The Cure en su encuentro con Baudelaire

[David Rangel]

La música del llamado postpunk se ha  caracterizado por una estética definida, una actitud heredada del punk de hacer las cosas por ti mismo, en la que no es necesario ser un virtuoso para poder expresarse de manera original. A pesar de compartir tal actitud con su antecesor inmediato,  este último optó, en muchas ocasiones, por tener idilios con la literatura, aspecto que ya había sido abordado por el rock, pero con distintas temáticas y matices, basadas en la fantasía  y diversas  distopías  o vuelos al interior de la psique humana y ensoñaciones visionarias del futuro. Las bandas que emergieron a finales de los setenta se decantaron por otras vetas literarias de corte introspectivo. Tal es el caso de Joy Division  y sus referencias a Gogol, Borroughs, J. G. Ballard o  Dostoievsky. Ian Curtis hizo suyas tales influencias de manera más alegórica y oscura.  The Cure hizo lo propio con el existencialismo en sus opera prima. Inspirados en la obra de Camus “El extranjero “con “Killing an arab” o  “Los ojos de los pobres” de Charles Baudelaire” en “How Beautiful You Are”, retratando un pasaje  clave de la novela del argelino y  una visión sintética del poema del parisino, por mencionar dos de los temas más logrados en este sentido por lo británicos.

En el primer caso narra el instante decisivo en el que Mersault, bajo la amenaza distante de su enemigo, el  inclemente sol, la jaqueca y el absurdo existencial de trasfondo, toma la decisión que lo llevará al patíbulo: asesinar a un árabe en una playa, siendo juzgado  finalmente por su persona más que por los actos cometidos;es un tipo inmoral, indiferente , ateo, hedonista, e insensible ante ciertas convenciones sociales.

El segundo caso, la adaptación texto Baudelaire, presenta los rasgos esenciales del poema original en el que se narran las desavenencias entre dos amantes, el desengaño de la ilusión de la unión total entre ambos, a la manera en que Platón relata  tal vínculo originario en el “El Banquete” con el mito del andrógino. Dicha situación culmina en una afirmación amarga. La adaptación de la prosa poética de Baudelaire apunta a momentos precisos que generan la sensación de conjunto y se hacen algunas alteraciones en torno al significado del poema al que se rinde tributo. A continuación se citan extractos del poema original y su correspondencia con la versión de Robert Smith:

“¡Ah!, quieres saber por qué hoy te aborrezco.” “Juntos pasamos un largo día, que me pareció corto. Nos habíamos hecho la promesa de que todos los pensamientos serían comunes para los dos, y nuestras almas ya no serían en adelante más que una”   “Al anochecer, un poco fatigada, quisiste sentarte delante de un café nuevo que hacía esquina a un bulevar, nuevo (…) “Enfrente mismo de nosotros, en el arroyo, estaba plantado un pobre hombre de unos cuarenta años, de faz cansada y barba canosa; llevaba de la mano a un niño, y con el otro brazo sostenía a una criatura débil para andar todavía” “Las tres caras tenían extraordinaria seriedad, y los seis ojos contemplaban fijamente el café nuevo”   “Los ojos del padre decían: «¡Qué hermoso! ¡Qué hermoso! ¡Parece como si todo el oro del mísero mundo se hubiera colocado en esas paredes!» Los ojos del niño: «¡Qué hermoso!, ¡qué hermoso!”

“No sólo me había enternecido aquella familia de ojos, sino que me avergonzaba un tanto de nuestros vasos y de nuestras botellas, mayores que nuestra sed. Volvía yo los ojos hacia los tuyos, querido amor mío, para leer en ellos mi pensamiento; me sumergía en tus ojos tan bellos y tan extrañamente dulces (…)”

“(…) cuando me dijiste: «¡Esa gente me está siendo insoportable con sus ojos tan abiertos como puertas cocheras! ¿Por qué no pedís al dueño del café que los haga alejarse?» ”

¡Tan difícil es entenderse, ángel querido, y tan incomunicable el pensamiento, aun entre seres que se aman!”

The Cure- “ How Beautiful you are”

You want to know why I hate you?
Well I’ll try and explain

You remember that day in Paris
When we wandered through the rain
And promised to each other
That we’d always think the same
And dreamed that dream
To be two souls as one

And stopped just as the sun set
And waited for the night
Outside a glittering building
Of glittering glass and burning light

And in the road before us
Stood a weary grayish man
Who held a child upon his back
A small boy by the hand
The three of them were dressed in rags
And thinner than air
And all six eyes stared fixedly on you

The father’s eyes said “Beautiful!
How beautiful you are!”
The boy’s eyes said
“How beautiful!
She shimmers like a star!”
The child’s eyes uttered nothing
But a mute and utter joy
And filled my heart with shame for us
At the way we are

I turned to look at you
To read my thought upon your face
And gazed so deep into your eyes
So beautiful and strange
Until you spoke
And showed me understanding is a dream
“I hate these people staring
Make them go away from me!”

The father’s eyes said “Beautiful!
How beautiful you are!”
The boy’s eyes said
“How beautiful!
She shimmers like a star!”
The child’s eyes uttered nothing
But a mute and utter joy
And filled my heart with shame for us
At the way we are

And this is why I hate you
And how I understand
That no-one ever knows or loves another
Or loves another.

 

Mientras que el poema de Baudelaire, hace uso de expresiones sutiles, metáforas elaboradas y referencias mitológicas, en ambos textos se conserva la tensión inicial: ambos expresan su disgusto. A uno de los amantes le parece súbitamente que no puede conocer a su amada, le parece un enigma, y toma la forma de un reproche amargo y con cierto enfado.  Un factor diferencial es la abundante descripción de Baudelaire de la ostentación y molicie humana, principalmente en comparativa con los desposeídos del mundo.  Y el término de la situación idílica se da raíz de la discrepancia entre los puntos de vista y la sensibilidad dispar respecto a la miseria de los otros.

En la versión de Smith, la riqueza se encarna en la belleza femenina e implícitamente en las diferencias de clase social, que se entienden casi como una parábola, tangencialmente, en la que la mirada de los pobres se centra en la beldad. La divergencia y decepción es producto de motivos análogos a los de Baudelaire, aunque de manera más vaga y sugerida.

Finalmente ambos son similares nuevamente en su conclusión, siendo matizados por las inferencias finales: para el poeta parisino, la aserción señala la dificultad de conocer al ser amado en la esfera más íntima e inaccesible: el pensamiento. Aquella zona que siempre está velada por la mediación del lenguaje y que es impenetrable incluso para los amantes devotos, resultando en una amarga queja semi solipsista.  Para el británico las cosas son más drásticas y tajantes. La conclusión es: el amor es ilusorio, una quimera, imposible. La otredad: incognoscible, por siempre inalcanzable en el espacio más inmediato en la que nos apercibimos, el pensamiento y el sentir; y en el que se anhela establecer vínculos con seres afines.  Años más tarde George Steiner formularía esta situación de manera sobria y brillante en su tercera (posible) razón para la tristeza del pensamiento: “Ninguna proximidad, ya sea biológica (los gemelos idénticos o siameses representan un caso límite), emocional, sexual, ideológica, ya sea la de toda una vida de coexistencia doméstica o profesional compartida, nos permitirá descifrar más allá de la incertidumbre los pensamientos de otro”.

Especial: Los mejores discos del 2018 -una lista arbitraria y sin rigor científico-

[Por David Rangel y Beto Sigala]

En medio del remolino cotidiano, la música que nos agrada encontró la forma imponerse al hastío de las crisis humanas, políticas y existenciales. Mientras nuestros dilemas continúan o se agravan en el 2019, el arte debe seguir siendo ese espacio de oxígeno que nos ayude a no morir culturalmente ante tantas invasiones de la música de plástico. En esta lista hay 12 discos – aunque pudieron ser una quincena- que conforman momentos, descubrimientos y estados de ánimo por los que rondamos los integrantes de este proyecto a lo largo del año que agoniza. Que 2019 sea mejor en la parte musical, es mucho pedir, para mi la cosecha de este año tuvo frutos geniales de creatividad musical.

The Damned – Evil Spirits
Desde el primer disco de punk oficialmente editado, hasta este 2018 de tinieblas en el que la humanidad (como nunca) atraviesa una coyuntura desesperanzadora, hay demasiada historia que contar. The Damned no sólo ha hecho punk rock, goth rock, postpunk o cualquier cosa con los que se les etiquete, ademas, esta banda británica ha sido un piedra fundamental de la subcultura oscura dentro de la música. Dave Vanian es quizás nuestro vampiro predilecto y su regreso con Evil Spirits (2018) es un deleite tanto para los que vivieron en aquella época del génesis del punk, como los que disfrutaron su renovado estilo en los ochenta con Phantasmagoria, o los que nos clavamos con esta banda legendaria recién en los 2000 con Grave Disorder. Evil Spirits se siente como un cápsula del tiempo, una oda redentora para el rock y para todos aquellos que ahora sepultan a este género en su capacidad de arte y gestor de cambio. Dave Vanian y Captain Sensible deben tener un pacto extraño con la música, porque en un tiempo casi condenado, ellos encuentran los riffs y las ideas para seguir sonando frescos. Es una contradicción reseñar un disco como este, mejor habría que difundirlo para que llegue a más escépticos del mundo.

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Shame – Songs of Praise
La mayoría de nosotros no estuvimos presentes cuando Gang of Four y The Fall eran puntales del movimiento postpunk y contribuían a definir una estética y un sonido. Aún hoy, este tipo de bandas siguen creando fascinación en muchachos que recién nacieron en los noventa, pero que han comprendido bien el rol de la gran bretaña en la evolución de este estilo. Shame es el caso de jóvenes debutantes que por momentos aborrecen tanta corrección política y se enfrentan al choque inevitable de la batalla de los sexos y los escalofríos que provoca un mundo tan contradictorio. Songs of Praise no sólo es un brillante debut, también es capaz de ser un tremendo homenaje a la tradición postpunk inglesa, y una separación de las bandas rusas o italianas que proliferan cada día más. Songs of Praise es a veces iracundo y otras tanto es rock esteta más suave. El disco ya no escandaliza a nadie, pero en sus discursos tiene una gran capacidad de ironizar de una manera inteligente sobre lo feo que se ha puesto la realidad del 2018, es por eso que el track ‘Lampoon’ es un buen himno satírico de estos tiempos.

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Lebanon Hanover – Let them be Alien
Si hay un proyecto musical de la actualidad que sabe capitalizar la alienación y la desdicha de vivir en un mundo con motivos de sobra para deprimirnos, ese es precisamente Lebanon Hanover, quienes con su sabiduría adquirida por los años y la certeza creativa que les ha dado un disco como “Tomb For Two” (Una pieza sobre la disfunción de la humanidad y la melancolía) tienen la confianza para regresar a hacer música en el sendero que William Maybelline y Larissa Iceglass han pulido con el tiempo. Cada track de este fonograma es ejercer el derecho de comentar sobre los lados oscuros de lo cotidiano con una opinión fuerte, sombría, que en ocasiones también rescata un mesurado e inteligente humor negro. Lebanon Hanover utiliza el descontento que crece en la juventud de este mundo para darle una banda sonora al aislamiento voluntario; todo esto como una forma de rebeldía que ya ha sido asimilada por muchos de sus seguidores, por eso se explica al darkwave como un fenómeno global que ha cobrado un nuevo vigor; este dueto y este disco son confirmaciones de esto.

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Screature – Old Hand New Wave
“Old Hand New Wave” es de los discos infrabvalorados del 2018, algo inadvertido en nuestro México, pero de fuertes vínculos con la escena de ese lugar de los Estados Unidos (California) que recientemente es un bastión de proyectos muy interesantes que tienen que ver con el postpunk. Screature hace un rock siniestro animoso con muy buenos riffs y coros memorables. Liz Mahoney tiene una voz grave que se apropia del vacío para hacer líricas sustanciosas sobre espacios donde se filtra cada vez menos luz. El álbum se compone de once consistentes tracks llenos de distorsión que en ningún momento fastidian y que van envolviendo al escucha en una masa espesa, fría, llena de magia, calderas, gatos negros, muerte y superstición; sus músicos han hecho un clan de brujería que te lleva por medio de lamentos y rock a una animación suspendida. “Old Hand New Wave” es un disco muy prolífico que sobresale porque además de ser una madeja de asuntos mortuorios, posee una importante fuerza propia. Seguramente hay elementos familiares en su música, pero también maneja de muy buena forma un estado de ánimo enfadado y singular. Es una protesta contra la falsa esperanza de la felicidad.

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Kælan Mikla – Nótt eftir nótt
Con poco más de cinco años de existencia el trío originario de Reikiavik, ha creado una tercera placa memorable. Una parte del encanto y el aura de que entramos en una dimensión distinta con la música de Kælan Mikla es que sus integrantes han optado por cantar en su lengua materna, alejándose de la tendencia a hacerlo en inglés para tener mayor alcance comercial ( dentro del rango del género) y comprensión. En este caso, y como en muchos otros- por ejemplo She Past Away- la inmensa diferencia lingüística no resta un ápice a su apreciación, más bien es uno de los ingredientes que los hace diferenciables dentro del panorama musical, ya que crea cadencias, sonidos y melodías vocales que no se encuadran dentro de los cánones que impone la hegemonía cultural y económica de los países anglosajones. ‘Nótt eftir nótt’ es sin duda la consolidación del trío islandés y un invitación a los rituales de medianoche y al baile en las tinieblas.

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King Dude – Music to Make War to
Después de un gira considerable por Estados Unidos, Europa y algunas partes de América Latina, King Dude realizó “Music to Make War to”, marcando una brecha con sus anteriores trabajos. Sex (2016), su joya más reconocida hasta el momento, tiene un aire denso y resulta tan estridente como campirano y hasta posee más acercamientos con su pasado metalero. En la lógica, lo más sencillo para este músico hubiese sido replicar canciones de su aclamdo “Sex”, sin embargo, King Dude se ha inclinado por dejar fluir la evolución de su música, haciendo un nuevo trabajo diferente en muchos sentidos. “Music to Make War to” es más melódico, también es más lánguido e introspectivo; a veces sigue sonando a folk oscuro, y en otras ocasiones recurre incluso al jazz y al dub sin que se pierda su aura de ser humano impenetrable. Obviamente el rock persiste, y es el leitmotiv en la mayoría de los tracks del disco, pero nunca repite la fórmula y se vale de un sentimiento más espontáneo en cada composición. Me atrevo a afirmar que este nuevo LP es un reflejo más fiel de su psique, de sus obsesiones y de la pasión que lo mueve. Se siente más personal, y no necesita ser tan estridente para invocar una notable oscuridad.

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Shadow Age – Shadow Age
Finalmente después de una larga espera y un largo proceso de reelaboración, y a manera de punto final a un trabajo pendiente, publican su debut con diez tracks y una breve pero sustanciosa duración de 32 minutos. Reminiscente en dinamismo a “Silaluk” , la placa abre con el oscuro intro “The Grey” para dar paso a “Reign”, con el sello característico : la taciturna y melodiosa voz de Tyree inmersa en poderosas bases rítmicas y teclados que invitan a moverse. Una excelente apertura para un disco y seguramente un tema ideal para iniciar un concierto. Sin dar tregua “In Snow”, publicada en el anterior E.P., continúa el ataque sónico de baterías y bajos incesantes, voces como ecos distantes, guitarras con altas dosis de flanger y teclados. El primer larga duración hizo que valiera la espera, un disco lleno de fuerza, un torrente energético, con pocos espacios de sosiego, pero que dentro de ese despliegue sonoro es capaz de transmitir paralelamente un sentido de angustia existencial, contrastante con el suave, melódico Tyree, dejando una sensación ambivalente que en su conjunto nos ofrece una bella escala de grises.

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Lycia – In Flickers
Este nuevo viaje es acompañado por los músicos que han formado parte del proyecto en distintas épocas: Mike Van Portfleet (voz, guitarras, sintetizadores y la programación de baterías) Tara VanFlower (vocales), a los que se sumaron David Galas (bajo, sintetizadores, programación de baterías) y John Fair ( sintetizadores, programación de baterías). In Flickers , refleja la luz mortecina de otoño , un trabajo sumamente maduro, que logra la química adecuada entre sus colaboradores, y en el que se puede apreciar el toque particular que aporta cada miembro. In Flickers es un disco en que convergen las varias líneas creativas de Lycia en su forma más madura, el álbum es sin duda una celebración de la longeva carrera de esta infravalorada banda y al mismo tiempo un ejercicio de reflexión sobre el camino recorrido. Uno de los discos imprescindibles de toda la colección de este proyecto, y sin temor a afirmarlo, de los más destacados del año.

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Them Are Us Too – Amends
El regalo final otorgado a la familia y seguidores del sonido creado por Cash Askew y Kennedy Ashlyn, está compuesto por momentos sobrios, emotividad y profundidad. Habrá sin dudarlo, quienes encuentren en este álbum, algo que los emparenta con los primeros trabajos de Dead Can Dance o Cocteau Twins, sin embargo, en el camino singular de Them Are Us Too, se siente nuestra modernidad, muchas veces de sueños truncados y de aspiraciones retro progresistas. En esta última colección y epitafio de “Amends”, hay episodios firmes como ‘Grey Water’, un tórrido romance con ambientaciones oscuras. ‘Floor’, con una firmeza en sus notas sintéticas y ‘No One’, más empedernida por el darkwave elegante. ‘Amends’, el track que ha bautizado al disco, es más que un viaje por lugares remotos con montañas altas y bosques gélidos; su fijación minimalista es una absoluta revelación en un tiempo en el que todos parecen tener prisa y no se detienen a contemplar la belleza espontánea. Amends es la mejor manera de rendirle un alto tributo a un músico promisorio como Cash, quien se esfumo de manera prematura.

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Whispering Sons – Image
Las canciones de “Image” fueron escritas luego de que la banda cambiara de residencia a Bruselas en 2016. Entre un tiempo agitado de gira, los miembros de la banda se encontraron con nuevas ideas para las canciones de este nuevo álbum. Inspirados en la dinámica de la ciudad, los tracks se centran en sentimientos de alienación y distancia. “Image” es un estado de quietud en el que la observación oscurece a las acciones, refleja la artificialidad de las cosas. “Image” es un ladrillazo en la cabeza, un momento para salir del letargo sin perder la fascinación por estar solo y confinarse en el mundo individual con las pocas personas que tal vez entiendan este tipo de hastío por la vida en sociedad. Whispering Sons tiene mucho ímpetu, rabia, es una banda con muy buena ejecución. Sin duda que con este disco se han puesto una vara alta y difícil de superar.

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SDH – Semiotics Department of Heteronyms
El fonograma epónimo está compuesto de ocho tracks que comienzan la experiencia con ‘Your Right Hand’, un track que tiene una audacia programada y que a los veteranos nos puede recordar un poco a la música de Cabaret Voltaire o Visage, pero con un aire más nocturno, más entrado en nuestro tiempo. ‘The Scent’, por su parte es una hermosa pieza romántica de envolvente synthwave. SDH desde sus inicios ha logrado sumergirnos en un mundo estético de notas oscuras que a pesar de la melancolía que evocan, tienen la gracia de crear redención en el escucha. Es tan agradable su sonido, tal y como una nube densa que se posa sobre tu cabeza, pero que sólo deja caer una llovizna ligera con sintetizadores. SDH es una noche aislada de introspección que también posee momentos de baile; tal vez un baile personal en la solitud.

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Vandal Moon – Wild Insane
La esencia de este artista es el synthpop con un fuerte arraigo a los sonidos más sobresaliente de este género, sin embargo, aunque la música de Vandal Moon revisita el pasado, tiene además la capacidad propia de ser alucinante en sus alcances retro futuristas. También hay algo de darkwave y el pop se equilibra con el goth sin que haya bordes bien delimitados. A veces Wild Insane es muy melódico, tal como recordamos a aquella década de neón y los Delorean, pero en el resumen de todos sus tracks, el disco es un éxtasis de claroscuros que al final resultan como nuestro presente; nostálgico, de progresión, de renovación, de profunda sordidez, pero también de búsqueda de cambio. Los discursos del Wild Insane de Vandal Moon son en su mayoría sobre como nos abruma la tecnología y el incesante bombardeo mediático. De hecho el primer corte del disco ‘Baby Sounds’ explica muy bien lo retorcido de nuestro mundo; es la manera precisa de explicar la distopia. ‘Computer Love’, expresa, por ejemplo esa necesidad de ser amado a través de la pantalla de un móvil, con una soledad ex profeso y siempre oprimido por el mundo virtual, al ritmo de un synthwave por demás elegante.

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Especial: bandas de postpunk (o algo así) que tienes que escuchar antes de que termine el 2018. Parte II

La parte final del año está entrando en el frenesí; el vórtex se acelera y para muchos, también es la ocasión para dedicarle tiempo a la afición de escuchar música fresca. Esta es una selección sin rigor, está hecha por puro el gusto de haber encontrado proyectos nuevos y recientes que tienen arte. Esta es la segunda entrega.

Vlimmer
Nada como el cliché de hablar sobre una banda distante y poco conocida para dárselas de entendido en música. En el caso de Vlimmer, tuve que ahondar en el cliché, pero la verdad irrefutable es que se trata de un proyecto fascinante afincado en Alemania. Su estilo es postpunk, shoegaze (ruido y armonía) y los debidos alcances oscuros. Vlimmer lleva más de una década en el radar del postpunk alemán, pero debo admitir que aunque soy un neófito de su arte, ya me considero seguidor de su estilo embelesado, denso, melódico. El álbum XI/XII fue mi encuentro cercano con Vlimmer, un disco de música fascinante y cantado totalmente en su lengua natal. Eso no evita la conexión y la evidencia de que los alemanes tienen vertientes que se bifurcan de los británicos al momento de concebir el postpunk.

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Dyadon
Dyadon por su parte, es un dueto originario de Australia. La misma tierra en donde recientemente hemos visto actos en ascenso como Death Bells y Buzz Kull. El caso de Dyadon, es más clavado, se trata de un dueto de postpunk que tendría más afinidad con lo aspero de She Past Away o Lebanon Hanover y lo profundo de las bandas recientes surgidas en Italia que se dedican a estos menesteres fríos. Su orientación geográfica les da una vitalidad distinta. Aunque su música dista de ser rebuscada, poseen esa sencillez que comunica discursos puntuales sobre la densidad de la existencia. Hasta ahora Dyadon es un proyecto emergente, pero mi juicio me indica que tienen un sonido promisorio.

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Isotropía
México tiene un underground lleno de músicos buenos y experimentados que muchas veces es desdeñado por los propios mexicanos. Pero nadie puede negar la capacidad de un artista comprometido y prolífico como Angel Kauff (Frío y Vacío, Stockhaussen, Isotropía). Isotropía es el proyecto más orientado al postpunk en los que participa Kauff, quien en Isotropía se hace acompañar de Keren Batok, una cantante de origen georgiano. Ambos conforman un tándem gélido y oscuro. Su sonido no tiene nada que envidiarle a la coldwave francesa, pero más que insistir en una referencia del pasado, habría que poner a este proyecto como un firme exponente con matices propios. Escuchen “Borderline Negation” para contrarrestar cualquier hueco de esperanza.

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Starcontrol
En 2018 se hizo más evidente que en Italia hay una marea de interesantes proyectos ubicados en el postpunk. Starcontrol se une a una larga lista de bandas como Soviet Soviet, Ash Code, Geometric Vision, Japan Suicide y otros más del país etrusco, que han sorteado la barrera del idioma para hacer el crossover en toda Europa y en América. Sus sonidos son universales y tienen el buen gusto de la Italia por las bellas artes. En el mismo palmo se encuentra Starcontrol, una agrupación de Brianza en ese país, que dedican su tiempo al postpunk melódico. Su estilo tiene mucho peso en los sintetizadores; las guitarras en sus canciones son minimalistas y tienen el buen atributo de ser la mayor parte del tiempo enérgicos. También el new wave es una figura que los ocupa y en cierta forma propicia que su música aunque oscura, sea muy asequible. ‘First Love Is Dead’ es un sencillo que estoy seguro que les abrirá más puertas en los sucesivo.

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Holygram
Holygram es un proyecto muy espeso, con un sonido que se ha consolidado a lo largo de unos pocos años. Su estilo es de mucha amplitud sonora, y para efectos de encontrar alguna referencia actual, tienen similitudes con proyectos como Actors o Whispering Sons. Su identidad alemana los hace inclinarse por la virtudes del kraut y también algunas reverberaciones del shoegaze. Es por esto y por su más reciente material ‘Modern Cults’ que han ido conquistando los circuitos Europeos. Esta banda Colonesa estará de gira durante el 2019, y con ‘Modern Cults’ como estandarte, ya tienen un argumento de sobra para erigirse como un acto importante del postpunk actual.

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Riki
Riki sólo tiene tres tracks en sus memorias, pero hay en su música hay una vivacidad que brilla. Bananarama y Nena son sus bemoles y sus rasgos como proyecto que suena al synthpop ochentero, pero también explotan elementos muy puntuales del postpunk para hacer una música que por momentos suena vigorosamente oscura. Nihilismo feliz. Riki, Luni, Pedja y Scott, los integrantes de este proyecto, tienen un interés nulo por las reseñas y su mundo virtual de redes sociales ha sido hasta este tiempo una nimiedad. Se manejan con perfil bajo, y eso hace más sexy su música que desdeña al mundo y es muy lúdica. En este momento hay muchas bandas copiadas al carbón, pero Riki tiene un signo distinto. Se pueden ligar a Xmal Deustchland con algún margen de error, y tal vez un poco a sus paisanos de Sextile, como intento por clasificarlos. Sin embargo Riki es un proyecto muy entretenido del que desearía escuchar un LP pronto, por ahora hay que conformarse con el EP ‘Hot City’.

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Vague Scare
Es difícil señalar Besançon, Francia en un mapa sin la ayuda de la tecnología, sin embargo gracias a la forma en que se gestiona la música ahora, es que podemos escuchar un caso raro como el de Vague Scare, una banda que sin rodeos entra en el darkwave, dándoles mucho peso a las cuestiones sintéticas y las vocales graves. Vague Scare es denso y empedernido en la onda fría, pero difícilmente resultan aburridos y en la mayoría de sus canciones logran los buenos riffs. Capitalizan muy bien los sonidos tétricos de sus sintetizadores.

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Especial: bandas de postpunk (o algo así) que tienes que escuchar antes de que termine el 2018. Parte I

La parte final del año está entrando en el frenesí; el vórtex se acelera y para muchos, también es la ocasión para dedicarle tiempo a la afición de escuchar música fresca. Esta es una selección sin rigor, está hecha por puro el gusto de haber encontrado proyectos nuevos y recientes que tienen arte.

Product KF
Product KF es casi un proyecto anónimo dedicado al postpunk con algo de la estética OI!, identidad punk, y un velo misterioso que sólo indica que es una banda oriunda de la ciudad de los vientos, Chicago. Este proyecto no tiene palmarés y sus referencias en el mundo virtual son a cuentagotas, pero cierto es que tienen un sonido potente y a todas sombras intrigante. Basta con escuchar su breviario musical.

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Astari Nite
Desde el sureste de los Estados Unidos llega esta banda orientada al goth rock. Aunque ya son músicos experimentados de la escena de Miami, es en estos momentos en los que la curva de rendimiento los lleva a un lugar ascendente con su más reciente material ‘MidNight Conversations’. Su sencillo “Unfulfilled Promise”, es un trance melódico de darkwave bien pensado. Es muy clara la inspiración de esta banda, y también muy fuerte la inclinación de su frontman Mychael por comunicar emociones melancólicas de una forma melódica, y apegada a los cánones de Smith, Moorings y Gahan.

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Rays
Rays es un proyecto emergente de la ciudad de Oakland, California. Lo que confirma que el norte de California es un punto nutrido de buenos artistas dedicados al postpunk – o algo así-. Rays deja la oscuridad de lado, y en esencia tienen más apego a las formas de Gang Of Four , o The Pastels. Rays suena a esa parte de su país como un dorado oeste. Punk relajado y estético que revienta en ondas suaves. ‘You Can Get The From Here’ es un compendio de música de garage que distrae al escucha de los tiempos sombríos. Y a pesar de esto Rays tiene una agudeza simplista muy disfrutable.

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Nation of Language
Llegué a Nation of Language, gracias a la suspicacia de Blake Voss de Vandal Moon, un músico que es fiel admirador de este proyecto originario de Brooklyn en Nueva York. De todas las bandas que he escuchado últimamente, esta es la que me parece que tiene los rasgos más fascinantes. Saben explotar el synthpop y lo amarran a sus influencias del postpunk para recrear pasajes ochenteros. Tienen hasta ahora un sencillo muy contagioso llamado ‘On Division St’; este track nos dice mucho a qué suena Nation of Language.

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New Haunts
Bristol es la cuna del trip hop, y la electrónica oscura parece que es algo que los residentes de esa parte de Inglaterra llevan en la sangre. New Haunts es un proyecto que exalta esos valores de comunicar sensibilidades en medio de paisajes turbios. Este proyecto en solitario presentado en la voz de Alice Sheridan como New Haunts, es un paseo entre el darkwave, el postpunk y por supuesto algunos elementos del música industrial y algo del trance del trip hop. Las canciones de New Haunts son gélidas, pero en su interior las partes vocales conservan un sentimiento accesible que lo aleja de lo rebuscado. Tan sólo en mayo pasado, este proyecto debutó con su LP “Worlds Left Behind”, sin duda un muy buen material de este 2018.

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Creux Lies
Otro álbum debut del 2018, fue el LP “The Heart” de Creux Lies. Otra banda del norte de California que tiene un potencial enorme y que además es de llamar la atención que en México, luego de California, es el lugar donde más son reverenciados. Su mezcla es fina y directa; el postpunk se entrevera con sus influencias del new wave y su estilo es un rayo que se incrusta sin intermediarios en la cabeza. Si ya son escuchas de Glaare y Cold Showers, van a encontrar en Creux Lies rasgos similares. ‘Silhoute’ es uno de esos momentos que se celebran, ya seas un férreo escucha de la galaxia postpunk, o simplemente cuando eres melómano y tienes un desliz por el pop emocional.
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