Entrevista: Werner Karloff “Pienso que se tiene que aprender del pasado para poder hacer una prospección más efectiva al futuro”

[Beto Sigala]

La electrónica de Werner Karloff es tan vertiginosa como la vida de la CDMX; compases acelerados, sintetizadores, postmodernidad, y un gusto firme para reflejar pasajes urbanos, la industrialización, la deshumanización descontrolada. Werner es una mente prolífica del ‘under’ mexicano cuyos orígenes se remontan a ambientes fabriles en las que lo cotidiano se vivía en momentos oscuros y monótonos, pero además en su música hay una bien definida influencia de la electrónica alemana de los ochenta, en la que vienen implícitos el punk y el postpunk. Werner Karloff visitará la ciudad de Guadalajara el próximo 21 de septiembre y se estará presentando en Sin lágrimas/No cabaret 02 en el Segundo Piso de esta ciudad. Antes de que su envión de música aterrice en Guadalajara, Werner nos compartió algunos aspectos de su música y de su vida personal.

 

¿Cómo fue que descubriste el estilo que tienes ahora, qué tuvo que pasar para que adoptaras tu nombre actual y llegaras a los sintetizadores y programaciones?

Werner Karloff: Empecé a escuchar punk ingles de la ola del 77 cuando tenía 16 años, eso me dio la pauta para conocer el post punk y el new wave con ejemplos como Tubeway Army de donde salio Gary Numan o Buzzcocks de donde salió Howard Devoto quien crearía Magazine que fue la banda que me abrió el panorama para seguir buscando música , Magazine fue el preámbulo para que algún día me decidiera a crear alguna vez música, pasaron los años y yo seguía coleccionando y escuchando música , hasta que en 2011 me empecé a encontrar proyectos que tenían un sonido electrónico sin ser new wave pero con reminiscencias de post punk y hasta de Italo disco, de alguna manera había estado buscando esa comunión de todos los estilos que me gustaban y me encontré con el termino Minimal synth o Minimal wave, fue cuando escuché el proyecto Stratis , Lineas Aereas , Das Ding y Phillipe Laurent ( estos últimos dos fueron los primeros lanzamientos del sello Minimal wave) que me decidi por fin a hacer música con sintetizadores , use el nombre ‘Werner’ por el actor alemán de expresionismo alemán Werner Krauss y Karloff por Boris Karloff actor de cine de películas de terror clásicas, así con el tiempo practicando, escuchando, estudiando es que poco a poco he podido dominar mis instrumentos .

Así como habemos muchos seguidores de hacer música de la forma en que se hacía en el pasado, también hay muchos detractores de los revival. ¿Cómo respondes creativamente a los que opinan que todo debe ser progresión sin mirar al pasado?

Werner Karloff: Pienso que se tiene que aprender del pasado para poder hacer una prospección más efectiva al futuro, no se trata de copiar o hacer lo mismo que hace 30 años sino de aprender de todos ellos que nos antecedieron y crear nuestro presente musical basado en nuestra realidad .

Tu estilo tiene mucho que ver con la impronta de la electrónica alemana de los ochenta, pero además de eso ¿Qué refleja tu música del México actual?

Werner Karloff: La mayoría de mis letras son pasajes cortos de cosas que veo o he vivido en la ciudad de México, años antes de hacer música estuve trabajando varios años en una pequeña fábrica, lo que me llegó a pasar ahí me hizo sentirme identificado por ejemplo con la realidad que tenían muchos de los miembros de bandas de Uk y Alemania, esa precariedad, bajos salarios, accidentes, el tener que juntar con mucho esfuerzo para un instrumento, mis primeras letras hablan mucho de lo que pasé en esos años.

 

La escena de la electrónica en México es muy diversa y muy amplia, pero a veces poco difundida ¿Has sentido alguna vez que tu música es más apreciada en otras partes del mundo que en tu propio país?

Werner Karloff: Si pasó al principio pero todo es un proceso y un aprendizaje, como artista y también como público, creo que todo el trabajo que he hecho estos años por fin esta dando resultados, cuando empecé a tocar casi nadie conocía el estilo o el termino, no había eventos de esta música, y la otra escena mas próxima la gótica / post punk también tenía cierto estancamiento con proyectos que iban y venían que no lograban un sonido y estilo sólido a mi parecer, tuve que ir primero a tocar a Alemania para que poco a poco se fueran abriendo mas puertas para mi y para mi colegas mas próximos, ahora ya hay mas lugares con apertura a estos estilos, proyectos se están gestionando y mejoran su calidad, hay más público y más gente sigue este tipo de música, por mi parte ya tengo más apertura para tocar seguido fuera de la ciudad en otros estados donde ya se está expandiendo lo que pasa en ciudad de México, en fin, sí costó trabajo llegar a este punto pero era necesario dar pauta para tener este crecimiento musical en México .

 

La vida de la mayoría de los músicos ‘under’ es un dilema al tratar de mediar entre buscar el sustento y tener la libertad para componer y hacer tocadas ¿Qué tal ha sido para ti gestionar tu música de manera independiente?

Werner Karloff: Pues sí es difícil, en estos momentos sí estoy dedicado a los live set y a grabar, también tengo una pequeña tienda de viniles con dos amigos y también es un soporte para mi, yo tuve que renunciar a mi anterior trabajo porque ese mismo año iba a tocar dos veces en Europa, tenía la oportunidad de regresar pero empezaron a salir más eventos fuera del país, entonces poco a poco fui gestionando la manera de poder percibir lo necesario para mis gastos, esto es como el freelance por así decirlo , hay temporadas buenas y otras regulares, entonces siempre trato de agendar mis fechas cada mes y hacer prospección del siguiente para tener todo calculado .

¿Qué representa para ti hacer un performance en Guadalajara, o en cualquier otro lugar que no sea la CDMX?

Werner Karloff: Como mencioné en una pregunta anterior, esa expansión que se está dando en ciudad de México está llegando a otra ciudades, me gusta tocar en otras ciudades porque se que pongo mi grano de arena para hacer crecer esas escenas, el tener esa retroalimentación me gusta mucho, siempre aprendo mucho y si algo de lo que hago es el aliciente que alguien necesitaba para poner en marcha su proyecto que mejor.

 

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Reseña: The Rain Within ‘Atomic Eyes’

[@betosigala]

Es una urbe futurista y el Delorean de “Ready Player One” recorre una realildad virtual en donde el neón contrasta con la oscuridad de los edificios y los callejones citadinos son lugares inexplorables. La ciudad es un remedo de los ochentas, con destellos de la época, Nikes de bota, sintetizadores y una sensación de estar justo en mil novecientos ochenta y tantos, pero inmerso en una densa masa, en un thriller de ciencia ficción en el que la música sonoriza las secuencias y acorrala al protagonista en una emoción confusa.

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La música de The Rain Within ha aclamado esa potestad ambivalente; su emotividad es tan oscura en sus líricas como nostalgica y melodiosa en sus ambientes. “Atomic Eyes” es una suerte de synthwave con fases muy rítimicas en las que el sistetizador es el principal ente que comunica una ansiedad retro futurista. Tales contrastes son una constante en la música de este artista llamado Andy Deane y que surgió de la escena oscura de Virginia en los Estados Unidos, para hacer su propia versión de lo que significa retomar lo análogo y reinterpretar sus influencias para acomodarlas en el contexto actual.

“Atomic Eyes” es un sueño lúcido que ciertamente recupera tanto elementos cinematográficos como porciones del pasado musical del synthpop. Su sonido de urbe futurista bien puede traducirse en una fantasía distorsionada del pasado, en el que los objetos ochenteros sobreviven, pero el aire es de mucho peso. Tal como recorrer el mundo épico de una película como “Kung fury”, en la que la fantasía y las referencias del pasado se mezclan para proponer una nueva estética vigorosa. El horror, la fantasía y el éxtasis de la nostalgia componen un juego mental con melodías lánguidas.

Desde su inicio promisorio con la canción ‘Like The Devil’, este álbum constituye una fantasía gótica retro-futurista; este es un track de nostalgia amorosa, de los caminos tortuosos de la pasión, pero su más allá de su lírica, su construcción es un paisaje gris armónico, como una danza entre dos fantasmas en medio de un vestíbulo macabro. ‘Dividing Line’, explota más el viaje de la tecnología y es un paseo por un paraje de dos dimensiones con un beat más decidido. ‘Atomics Eyes’ por su parte tiene ese brillo que se observa en los protagonistas de una fantasía post apocolíptica en la que de las cenizas de una civilización y en medio de explosiones se construye un nuevo horizonte crepuscular más esperanzador. En ‘Rain’ por su parte, Andy Dean, explora en compases más acelerados y esta canción es una emulación de el techno bailable sin llegar a la algarabía y respetando esa misma línea del estilo vampírico y solitario de The Rain Within.

El mundo ha cambiado de forma irremediable desde aquella década de los ochenta a la que seguimos mirando como un reducto de nuestra propia imaginación e intensos recuerdos. Es difícil renunciar a la tecnología análoga, porque tiene un hedor más puro e inocente. La música de The Rain Within, recurre a sus nostalgias para llenar los vacíos de la vida moderna. En su estilo y lo que lo define como creador, es esa capacidad ambigua de separarse de buena manera de la mayoría de los artistas de la oleada del New Retro Wave. Andy Dean es más teatral, se notan sus influencias del cine de John Carpenter y John Hughes. Su onda va en muchos sentidos por los estados anímicos, la solitud y una muy elegante manera de abordar el horror.

 

El promisorio EP debut de El Ojo y La Navaja

En algún punto de la historia de la música, cuando la tecnología lo permitió, los punks voltearon a los sintetizadores para ampliar su experiencia. El mismo Gary Numan vio en los teclados y las interfaces una nueva manera de comunicar ideas. El caso de El Ojo y La Navaja es una prueba de este espíritu del punk transmutado a los sintes y las cajas de ritmo. Este proyecto mexiquense, es una masa cacofónica oscura y rítmica que induce al trance y a la danza macabra en forma de minimal synth. Su sonido es muy fiel a la época en que se definían los estándares del post-punk y todas sus variaciones. Beats acelerados y capas de sonido creadas a partir de sencillas melodías de teclados y ese inconfundible aire que emana de la tecnología analógica.

Esto es parte de lo que inquieta a El Ojo y La Navaja, envueltos en una masa de misterio que privilegia la creación por encima de la identidad de su creador y que subsiste por su mensaje sombrío, por su atmósferas abigarrada y voces sobreproducidas en donde también cabe la agitación del cuerpo.

El Ojo y La Navaja recientemente ha estrenado su primer EP “Anarquía Coronada” que le da continuidad a su primer sencillo (un homenaje vertiginoso que hacen en su propia versión de ‘Extintos’, un tema original de la banda mexicana de punk Sedición). Desde ese primer track, este proyecto abrió la caja de su sonido, la dinámica que los identifica y sus alcances en la escena oscura del centro de México.

“Anarquía Coronada” por su parte, tiene una orientación definida e inspirada en la transgresión y el nihilismo planteado en el ensayo “Anarquista Conorado”. El EP sobresale tanto por su búsqueda individual legible en sus seis tracks, como por su capacidad de entretener sin formas rebuscadas y respetando bien la estética del punk cuando se filtra a través de la electrónica. El minimalismo acelerado de “Anarquía Coronada” recorre de principio a fin el disco, tal como si fuese un mega mix con un propósito simplista de pocas variaciones. Al final el EP es muy claro en su idea; sus compases provocan el movimiento del cerebro y la parte vocal es una membrana dura en la que sólo penetran vagos ecos. ‘Nostalgia de la muerte’ es el track que corona todo el experimento; es un réquiem de gran estética que expresa más que en cualquiera de los otros tracks el buen potencial del sonido de El Ojo y La Navaja.

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“Creo que la experimentación es un campo abierto a posibilidades asombrosas”: Equinoxious

[@betosigala]

Equinoxious es uno de los prodigios de la música contemporánea de nuestro país. Su inventiva parece una onda expansible inagotable y su ingenio para sacarle provecho a los sintetizadores es algo que ha llamado la atención del mundo conectado. En la superficie muchos lo catalogan como un acto musical de nostalgia, pero sus discos van más allá de lo simple y su inspiración tiene que ver con cosas más abstractas. Lo que habita en su mente debe ser algo electrizante, debe haber varios microprocesadores bien conectado. Su forma de trabajar es meticulosa y raya en lo artesanal; eso se traduce en una gran experimentación sónica.

Tuve la suerte de que me compartiera algunas de sus ideas, de sus motivaciones, de su recién parido “Limite Voltaico”, y esto es tan sólo un esbozo de su elaborada personalidad artística.

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Eres un músico muy dinámico, de muchas ideas y que provoca que crear álbumes con sentido de principio a fin parezca fácil. ¿De dónde viene tanta creatividad?
Equinoxious: Debido a horas de exploración en la síntesis sustractiva, en realidad tengo un trastorno del sueño y me impide llevar un horario “habitual” para llevar la vida tranquilamente, pero esto puede ayudar a conocer mis instrumentos y estudiar del tema, así como escuchar música electrónica y otros estilos; analizarlos a mejor detalle durante horas. Sin embargo, recientemente me he enfocado a muchos discos primarios del genio y fundador de la “nueva escuela del sintetizador analógico de los años 2000”, me refiero a mi amigo Sean Mcbride (Martial Canterel/Xeno and Oaklander) pricipalmente sus LPs como “Austerton” o “You Today” me han motivado a usar algunas de las mismas cajas de ritmo que se utilizaron en esos discos. Creo que la experimentación es un campo abierto a posibilidades asombrosas y resultados inesperados, pero me gusta que las cosas tengan una dirección y una planificación en cuanto a paleta de sonidos, tipo de ritmos y estructuras.

¿Hay algunas diferencias rítmicas entre “Límite Voltaico” y “Amplitud Nuclear”. En tu visión como creador, qué los acerca y qué los hace distintos?
Equinoxious: Ambos siguen la línea de “minimal electronics” “minimal synth”, sin embargo considero que “Limite Voltaico” es un disco más rítmico a diferencia de “Amplitud Nuclear” que tiene una tendencia más experimental y más melódico en algunos temas. “Amplitud Nuclear” fue un álbum conceptual-experimental en el que abusé en el uso de filtros y modulaciones, “Limite Voltaico” está basado en sonidos más mesurados, además que de alguna manera me han inclinado a empezar a explorar más la síntesis FM (la unión de dos osciladores, una onda moduladora afecta a una portadora, obteniendo timbres ricos en armónicos con un carácter más metálico y frío, y que ejecutando de forma correcta esta técnica de síntesis puede “emular” barrrido de corte de filtro sin utilizar un filtro en si).
“Límite Voltaico” es un disco más discreto y elegante, cada sonido fue mejor pensado antes que experimentar horas con ellos. Utilicé cajas clásicas como TR 606, MFB 501, KR55, todas ellas fabricadas a principios de los años ochenta.

¿Cuál ha sido el mayor reto de crear “Límite Voltaico”? Nosotros ya escuchamos sólo el resultado final, pero ¿Qué tal ha sido todo el proceso?
Equinoxious: Ha sido un proceso algo largo, pues todo el equipo que utilicé fue hardware vintage. Utilicé un secuenciador muy primitivo (roland csq600) en el que tuve que ingresar nota a nota para hacer progresión de notas, algunas tomas fueron grabadas en una sola toma, además del modelado de sonidos y la programación de cajas de ritmo y la paleta de sonidos. Sin embargo no descarto la parte digital, utilizo Cubase para grabar y mezclar.

Ahora hablamos de que la escena actual del post-punk/darkwave/synthwave o lo que sea, está creciendo y es ya muy distinta a otras eras de la música en México. ¿Te consideras parte de un movimiento, o prefieres alejarte de géneros y etiquetas?
Equinoxious: Creo que cada vez surgen más proyectos en México con gran potencial, manteniendo siempre el sonido que evoque el movimiento para la pista de baile (cajas de ritmo/sampleos a la LinnDrumm, con reverb en la snare y bajos punteados) Para ser sinceros, prefiero mantenerme en mi género, prefiero mantenerme en crear sonidos, explorar la síntesis, hacer más música y me considero en el movimiento del revival de los sintetizadores analógicos de los años 2000, el minimal electronics.

Sucede que en ocasiones gente como tú tiene un enorme reconocimiento en el extranjero. pero que en tu propio país cuesta buscar espacios y cómplices con los que compartir intereses. ¿A ti como te va en este sentido?
Equinoxious: Totalmente de acuerdo con tu pregunta, he tenido la oportunidad de viajar a otros países y aunque en gran sentido el underground es similar que aquí, cada quién va formando su actividad autogestiva, amistades y circuitos de espacios y vías para poder propagar su música.

Obviamente en tu música se percibe la nostalgia de los ochentas, pero cuando escucho tu música y veo tus videos me viene a la mente que tomas cosas de épocas aún más lejanas como del cine y la literatura de los 50’s y 60’s, es verdad esto?
Equinoxious: Amo el cine japonés de la nueva ola que se suscitó entre 1950-1970. También la poesía creacionista, y en las artes plásticas aprecio mucho el avant garde soviético (A veces diseño algo de esto cuando estoy aburrido).

¿Crees que finalmente la tecnología termine por abrumarnos, crees que todo este desarrollo que vivimos acabe algún día con la creatividad para hacer música interesante?
Equinoxious: Vivimos en la edad de oro de lo analógico-digital. Las posibilidades que alguna vez quedaron inconclusas en los sintetizadores controlados por voltaje, han sido resucitado con tecnología imposible de desarrollar pero que algunos imaginaron en aquellas épocas, estamos hablando de hace casi cuarenta años. Alejados del tema de lo “virtual, los plugins y tecnología software”. Creo más en la unión de la retro- tecnología (conexiones por voltaje, cv/gate y midi) y nuevas interfaces modernas, permitiendo hacer cada vez más dispositivos sofisticados (mundo del sintetizador eurorack modular) Las posibilidades cada vez son mayores, pero la creatividad implica en ocasiones una mirada a una esfera más simple, desarrollar cosas sencillas, directas y concretas conlleva un proceso creativo alto. Es por ello que retomo el pasado como un punto de partida que me permita llevar un camino fijo y desarrollar un estilo característico que cada vez es mas notorio en mi música.

Límite Voltaico de Equinoxious disponible en vinilo

https://equinoxious.bandcamp.com/