuerza vital de Antipole y Delphine Coma. Por si fuera poco, otro nuevo track llamado “Bodies”, también está disponible y es una inverosímil colaboración con el músico australiano Buzz Kull.

The Membranes – Black is the Colour

Hablar de The Membranes es referirse a una larga tradición de músicos de la vibrosa ciudad de Manchester como una de las cunas del rock sombrío. Estas leyendas del underground de Reino Unido han vuelto con el sencillo ‘Black is the Colour’, que es un deleite para los que disfrutan de la música con bajos tocados de forma poderosa y monótona. Su nuevo álbum ya está disponible, lleva por nombre “What Natures Gives…” y pinta como un muy buen regreso. Además en videoclip de la canción ‘Black is the Colour’ tiene referentes con símbolos muy distintivos de la cultura mexicana.

Minuit Machine – DRGS

El nuevo LP “INFRAROUGE” del proyecto francés de coldwave Minuit Machine ya está disponible de forma digital. Su refinada electrónica emocional es siempre un empuje para abrir las venas y dejarse llevar por una oleada programaciones oscuras que estrujan el corazón. Voces que resuenan como ecos, un mundo sintético y el frío omnipresente acompañan a un álbum que pretende enamorar con sentimentalismo fatal. Escuchen ‘DRGS’,  una canción sobre lo que implica la exposición real y mediática de los seres en este mundo; el peso de las cosas absurdas y sientan la aparición en cámara de Hélène de Thoury (Hante.), y Amandine Stioui.

Nostalgias extrañas

[Beto Sigala]

El mundo de hoy está repleto de películas de súper héroes, una antología de Star Wars expandida cada vez más ridícula y nostalgia a raudales. Si usted que lee esto, comienza a sentir arcadas con tanta nostalgia reprogramada en series, largometrajes, animaciones y canciones que transportan a los ochenta y noventa, prepárese porque esta tendencia es una fórmula que seguiremos viendo hasta que nos empachemos.

Quizá, la recreación de los ochenta sea lo más socorrido últimamente y desde el lanzamiento de la películas Súper 8, Expreso de Media Noche y últimamente con el refrito de Eso, quedó demostrado que la nostalgia está generado dividendos y que veremos cada vez más contenidos relacionados con esa década. En la televisión, primero llegó Every body Hates Chirs, luego vino Halt and Catch Fire, The Goldbergs y otras muchas, hasta el suceso mediático que generó la fiebre de Stranger Things. Todas, comedias o dramas, situados en los ochenta que han requerido de música de score para ambientar su ficción y han propiciado a la par que muchos jóvenes nacidos en los noventa, consideren importante revivir un pasado musical que no les tocó, reincorporando sobre todo los sintetizadores análogos.

En la parte estrictamente musical, el súbito éxito de Stranger Things, despertó el interés de muchos en el mundo por conocer a los creadores del tema musical que introduce a la serie; una canción corta inspirada en el cine clase B de horror de los ochenta, en las que los sintetizadores se encargaban de musicalizar secuencias con efectos baratos y actores chafas. El mundo entonces conoció a Survive, un proyecto de synthwave originario de Austin, Texas, que antes del auge de “Eleven” y compañía, vagaba en el mundo subterráneo de los festivales de electrónica, mostrando un efectivo acto de música totalmente instrumental, con tintes de ambient y muy aferrada al sonido de los ochenta.

 

En la música de Survive, se reconocen elementos de Tangerine Dream, de los primeros tracks del electro pop y obviamente del jovial John Carpenter en su faceta de compositor. Y lo que para muchos vejestorios de hoy resulta una sobada vuelta al pasado, para otros ha significado desempolvar sus recuerdos de juventud y sentir hormigueos con las notas de esos enormes sintetizadores y esos secuenciadores estorbosos de primeras generaciones.

Como es de esperarse, cuando la nostalgia se pone intensa y vende, actos como Survive se han fortalecido en el mundo y ahora esta tendencia viene acompañada por artistas similares y disqueras que fomentan la escucha de este estilo retro futurista. A Survive y sus dos álbumes de estudio los acompañan otras bandas adictas también al synthwave como Troller, Ritualz, Flatliner y una seguidilla de proyectos que tienen rúbricas similares y que enganchan a una generación de millennials de gustos musicales promiscuos que encuentran muy interesante algo que se hizo cuando sus jefes echaban reja e iban a escondidas a las “danceterías”. New Retro Wave es, precisamente una disquera que desde el 2012 se ha centralizado en promover bandas con este tipo de sonidos. Su catálogo es un compendio de remembranzas y experimentos que nos transportan a la era de las televisiones con acabado de madera y las cintas VHS. Muchos, incluido quien esto escribe, nos hemos deleitado con esos paisajes de neón, licras, super punk, faldas plizadas y autos Delorean que merodean en proyectos como Timecop1983, Highway Superstar, Trevor Something o FM-84. Adentrarse en ese mundo es aceptar contundentemente que este presente no es lo que soñamos y que necesitamos de vez en cuando la máquina del tiempo para lidiar con la realidad de hoy.

De nada valdría entrar en una discusión bizantina para legitimar a estos creadores o desecharlos por su falta de innovación. Por ejemplo, para Ulalume Zavala de Casino Shangai, una banda seminal del synth pop mexicano, todo este asunto de volver a los ochenta y tocar algo que ya se hizo, le parece absurdo, le parece una pérdida de tiempo y piensa que los nuevos creadores deberían de enfocar sus energías en buscar sonidos nuevos. Evidentemente, no todos los nuevos creadores comparten la opinión de Ulalume y al contrario, exponentes  mexicanos del synthwave como Felicidad o Equinoxious, lejos de detenerse en el ejercicio de los sonidos nostálgicos, han hecho una pequeña escena que vive en la oscuridad del subterráneo, pero fascina tanto a los  escuchas veteranos como a los neófitos.

Navegar en aguas calmas y conocidas siempre será más fácil que surcar lugares inhóspitos. Mientras alguien vuelve a descubrir el hilo negro en la música, en el cine o la televisión, seguiremos teniendo esos encuentros esporádicos con nuestro pasado. Al menos Survive y los artistas de la NewRetroWave han capitalizado el gran acervo de los primeros músicos de la electrónica para volver a explotar los sintes análogo con música meticulosa y atmosférica. Para mi ha sido muy grata toda esta sobre dosis ochentera que ingerí al descubrirlos, aunque no sé por cuánto tiempo esto siga siendo efectivo como negocio, como tendencia.

Interview: ‘Mellow Code’, the habit of doing creative things

[Beto Sigala]

Mellow Code is the solo project of the electronic artist based in Los Angeles Josh McVety. He unveils himself as a very prolific artist that finds a lot of inspiration for making music constantly. Recently he has been collaborating with other artists on each album including Jane Chain (Prudence, Milliken Chamber And Forever Grey). He developes many different styles, never writes de same album twice, and has a very large range of posibilities with his music. Mellow Code is techno, darkwave, synthpop, house, and italo disco and some other things. Here’s the full chat with a very unique personality as Josh McVety.

Default has a very peculiar background. How did you come with the idea of resetting your synths in order to produce, how did this affected your sound?

Mellow Code: I learned at some point that for me both in visual art and making music I can use limitation as a creative tool. I am a trained furniture maker and sculptor. Often when building furniture with hand tools its best to not think too far into the project. Keep it simple and take one step at a time. I approach music the same way. Forcing myself to use only pre-made sounds on my Korg volca Fm, Roland JX03, volca sample and Roland TR8, was a way to get myself excited about my synths again. Like they were brand new. Then I got to re-explore their sounds and at the same time write a bunch of parts to play around with in Ableton. I wrote 10 bass parts first on the Volca FM while on a trip in Las Vegas in a hotel room with my good friend Evan Schiemke (SKM_LKR) who I have collaborated with before on a project called Bass Witch we did back in Michigan with Kevin from Forever Grey, James Grey aka Nazz the Hit Maker and our synth friend Jarret Taylor. We made it an event to write a track together every week for the year leading up to me and Kevin moving to LA. I think using presets made me choose the most timeless sounds that stood out to me. Giving the album an older feel but with a minimal house structure.

We are now so familiar with overproduced tunes, but Mellow Code seems to make more with less, is not easy to make it simple, where does this come from?

Mellow Code: I was taught to see the world through the eyes of a designer/artist by my family and went to art school for furniture design. I think designers get taught how to simplify and edit down to necessary components. I think it is a habit of mine when I do creative things.

When I read Simons Reynolds Postpunk book, I discovered that the first generation of postpunk musicians wanted to transgress, experiment. Mellow Code has a similar vibe, like going in a different direction making altered synth music. What inspired you to make music on your own?

Mellow Code: In Michigan there really isn’t all that much to do. I started learning to play instruments early but I didn’t try to write anything electronic until I got into seeing underground house shows and warehouse parties with bands and Djs I had never heard of. My mind was opened and I decided it was time. I started a band with my friend Chris Eddie who had been in bands most of his life. We made a project called Exposure Therapy and started collecting synths and writing music together. We finished an album, played a bunch of shows and then I moved to LA. We still plan to do a second album after he moves to New Orleans. So I guess the answer is the cool people around me inspired me to finally pull the trigger and make my own music.

Nostalgia – 2019

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You have worked with Jane Chain in a very different album called Nostalgia, how was the process of creating with her and find a communion with your ideas? Who Suffered the most in the composition?

Mellow Code: I have known Anna (Jane Chain) since we lived in Michigan. Me and my wife Miranda actually talked Anna and Kevin (Milliken Chamber) into moving to LA when we did. So me and Anna’s collaboration was very natural. When I started Mellow Code I set out to make an album every two weeks and to do that without loosing my mind I set out to collaborate with my friends for some of the albums. I asked her to do an ambient album with me because I know its something she is passionate about and also really good at. I also knew from us jamming together in the past that our styles would match up well and make something neither of us would make on our own. I came up with the structure of the album. One 16 min title track and 8 other 2 min chapters that each had elements of the title track. So when I had her over to record we didn’t even really have to discuss anything. We just started playing and I recorded what I heard that made the right imagery in my mind and as Anna said that day, “felt like a rainy day in a far away village in Europe.” I edited that into the 16min track and was then able to make the Chapters. We then did more recordings on those tracks to round them out. She used her Vintage Casio keyboard for its haunting string sounds and her looper for vocalizations.

It’s getting harder to make ethereal music, because most of the listeners don’t want to be challenge with this type of music. What’s the biggest feeling of success when you make a record like Nostalgia?

Mellow Code: This was the first time for me making an ambient concept album. I have been to quite a few noise house shows and my favorites were ones where I felt like I was put into a meditative state. We set out to make something that takes you somewhere else, makes you forget yourself and that you are even listening to music. I drive Lyft in LA part time and I often test my music on my passengers. I knew we had truly accomplished what we meant to do when I played the entire album on a rainy day and my passenger said nothing the entire 30 min ride, fell asleep at one point, left without a word and tipped me. I think making ethereal or ambient music you have to intend to make music that is on the periphery of your senses.

 

Rock n’ roll is a living dead, do you think synths will face the same fate at any point?

Mellow Code: I feel like the whole rock n’ roll being “undead” has to do with the USA deliberately ignoring synths and worshiping Electric Guitar for far too long. It got too the point where Rock was so big that it no longer was special to make music in that style. The bands that influence me the most are the early electronic bands that were popular literally everywhere except the USA. There are exceptions of course like Devo, Chicago House and Detroit Techno, but even those bands did better in The UK, Germany and Mexico. I think people in the US now have been revisiting 80s synth sounds now because they are catching up on what they missed due to an over saturation of very guitar heavy bands being “the thing”. I have nothing against guitar, I use it in my live set and some of my tracks. Its just not the focus. My theory is that Synths won’t really have the same fate because I believe we have barely scratched the surface of genres and styles of electronic music. If anything I think very specific genres that get too big die weird half deaths but the instruments will always be there to be used in new exciting ways. A recent example would be Dub Step and its distinctive now stigmatized Wub Wub sound. This didn’t kill the synth that made that sound or even the patch necessarily, just the way it was played.

 

https://mellowcode.bandcamp.com/

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Profit Prison anuncia el lanzamiento de su EP debut ‘Six Strange Passions’

Profit Prison es el proyecto en solitario del artista afincado en la ciudad de Seattle Parker Lautenschlager, quien es conocido por sus trabajos previos en la banda de hardcore Marrow,  el proyecto de música electrónica Anteinferno, y la banda de black metal Bhereg.

Su nuevo rostro incluye un mundo imaginario inspirado en las letras del escritor checo Franz Kafka, así como el sonido endulzado del Kraftwerk de los ochenta. La realidad actual llena de desilusión y convertida en muchas formas en una distopia, le ha dado forma a su estilo retrowave mecánico, pulcro y con tintes de música bailable.

Su EP debut ‘Six Strange Passions’ es un recorrido por tecnología analógica y voces de baja resolución que recrean las alucinaciones de futuros distantes, pero concebidos en un mundo ochentero con melodías de fulgor que corren por cuenta de sintetizadores y aires prístinos de sencillez musical.

Así, en el lado A el viaje nostálgico inicia en Witness con una velocidad propicia para el movimiento y figuras sintéticas y programaciones que jalan oxígeno de aquella era distante de los sneakers de bota y el cambio hacia la postmodernidad. ‘A Hotel’ es un muy buen tema de synthpop, con una melodía resonante y un buen estribillo. ‘A Strange Situation’ toma lo que mejor recordamos de la influencia del italo disco que todavía es tan imborrable en la memoria colectiva para hacer un track del que Trans X estaría muy orgulloso; no es tal cual homenaje, pero en este track Profit Prison recurre a esa combina bien lo bailable con voces que llegan filtradas en un ardid más retro futurista.

En el lado B, ‘Remains’ baja las revoluciones; es un track que refleja bien las influencias de este artista por el universo que ha creado kraftwerk para ser la luz más intensa en cuanto se refiere a música robótica. “It Was She Who Most Wept And Grieved At The Horror Of Her Fate” es un puente hacia el final del álbum es un tono más espacial que conduce al desenlace con ‘Epilog” y un dinamismo muy afortunado que media entre el disco y el synth pop con un muy buen trabajo en la parte de programaciones.

Actualmente hay una pléyade de proyectos similares a Profit Prison y de alguna manera este tipo de retrowave/italo disco sigue marcando una tendencia. En un mundo así el trabajo de Parker Lautenschlager busca la manera de figurar sin pretensión de encontrar el hilo negro y dándole gusto principalemtne a un interés particular.

‘Six Strange Passions’ estará disponible en todas las plataformas digitales, además de su respectiva edición en vinilo a partir del 29 de marzo a través de Avant! Records.

https://profitprison.bandcamp.com/

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Reseña: Black Light White Dark de Evi Vine

[Beto Sigala]

El nuevo álbum de Evi Vine significa una colección de seis canciones que combinan la languidez atmosférica con la intensidad en los acordes y un trance que surge a partir de una carga emocional muy dura. ‘Black Light White Dark’ es una reflexión lírica de lo extraviado del mundo y también un lapso con cerca de 37 minutos de trance hipnótico, distorsión y una catarsis de serotonina. Evi Vine ha hecho un disco muy honesto que responde a dilemas colectivos que deforman la felicidad personal y se traducen como angustia.

El disco salió a la luz el pasado 22 de febrero, precedido de muchas expectativas que esta artista británica despertó a partir del anuncio de Black Light White Dark y las sonadas colaboraciones incluidas en este nuevo material. En la parte final del año anterior, esta artista dedicada al rock alternativo etéreo, presentó ‘Sabbath’, como previo del álbum ‘Black Light White Dark’. El track ‘Sabbath’ funcionó como un gancho musical por su buena factura, además del inconfundible estilo vocal de Evi y su gran orquestación, pero también despertó mucho interés mediático porque en su confección contó con dos colaboraciones de gigantes del postpunk como Simon Gallup en el bajo, y el aporte de Peter Yates de Fields of the Nephilim en la guitarra.

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Evi Vine con Simon Gallup

 

Ya como banda, Evi Vine se hace acompañar de Steven Hill, Matt Tye y David GB Smith. Este proyecto se inclina por un estilo que explora la naturaleza oscura y elemental del corazón, así como los temas medio ambientales y visiones postapocalípticas. Evi Vine suena a algo sublime y al mismo tiempo obsesivo. Es capaz de crear una atmósfera única e intransigente de efectos reverenciales, evocativos, y con una apesadumbrada energía física. El resultado final de su sonido llega a un punto sumamente íntimo.

‘Black Light White Dark’, es un trabajo que engloba muchas preocupaciones que surgen a partir de la experiencia de los seres humanos de este tiempo y la convulsión cotidiana del mundo. “Detrás de la ira y las frustraciones de la agenda política en el mundo, la destrucción de la tierra, el dolor que nos causamos unos a otros y a otras formas de vida en la tierra. Estamos en un nuevo viaje musical con una nueva banda y nos hemos convertido en una familia nuclear cercana, en una banda de hermanos, compartimos música e historias de nuestra niñez, tenemos una historia diferente, pero colectiva”. Dice Evi acerca del proceso del disco.

“I Am The Waves” es un inicio de introspección en un paisaje marino que evoca un sentimiento de melancolía empedernida y una construcción musical muy mesurada. “Afterlight” tiene la misma proporción etérea con una voz entrecortada que parece anunciar un estallido que nunca ocurre y conduce a la explosión en “Sabbath” con un carácter de mucha distorsión, mas sin abandonar los oscuros reductos del alma. Por el sentido contrario “My Only Son” es una melodía al piano con una letra muy intimista casi en un tono new age. “Sad Song No. 9” es una batalla épica contra las emociones negativas; es de esos tracks que atraen a esa tristeza que se disfruta y cumple su cometido con una mezcla de letra, orquestación de ensueño, y modulaciones.

Evi Vine ha crecido en su proyecto de la mano de muchos maestros ubicados sobretodo en la corriente del postpunk. Sus pasos son firmes y Black Light White Dark es la confirmación de un estilo propio que ya ha cimentado bien. Al disco le escurre su intención melancólica, pero también reflexiva de contagiarnos su preocupación activa sobre el mundo que conocemos.

Interview: Milliken Chamber talks about ‘Absence’

[Beto Sigala]

Milliken Chamber is a recent project formed by two experienced musicians that enjoy to creat dark tunes with a twist of the past and some of the light redemption of pop music. This duo established in 2017 with Anna Shcmidt and Kevin Czarnick with the EP ‘Lily of the Valley’, and then they moved to a more complex music scene in Los Angeles geting out of their comfort zone and searching for new horizons. The change played well to their music, and as a result of communion and ideas they came back with the LP ‘Absence’, one of the hottest sounds of 2019’s darkwave in the US. I had the chance to interchange some words with Milliken Chamber’s Ann Schmitd, an artist that is moving underground music with her voice and shares inspiration with a very talented musician such as Kevin Czarnick. They made together ‘Absence’, a work full of catharsis.

Can you tell me what was the inspiration for the music and lyrics?
Ann Schmidt: Most of the instrumentation choices of the music comes from the synth pop genre from the 80s. Bands such as Depeche Mode. We’re interested in the sonic power of instruments such as our Roland Juno-106 and SH-101 which were used a lot in our recordings on the album. It’s not like we’re necessarily trying to sound retro or anything, but it’s that we feel those are still the best instruments and sounds out there today.
With the exception being the song “Death Will Come” for which lyrics were written and performed by Kevin, I wrote the lyrics to the songs on the album with a much more personal note than in our last EP. Going back to the first songs in 2016 with the band’s former name, “Prudence” I focused on writing my first lyrics ever about what was meaningful to me at the time. Unrequited love, heartbreak and in the song “Your Funeral”, the death of my roomate and friend who committed suicide in our home a couple years ago. Overall, my writing has always been based around my battles with mental health as a theme. For over half of my life now, I’ve suffered from a condition where a part of my brain (the amygdala) is hyper-reactive which gives me false alarms of danger or intensity of an interaction. Automatic over analysis of social cues & living within an emotional hurricane can wreak havoc on my health from time to time but on the contrary, gives me something to write about – that’s for sure! The topics in Absence being anything from feelings of betrayal to emotional numbness and relational trauma. My art keeps me on track and helps me use my pain to productive ends. The more I push music in my life, the less I need hospitalizations or medications to survive.

There are many projects all around the world dedicated to postpunk/darkwave, how did you create a sound that convinced you as musicians and as individuals?
Ann Schmidt: I can say there are a lot of ideas we throw away never release. We’re careful about the sound and we create that by being so selective about the parameters we put ourselves in and stick to during a writing session. That’s how we do it.

You both have experience making music on your own, but how difficult is to get along and make music together and match your concepts? How was all the process of the record, how did you get to the ten tracks?
Ann Schmidt: It’s funny you ask because it’s been a changing and evolving type of workflow. Kevin has mostly been a solo artist with very little collaboration musically. Even within projects where Kevin did collaborate with others, he ultimately wrote the main components within those projects and remained in control, being selective and critical of any contributors’ sounds which has proven to be very successful for him. This is how Milliken Chamber works, too, and I’m grateful and happy with it. He keeps me in check to bring out the best in me for this particular project. He’s got a skill at that part in working with others. Some elements need to be thrown out or toned down to sick to our sound with strong intentions. I do enjoy a most collaborative creative environment and I’m an improv artist at heart- an expression captured kind of a thing. I’m most proud of my work when it’s just the organic sound. However, lately, Kevin has been teaching me about, and surging my interest in refining. Listening, thinking and making improvements. Milliken Chamber had an unexpected gap in our two first releases. For a while, the instrumentation wasn’t working because I could tell that Kevin was bringing in more “layers” than I could handle. More electro derived or industrial sounds at times. I didn’t feel many of Kevin’s ideas from 2017 / early 2018 resonated with me and an artist. Not because I didn’t love the sound he created, but because there wasn’t really any “room” left for me on those tracks so Kevin created solo project Belladonna Grave and released a double LP with Oraculo Records with a great response. We’re partners in life as well as in the band so we’ve also made sacrifices and choices together such as choosing between a tour or vacation or deciding how much of our living space to reduce to make room for different forms of home studio we’ve built.

 

Seems like a good time for darkwave in the US. What do you think is going to happen to this hype and the music you create in ten years from now? Do you see yourselves creating, producing and sharing songs?
Ann Schmidt: As a vocalist with a classical and theatrical background, the singing in our songs feels like I’m doing some sort of anti-singing or something. My singing in this style is extremely reserved compared to everything else I’ve ever done. It’s really interesting but sometimes hard for me to almost purposely make something feel “off” or flawed about the vocals. That’s definitely how I experience most singers in this genre as a listener, and I find it fascinating and addictive! Darkwave is our favorite musical style. We totally love it. We love it so much that we had to start this band! And we are thrilled to see that it’s being supported more and more. Ten years from now, I hope that we are still creating music. It would be our dream to be able to survive on our art. At the end of 2018, when moving from Michigan to LA, we both left our 5 year careers making a decent living, but having to make art for the corporate world instead of for ourselves.

Milliken Chamber is the mid point between elaborated electronics, and the finest pop; all this wrapped in deep masses of well constructed synthetic sounds. ‘Absence’ is a spark with enormous potential, this duo has created in this album too many songs with high values of feelings and esthetics. It’s not easy to figure it out in a world like this with lots people doing good stuff. Milliken Chamber has found a way to bright finding their own path. The emotional music of this project is a long lasting type of art.