Antipole es una onda fría que llega de Noruega con una fuerza descomunal y ha ido formando redes en el continente europeo desde hace años. Su trabajo en la parte musical es prolífico y es de los proyecto actuales que mejor han capitalizado el postpunk revival. Karl Morten Dahl, el líder de esta agrupación es una suerte de relacionista público que siempre está trabajando tanto en su música -canciones inéditas, remixes, compilados- como en la difusión de la misma; es de los proyectos ejemplares de esta época y ni qué decir de su sonido, siempre superlativo y fiel representante de los vientos gélidos de la cultura nórdica.
Justo en este día de verano, Antipole ha revelado su nuevo sencillo titulado ‘Syndrome’, una nueva colaboración con el productor musical Paris Alexander y Eirene, como una forma de promocionar su nuevo álbum que viene en camino con el nombre de ‘Radial Glare’, y saldrá a la luz el próximo 15 de septiembre, auspiciado por el sello Young & Cold Records.
Pueden escuchar y ver este fantástico videoclip en blanco y negro con las apariciones de Anne-Christel y Nina Florr aquí.
No veo por qué hacer un disco totalmente en solitario, cuando puedes invitar a mucha gente chingona de tu escena para hacer un álbum de darkwave memorable. Para el artista escocés Kill Shelter, hacer su álbum debut ‘Damage’ ha sido una suerte de trabajar como productor y a la vez componer música, adapatar sue estilo de electrónica/postpunk para que proyectos como Bragolin, Antipole, Hante, y Buzz Kull entre otros, revistan al disco con muy buenos aportes musicales. Tal como el proverbio de las varas que al unirse se hacen irrompibles, Kill Shelter ha presentado una colección de tracks que tocan aspectos filosóficos de la vida, como la muerte, la decadencia, el punto de no retorno, o las despedidas. El aire de ‘Damage’ (Unknown Pleasures Records 2019) es denso, pero con instantes que purifican el aire y se valen de elementos orgánicos para darle un toque más humanizado a la oscuridad.
Así, en los once tracks del disco, aunque se reconoce plenamente el estilo vocal angustioso de Pete Burns (Kill Shelter) siempre hay un aire impredecible, justamente por el empuje distintivo que cada uno de los implicados le aporta al álbum. Quizás, por momentos, tanto navegar en mares fríos y caminar por tierras altas despobladas se torne en un ambiente empalagoso, pero al final el disco sale a flote por las individualidades que lo hacen brillar en un mundo tan artísticamente estancado como el nuestro.
‘Damage’- Kill Shelter (Unknown Pleasures Records 2019)
Si hay un canon en esta actualidad del darkwave, la canción ‘Bodies’ lo abraza con fuerza; este track es lo mejor del disco en cuanto a intensidad, melodía y ese amarre que hace con las fuerzas oscuras. Lo mejor de esta canción es un riff tenebroso que acompaña a la voz seca de Buzz Kull -algo hay en la canción que me hace añorar los mejores años de The Sisters of Mercy”. ‘Bodies‘ tiene un caracter fuerte que será recordado cuando pasen los meses. Por estas razones, este track fue elegido por Kill Shelter como carta de presentación junto a ‘In Decay‘.
‘As Trees Do Fall’, es la primera canción de ‘Damage’ y es una colaboración con la sensación holandesa ‘Bragolin’; ambos estilos quedaron bien implícitos, sobre todo en la parte de la guitarra con la que Bragolin ya ha hecho su propio sello. En ‘Kiss Me Goodbye’, une fuerzas con una de las mentes más prolijas del coldwave francés ‘Hante’. ‘Get Down’ tiene el espíritu de la electrónica oscura creada en la isla británica, es una canción fría y calculadora que va in crescendo, y en la que Pete Burns comparte el crédito con el proyecto polaco ‘The Shyness of Strangers‘; juntos crean una canción potente que golpea con fuerza los oídos “Everybody hit the ground”. ‘No Regrets’ es otra dosis doble de postpunk en la que el aliado en turno es ‘Undertheskin’, otro solista europeo de bajo perfil que crea música útil para palear el color y los días soleados. ‘Sever’ llega casi en la parte final del álbum y significa un trabajo junto con la artista inglesa New Haunts; la voz de ella le da a la canción un tinte dramático en la que la parte sintética toma mucho más fuerza. Si no fuera por ‘Bodies’, diría que este es el mejor pasaje del disco.
No es fácil coordinar las ideas y los tiempos para hacer un disco como este. Pero más allá de la logística, el álbum funciona y tiene un sonido robusto que satisface el estándar del presente. El reto será para Pete Burns, en decidirse por hacer un LP sin auspicio de otros artistas o volver a involucrar a músicos en boga; esta fórmula, por lo menos en lo que respecta a ‘Damage’, se tradujo en ideas bien realizadas.
A veces uno tiene una percepción imprecisa de las bandas que escuchas. Tener internet y estar conectado no necesariamente te da exactitud en lo que crees que sabes acerca de la forma en que funciona la música independiente. Koppa, el vocalista de Horror Vacui, habla de manera aleccionadora en cuanto a lo que significa ser un verdadero artista independiente que respeta y practica todos los días la autogestión de su música. Ni hablar de etiquetas ni escenas, porque ciertamente esta banda es en muchos aspectos distinta a otras bandas de Italia que entran en la categoría del postpunk. Horror Vacuison punks de cepa con orientación al goth y al death rock, y darán una serie de presentaciones en México, incluida una parada en el Foro Palíndromo de Guadalajara. Acá la entrevista completa con Koppa.
La música oscura está viva en todo el mundo, tal vez como nunca antes. ¿Cómo se perciben ustedes, les gusta la etiqueta de banda goth, se identifican con algún movimiento?
Koppa: Cuando vivía en Londres con Marzia (guitarrista Horror Vacui) en 2006, planeábamos tener una banda de goth rock. Íbamos a un pub donde todo los goths se juntaban y personalmente comencé a disfrutar este tipo de música (Marzia ya andaba en la onda de The Cure. Joy Division, Bauhaus, Sisters Of Mercy…). Al mismo tiempo que vivíamos en Brixton, tocábamos y nos juntábamos con unos punks crustys que tocaban hardcore. Si tengo que identificarme con un movimiento específico, sería definitivamente con el punk (si es que le podemos decir movimiento). Yo no niego la etiqueta del goth rock, es lo que tocamos y es lo que siempre hemos querido tocar en Horror Vacui. Los miembros anteriores y los actuales de la banda han tocado en muchas otras bandas; como Kontatto, Campus Sterminii, Giuda, Noia, Death Form Above, Tuono, Bleedingm, Ed, LMF, Tenebra, Headed Nowhere y la lista puede seguir…¿En dónde nos vemos nosotros? En algún lugar de en medio de la escena DIY hardcore punk y el goth/death rock/postpunk/new wave. Tocamos para ambas audiencias en los foros y clubes, sin que esto importe. Lo verdaderamente importante es asegurarnos de que ningún mierda o ninguna banda de la derecha estén involucrados en cualquier lugar donde toquemos. No sé si la música oscura está más viva ahora que en los ochentas cuando era niño y las bandas de new wave y goth rock dominaban las listas, pero creo que hay muchas bandas en el mundo que de verdad saben patear traseros y merecen más atención.
Recientemente los músicos italianos están haciendo mucho ruido en la escena del postpunk en el mundo. ¿Por qué crees que está sucediendo esto?
Koppa: De hecho estoy muy sorprendido de esto porque conozco pocas bandas que tocan postpunk en Italia y no estamos muy conectados con algunas de estas porque nos movemos en la escena DIY punk principalmente, especialmente en Italia donde tocamos 7 u 8 show en el año, debido a que los punks disfrutan de nuestro estilo y no a todos los goths les gusta nuestra actitud…Me da gusto escucharlo de ti, pero creo que es sólo la sensación de alguien que vive lejos de nuestro país y no sabe bien lo que realmente sucede aquí. Si lo dices porque conoces a Soviet Soviet and Ash Code, aunque hayamos tocado alguna vez con ellos, no tenemos contacto con estas bandas y esa escena. Sin prejuicios, esas bandas son muy buenas en mi opinión y las respeto, pero pertenecemos a mundos distintos. Hay una banda llamada “Education” ( de Roma) que son de verdad chingones, y, como nosotros, son punks. [Espero que tengas la chance de escucharlos].
Al momento que entraron en la escena tal vez no existía el auge que existe hoy en el postpunk o el goth. ¿Cómo comparas ese 2010 de este 2019 en términos de crear y compartir la música?
Koppa: Realmente no veo mucha diferencia. En Italia las cosas van de la misma forma. Tocamos para la misma audiencia desde el principio. El número de gente que se ha acercado al postpunk en la escena punk DIY, probablemente se ha incrementado un poco, pero estoy hablando de 20 nuevas personas que comenzaron bandas o van a nuestros conciertos. He visto más diferencia en Europa, pero no sé si es porque nuestro nombre creció bastante durante este tiempo o porque mucha gente más se ha acercado a este estilo de música. La mayoría de la gente nos considera una banda punk, entonces, es difícil para mi entender si lo que tocamos está en boga o no. Honestamente no me importa porque tocamos lo que nos gusta.
Cada grabación es diferente ¿Cuál ha sido la mejor historia de ‘New Wave Of Fear’ hasta ahora?
Koppa: Este disco fue escrito entre 2015 y 2017. Dos canciones son acerca de migrantes que tratan de tener una mejor vida en Europa porque en sus países hay guerras, miseria y pobreza. Mucha gente en Europa es racista y no quieren a los migrantes en sus países y la derecha ha estado ganando más aceptación y esto nos asusta muy cabrón porque la sombra de una dictadura fascista está a la vuelta de la esquina. Entonces tenemos algunas canciones acerca de la vida y abordamos la vida diaria, y otras canciones tienen que ver acerca de nuestra percepción de la muerte.
¿En qué están trabajando ahora, hay nueva música que venga pronto?
Koppa: Tenemos 5 nuevas canciones listas ( las vamos a tocar en México) y estamos trabajando en 3 o 4 canciones más que están en nuestras mentes, pero no las hemos ensayado juntos. Con suerte las vamos a terminar para finales de año y a grabarlas en el próximo verano. Por supuesto que el nuevo disco será algo diferente a “New Wave Of Fear” como ha sido una constante en todos nuestros discos. Cada álbum suena distinto.
¿Tienen alguna conexión con alguna banda latinoamericana o mexicana?
Koppa: Realmente no. Conozco algunas bandas y me da gusto vayamos a compartir el escenario con algunas de estás durante la gira por México. Pero nunca hemos tenido contacto con bandas de esos lugares a excepción de Fofao, un amigo brasileño que tiene un proyecto en solitario llamad “Besthoven” que tiene años tocando punk y le gusta también el postpunk. No somos muy activos en las redes sociales, uso Facebook para promocionar los shows de mi banda y para promover a las bandas de mi sello (www.agipunk.com). No tengo Instagram. Crecí en los noventas y la única forma de conectar con gente y descubrir música era escribiendo cartas e intercambiando cintas. A medida que el internet se volvió parte la vida diaria de la gente, la magia de descubrir nueva música se ha desvanecido un poco para mi, porque ahora puedes tener acceso a todo con un simple click.
Su música es bien recibida por los fans mexicanos. ¿Qué sentimiento les provoca dar algunos shows en México?
Koppa: Sentimos que México nos está dando la oportunidad de tocar algunos shows. La música es nuestro vehículo para viajar por el mundo, esparcir algunos mensajes, conocer gente nueva, hacer nuevos amigos y vivir nuevas experiencias. Estamos muy entusiasmados de estar ahí y no podemos esperar a tocar para la audiencia mexicana. Nuestras expectativas nunca son altas porque somos punk rockers y odiamos a los rockstars y toda esa mierda, entonces, lo que sea que ocurra, estaremos felices. Queremos agradecer profundamente en nuestros corazones a César Daniel Bustamente por gestionar esta gira y ayudarnos a movernos a través de México.
Lo fortuito de mi existencia en los últimos meses es encontrarme con música que llega de alguna forma a mi bandeja de entrada. Recientemente he tenido un idilio con España, en específico con la escena de Barcelona que es tan rica y diversa. La recompensa de escribir sobre Fata Morgana, Des Ames Libres, SDH o Mandivula, me ha permitido conocer el sonido de Ca de Bestiar, otro proyecto de esa parte del mundo que es intrigante y a la vez catártico.
Todo comenzó con un demo de bajo perfil grabado en 2018; y me refiero a bajo perfil, por su desdeño en la ambición mediática, pero dando un paso muy firme en la cuestión musical. Ca de Bestiar retumba en los oídos con un sonido under inmaculado y frenético. Como un punk sintético oscuro, vanguardista, bailable y obstinado en el pasado.
Ca de Bestiar son un dúo de Barcelona que, inspirados por bandas como Esplendor Geometrico, Liasons Dangerouses, Parálisis Permanente o Suicide, deconstruyen el punk transformándolo en industrial, e inyectándole a su música un ambiente urbano de neurosis, beats y programaciones que inducen a un trance bestial. Han lanzado un EP de seis tracks bajo el auspicio del sello barcelonés Magia Roja, una discográfica que acoge a distintos proyectos con la etiqueta experimental.
El track con el que Ca de Bestiar se presenta al mundo de la música de una manera más agresiva es ‘Chicos Salvajes’ que tiene que ver mucho con la impronta de Suicide en la música, pero que brilla de manera propia gracias a ese toque de ansiedad moderna que le imprimen los implicados en este proyecto. Así, la canción es un pulso electromagnético amplificado que seduce y atormenta con una voz atiplada a razón de música audaz, creada ex profeso para la pista de baile.
El EP se compones de seis tracks con casi la misma cuota de éxtasis. ‘Seul’ tiene una línea de bajo mortífera que se enlaza a una muy buena melodía. ‘En la Calles’ baja las revoluciones en los compases para hacer una canción que tiene mucho que ver con el postpunk. ‘La Secta del Perro’ es un viaje por el electro clash con un aura muy dura, muy contundente. ‘Torso‘, el track siguiente, surca el mismo camino del frenesí de ‘La Secta del Perro‘. Y en el final Ca de Bestiar se guarda ‘Canibalismo Negro’, una decidida canción oscura que produce una atmósfera de pesadilla continua, como una especie de anti música que se puede ubicar en la corriente de la no wave.
Pueden escuchar a Ca de Bestiar aquí y dejar la apatía de la existencia moderna por un buen rato.
La música underground y su difusión se hace cada vez más vertiginosa, y en cada vendaval llegan semanas repletas de nuevos tracks, nuevos álbumes y videoclips de artistas con potencial suficiente para seducir a los que buscan sonidos frescos que renueven sus catálogos. El tiempo para mi últimamente ha sido como dos manos que aprietan mi cuello y no me sueltan, y cuando lo hacen, me topo con la procastinación y el desinterés de escribir tan solo una líneas coherentes de algún nuevo artista. Justo en este trámite del tiempo y la abulia, llego a mi Vukovar, un proyecto originario del Norte de Inglaterra que ha permanecido activo y prolífico desde 2014, y entrevera muchas cosas, pero parte del postpunk para hacer una música con facetas etéreas, new wave, pasajes corrosivos, tranquilidad, angustia y locura. No tener fronteras bien delimitadas en el sonido que ha creado esta banda, ha sido su mejor escape a la ilusión.
Vukovar no hace tracks iguales, en su álbum “Cremator” de 2019 crea momentos, estados de ánimo y situaciones confusas en las que un tercio de la música puede insertarse en la curva de aprobación del postpunk y todo lo demás son experimentos de música con atmósferas lúgubres y melancólicas, en una psicodelia que crea imágenes bitonales.
Escuché “Cremator” (2019) por primera vez en el infierno de junio y su calor pegajoso; ‘Roma Invicta’, el track que inicia, es de lo mejor del álbum, con percusiones penetrantes, frases cantadas en coro y el uso del sintetizador como un elemento minimalista que le da un carácter sofisticado a la canción. ‘Love Meetings’ e ‘Interment By Mirrors’ son dos agujeros dimensionales que nos transportan a un mundo de mucha distorsión. Vukovar en estos pasajes renuncia al estribillo pegajoso y se vale de la repetición, de los sonidos ácidos. Luego ‘Dive For Your Memory’ suena tan cándida como si la hubiese escrito algún gigante del new wave de los ochenta. ‘Prurient’ cambia de nuevo la dirección con algo más complaciente para los que les gusta eso a lo que llamamos postpunk en estos días, en una canción oscura, con un bajo vehemente y de nuevo la manera en que esta banda aprovecha los sonidos sintéticos para darle tintes de dramatismo a sus canciones, sin la necesidad de aturdir.
Vukovar – Cremator – 2019
‘The Cold Lord’ es un capítulo etéreo, rasposo, del que es difícil librarse, pero estoy seguro que le va a encantar a los escuchas más clavados. Y eso de lo que hablaba antes, en referencia a los cambios de estilo repentinos, queda plasmado con el siguiente track ‘Love’s Provocation’, de nuevo encallando en ritmos más afables. ‘Voices/Seers/Voices’ tiene una parte vocal muy agradable que suena algo a Echo & The Bunnymen. Es la canción más elaborada del disco y su estribillo intenta sobresalir del resto en medio de un pasaje ruidoso. Vukovar dejó en el lado B del disco su faceta más suave, más azotada; las canciones más melancólicas estás acomodadas en los últimos cuatro tracks del disco y la final termina con una sensación de angustia.
“Cremator” fue parte de mi infernal junio de 2019 en un lado del mundo en el que conocemos y apreciamos tanto a los músicos ingleses que siempre encuentran la forma de sobresalir en el rock. Vukovar, en apariencia, se resiste a clonar fórmulas y evita componer canciones en el disco con el mismo feeling, por lo menos no lo hace consistentemente y trata de potenciar su lado experimental. Es un álbum de contrastes, tanto en los musical como en lo anímico, después de todo así es el camino del ser humano. “La inconsistencia es mi esencia, dice la rueda”.
Muchas veces la vida te presenta oportunidades, elecciones limitadas por las inquietudes personales, por el tiempo que vives y por los sucesos incontrolables que deforman la ilusión de la realidad. Cuando eres músico y te jactas de ser artista, tienes que plantearte por lo menos una vez en tu carrera ir a las mazmorras de tu psique, ir al fondo de tus motivaciones y encarar a los demonios para convertirlos en lírica y notas. Todos los músicos identificados con la oscuridad se topan con estos retos en algún punto, si no, no existirían álbumes como Closer, o Black Celebration, o Darklands, o In the Flat Field.
El dueto australiano Pleasure Symbols, en el que Jasmine Dunn y Steven Schnorrer comparten la inspiración, ha tomado esta alternativa de ir al fondo y no duplicar el sonido de un muy exitoso EP debut, ni replicar un track hermoso como ‘Control’ con tal de asegurar el confortable reconocimiento. Al contrario, con “Closer and Closer Apart“, aunque ha quedado implícito el estilo propio de este proyecto, es notable una extensión en su sonido; El bajo tiene más protagonismo y las melodías de la guitarra sirven para auspiciar el tono suave y melancólico de Jasmine Dunn. Así, el álbum está en el punto medio del dream pop y el postpunk con canciones que sirven para perpetuar esa búsqueda eterna de encontrarle algún sentido a las emociones.
Cada disco, cuando está plasmado con artesanía, logra transmitir una energía (tal vez simbólica) y “Closer and Closer Apart” tiene una fuerza oscura que te azota con esmero contra el pavimento. Sus argumentos, como ya es un lugar común en nuestros días, caminan entre la disociación de ideas, los recuerdos, la pesadumbres, el amor como una inagotable fuente resentimiento y dolor, y la muerte vista como ese acto inevitable de poesía negra que es un punto sin retorno de nuestra condición humana. Obviamente -como también es un lugar común en el postpunk que se hace ahora- la música y la voz pasan a través de la reverberación para darle un tono más dramático a las imágenes del disco.
Pleasure Symbols – Closer and Closer Apart – Avant! 2019
‘Endless’ es el inicio del viaje que encuentra su fuerza en una muy buena línea de bajo y un beat down tempo en el que Jasmine frasea como en una especie de anticanto que a final de cuentas resulta en una voz interna que le habla a su conciencia. ‘Dissociation’ es nocturna y fría; una melodía que va creciendo para culminar con un estribillo intenso y una guitarra distorsionada inmersiva.
Todos los grandes álbumes oscuros de la historia, tienen sus gemas, y precisamente ‘Image Refelected’ es una de ellas: esta canción y su enorme musicalidad serán recordadas por mucho tiempo. Es tan igual y a la vez tan distinta a los demás tracks del disco, pero tiene en su melodía un brillo especial, una amplitud que prueba la influencia que ha dejado en el subconciente una obra como ‘Disintegration’ -tan en boga por estos días-. ‘Heavy Breathing’ existe en el universo de la distorsión, pero se ajusta de manera muy precisa en los estándares del goth rock. Para mí ‘Chain of Love’ es otra de las gemas del disco, un grito inspirado en el interminable mito del amor que recrea un paisaje de música envolvente.
Hay que ir al fondo, por lo menos una vez, pero hay que tocarlo para salir a la superficie. Quizás dentro de diez años cuando estemos conquistados por alienígenas o florezca aún más la negatividad de la humanidad, veamos a este disco como esa música mágica que era importante para un selecto grupo de humanos del 2019. No vacilo, su sonido tiene esa fuerza que viene de algún lugar recóndito del pensamiento moderno, te acecha y finalmente te domina para robarte las ganas de levantarte del sillón. “Closer and Closer Apart” no es un disco de tempestades, pero sí es deleite de la melancolía, tristeza reluciente.
En la esquina de la calle en la que vivo hay un negocio de alitas. Todos los días escucho de forma involuntaria esas canciones que suenan ahora, las que le encantan a la chaviza: Maluma, Pedro Capó, Imagine Dragons, Calvin Harris, Cumbia chilanga con la taladrante voz de Karla Morrison, y más del repertorio de un dj que complace a los que van a comer pollo frito y tomar cerveza mientras que en las pantallas de local invariablemente hay algún partido de futbol (Como si no existieran más deportes). Todo esto es muy curioso, porque al que programa la música de ese lugar, el otro día se le soltó de los dedos Blue Monday, y enseguida sonó The Great Commandment de Camouflage; mi cabeza estalló mientras cenaba quesadillas. Sentí que algo estaba mal, fue como uno de esos mentados errores de la matrix. Sentí motivación para escribir unas palabras sobre Veil of Light, un proyecto de música electrónica que me recuerda algo a Camouflage o a And One y que en 2019 siguen haciendo música chingona.
Veil of Light es un dueto de postpunk con un sonido industrial-sintético y de fuertes lazos retro futuristas. Este proyecto originario de Zurich en Suiza, acaba de lanzar su cuarto material de estudio a través del sello alternativo Avant! Records. ‘Inflict’, su flamante álbum, es un viaje frenético que rescata en su sonido las bases del EBM para llevarlo al punto de encuentro con una estética familiar al synthpop. Muy interesante es ese efecto que se reproduce constantemente al emular el golpeteo metálico y desde luego sus sintes bien acomodados en melodías rampantes que pintan un nave industrial en los oídos y hacen recordar esa época inocente en que nos imaginábamos un futuro con autos voladores, sustentabilidad y gansitos marinela con neón en la envoltura o pura distopia.
‘Inflict’- Veil of Light 2019
En ‘Inflict’, Veil of Light emula de muy buena forma algo que ya vivimos, pero vale la pena redescubrir las veces que sea. Su sonido es una mezlca de actualidad con homenaje al pasado, también es muy rítmico y el tono de la voz es robótico, pero cálido; su estilo actúa de inmediato en los sentidos y es preciso como para cualquier club under donde todos bailan, pero nadie se mira genuinamente a los ojos.
Todo el disco funciona de principio a fin con distintas modulaciones en sus beats. ‘Inflict’ cumple en el sentido estricto del género porque es música estimulante, con ideas minimalistas en la parte vocal y un peso muy fuerte en los sintetizadores y loops que utilizan. Así, en el álbum brillan aparte tracks como ‘Animal Instinct’ una canción acelerada con una línea de sintetizador que suena a un ambiente de película de ciencia ficción y es un pensamiento sobre la actitud furtiva de los seres humanos. ‘You Done Me Wrong’ es la estrella de este disco con programaciones feroces, beats bien marcados, voces que emanan de un altavoz y un hedor industrial que va en aumento.‘Holy Wars’ tiene un EBM que hace recordar mucho los sonidos de Front 242 o Parade Ground, porque aunque es de un halo sombrío, su fuerza recae en una intensa melodía.
Hay que ser un poco cínico para perderse en la maleza de los tiempos modernos, quizás nos hemos convertido en seres muy nostálgicos y necesitamos evocar el pasado para recuperar algo de la felicidad perdida. Ser un poco cínico es disfrutar ‘Inflict’ como si fuese algo novedoso, ya casi nada lo es, pero en estos días alcanza solamente con hacer lo congruente y crear de forma honesta. Veil of Light tiene precisamente un sonido congruente, posado en sus influencias. Yo no debería decir más que me suena a tal o cual cosa, porque eso significa ser algo retrógrada, y hoy trato más de disfrutar esta música y otra que va saliendo. A mis vecinos de las alitas, sólo les pediría que suelten joyas más seguido, porque de tanto escuchar su ruido me pongo como brontosaurio.
