Interview: ‘VHS DEATH- Llorona’

[Beto Sigala]

VHS DEATH is the stage name of Natalie Wardle. Her solo project is an e.b.m, deconstructed club and post-industrial act. Debut album ‘Llorona’, is a collection of tunes that mix intensity, moody episodes and melancholic vibes that embrace the darkness in a very introspective way. I had the chance to interchange some ideas with Natalie, and she took the time to explain her feelings about this album and some other stuff.

What inspired you the most to make your own music?

Coming abstractly from a diarist point of view mainly. Music has always been my main outlet for emotional catharthis, an a way to make reflect on my own sense of reality.

The first album is like an opera prima, maybe is the most primal state for an artist for coming out to the world and try to succeed in a scene full of everything. How can you describe composing ‘Llorona’?

I’m glad you think that. It started out as this myth I was told about by Vinny (my previous bassist before becoming VHS DEATH), who was Mexican from Texas an i grew up with the fearful tale of the mourning Llorona searching for her children, who she drowned in he river as revenge for her husband abandoning her. This haunting image really resonated with us both having experienced trauma from childhood parental separation and death, as well as previous toxic relationships ending. This naturally lead us to making it the theme, as I wanted Vincent’s roots in the Mexican occult to shine through on these compared to the previous ones.

How was to cover Everything But The Girl and a song that is very important for many people in the world?

This was a nostalgic song for me, growing up as a kid in he nineties. That sense of dissonance, an reliving certain disturbing events over an over-getting stuck in my own head, the singer’s introversion was alluring to me. The realness within that house pop anthem is rare. An very ahead of its time, as this sense of disconnection is ever increasing, as a result of our online interactions disrupting the effect of our real life connections. The unhealthy connections we falsely maintain online which would otherwise be consigned to the past. Haunting us much like Llorona.

I work in an office, and sometimes I find the time to write about the music i like. What do you do for living?

Fortunately off the back of this, I’ve now been offered multiple paid gigs, as well as djing an promoting a few shows, I also help organise electronic music festivals and warehouse events

Tell about showcasing ‘Llorona’ live and the shows coming this fall and winter.

It has been an insightful, an reflective experience so far. I’ve learnt it really is about maintaining the connection with the audience sharing a feeling, a kind of melancholy intimacy. The visual elements of projections an the performance art itself is something that pulls me more an more as a form of extension to the art itself. I’m really looking forward to the next one’s. Most definitely Deathwave Festival in OC, USA next year (curated by Deathwave Records).

 

‘Llorona’ is being released on the Spanish record label Diffuse Reality. Listen to this EP in the link below.

https://soundcloud.com/videodrome20/albums

 

 

 

 

 

Entrevista: Werner Karloff “Pienso que se tiene que aprender del pasado para poder hacer una prospección más efectiva al futuro”

[Beto Sigala]

La electrónica de Werner Karloff es tan vertiginosa como la vida de la CDMX; compases acelerados, sintetizadores, postmodernidad, y un gusto firme para reflejar pasajes urbanos, la industrialización, la deshumanización descontrolada. Werner es una mente prolífica del ‘under’ mexicano cuyos orígenes se remontan a ambientes fabriles en las que lo cotidiano se vivía en momentos oscuros y monótonos, pero además en su música hay una bien definida influencia de la electrónica alemana de los ochenta, en la que vienen implícitos el punk y el postpunk. Werner Karloff visitará la ciudad de Guadalajara el próximo 21 de septiembre y se estará presentando en Sin lágrimas/No cabaret 02 en el Segundo Piso de esta ciudad. Antes de que su envión de música aterrice en Guadalajara, Werner nos compartió algunos aspectos de su música y de su vida personal.

 

¿Cómo fue que descubriste el estilo que tienes ahora, qué tuvo que pasar para que adoptaras tu nombre actual y llegaras a los sintetizadores y programaciones?

Werner Karloff: Empecé a escuchar punk ingles de la ola del 77 cuando tenía 16 años, eso me dio la pauta para conocer el post punk y el new wave con ejemplos como Tubeway Army de donde salio Gary Numan o Buzzcocks de donde salió Howard Devoto quien crearía Magazine que fue la banda que me abrió el panorama para seguir buscando música , Magazine fue el preámbulo para que algún día me decidiera a crear alguna vez música, pasaron los años y yo seguía coleccionando y escuchando música , hasta que en 2011 me empecé a encontrar proyectos que tenían un sonido electrónico sin ser new wave pero con reminiscencias de post punk y hasta de Italo disco, de alguna manera había estado buscando esa comunión de todos los estilos que me gustaban y me encontré con el termino Minimal synth o Minimal wave, fue cuando escuché el proyecto Stratis , Lineas Aereas , Das Ding y Phillipe Laurent ( estos últimos dos fueron los primeros lanzamientos del sello Minimal wave) que me decidi por fin a hacer música con sintetizadores , use el nombre ‘Werner’ por el actor alemán de expresionismo alemán Werner Krauss y Karloff por Boris Karloff actor de cine de películas de terror clásicas, así con el tiempo practicando, escuchando, estudiando es que poco a poco he podido dominar mis instrumentos .

Así como habemos muchos seguidores de hacer música de la forma en que se hacía en el pasado, también hay muchos detractores de los revival. ¿Cómo respondes creativamente a los que opinan que todo debe ser progresión sin mirar al pasado?

Werner Karloff: Pienso que se tiene que aprender del pasado para poder hacer una prospección más efectiva al futuro, no se trata de copiar o hacer lo mismo que hace 30 años sino de aprender de todos ellos que nos antecedieron y crear nuestro presente musical basado en nuestra realidad .

Tu estilo tiene mucho que ver con la impronta de la electrónica alemana de los ochenta, pero además de eso ¿Qué refleja tu música del México actual?

Werner Karloff: La mayoría de mis letras son pasajes cortos de cosas que veo o he vivido en la ciudad de México, años antes de hacer música estuve trabajando varios años en una pequeña fábrica, lo que me llegó a pasar ahí me hizo sentirme identificado por ejemplo con la realidad que tenían muchos de los miembros de bandas de Uk y Alemania, esa precariedad, bajos salarios, accidentes, el tener que juntar con mucho esfuerzo para un instrumento, mis primeras letras hablan mucho de lo que pasé en esos años.

 

La escena de la electrónica en México es muy diversa y muy amplia, pero a veces poco difundida ¿Has sentido alguna vez que tu música es más apreciada en otras partes del mundo que en tu propio país?

Werner Karloff: Si pasó al principio pero todo es un proceso y un aprendizaje, como artista y también como público, creo que todo el trabajo que he hecho estos años por fin esta dando resultados, cuando empecé a tocar casi nadie conocía el estilo o el termino, no había eventos de esta música, y la otra escena mas próxima la gótica / post punk también tenía cierto estancamiento con proyectos que iban y venían que no lograban un sonido y estilo sólido a mi parecer, tuve que ir primero a tocar a Alemania para que poco a poco se fueran abriendo mas puertas para mi y para mi colegas mas próximos, ahora ya hay mas lugares con apertura a estos estilos, proyectos se están gestionando y mejoran su calidad, hay más público y más gente sigue este tipo de música, por mi parte ya tengo más apertura para tocar seguido fuera de la ciudad en otros estados donde ya se está expandiendo lo que pasa en ciudad de México, en fin, sí costó trabajo llegar a este punto pero era necesario dar pauta para tener este crecimiento musical en México .

 

La vida de la mayoría de los músicos ‘under’ es un dilema al tratar de mediar entre buscar el sustento y tener la libertad para componer y hacer tocadas ¿Qué tal ha sido para ti gestionar tu música de manera independiente?

Werner Karloff: Pues sí es difícil, en estos momentos sí estoy dedicado a los live set y a grabar, también tengo una pequeña tienda de viniles con dos amigos y también es un soporte para mi, yo tuve que renunciar a mi anterior trabajo porque ese mismo año iba a tocar dos veces en Europa, tenía la oportunidad de regresar pero empezaron a salir más eventos fuera del país, entonces poco a poco fui gestionando la manera de poder percibir lo necesario para mis gastos, esto es como el freelance por así decirlo , hay temporadas buenas y otras regulares, entonces siempre trato de agendar mis fechas cada mes y hacer prospección del siguiente para tener todo calculado .

¿Qué representa para ti hacer un performance en Guadalajara, o en cualquier otro lugar que no sea la CDMX?

Werner Karloff: Como mencioné en una pregunta anterior, esa expansión que se está dando en ciudad de México está llegando a otra ciudades, me gusta tocar en otras ciudades porque se que pongo mi grano de arena para hacer crecer esas escenas, el tener esa retroalimentación me gusta mucho, siempre aprendo mucho y si algo de lo que hago es el aliciente que alguien necesitaba para poner en marcha su proyecto que mejor.

 

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Entrevista: una charla con Horror Vacui antes de su gira por México

[Beto Sigala]

A veces uno tiene una percepción imprecisa de las bandas que escuchas. Tener internet y estar conectado no necesariamente te da exactitud en lo que crees que sabes acerca de la forma en que funciona la música independiente. Koppa, el vocalista de Horror Vacui, habla de manera aleccionadora en cuanto a lo que significa ser un verdadero artista independiente que respeta y practica todos los días la autogestión de su música. Ni hablar de etiquetas ni escenas, porque ciertamente esta banda es en muchos aspectos distinta a otras bandas de Italia que entran en la categoría del postpunk. Horror Vacui son punks de cepa con orientación al goth y al death rock, y darán una serie de presentaciones en México, incluida una parada en el Foro Palíndromo de Guadalajara. Acá la entrevista completa con Koppa.

La música oscura está viva en todo el mundo, tal vez como nunca antes. ¿Cómo se perciben ustedes, les gusta la etiqueta de banda goth, se identifican con algún movimiento?

Koppa: Cuando vivía en Londres con Marzia (guitarrista Horror Vacui) en 2006, planeábamos tener una banda de goth rock. Íbamos a un pub donde todo los goths se juntaban y personalmente comencé a disfrutar este tipo de música (Marzia ya andaba en la onda de The Cure. Joy Division, Bauhaus, Sisters Of Mercy…). Al mismo tiempo que vivíamos en Brixton, tocábamos y nos juntábamos con unos punks crustys que tocaban hardcore. Si tengo que identificarme con un movimiento específico, sería definitivamente con el punk (si es que le podemos decir movimiento). Yo no niego la etiqueta del goth rock, es lo que tocamos y es lo que siempre hemos querido tocar en Horror Vacui. Los miembros anteriores y los actuales de la banda han tocado en muchas otras bandas; como Kontatto, Campus Sterminii, Giuda, Noia, Death Form Above, Tuono, Bleedingm, Ed, LMF, Tenebra, Headed Nowhere y la lista puede seguir…¿En dónde nos vemos nosotros? En algún lugar de en medio de la escena DIY hardcore punk y el goth/death rock/postpunk/new wave.  Tocamos para ambas audiencias en los foros y clubes, sin que esto importe. Lo verdaderamente importante es asegurarnos de que ningún mierda o ninguna banda de la derecha estén involucrados en cualquier lugar donde toquemos. No sé si la música oscura está más viva ahora que en los ochentas cuando era niño y las bandas de new wave y goth rock dominaban las listas, pero creo que hay muchas bandas en el mundo que de verdad saben patear traseros y merecen más atención.

Recientemente los músicos italianos están haciendo mucho ruido en la escena del postpunk en el mundo. ¿Por qué crees que está sucediendo esto?

Koppa: De hecho estoy muy sorprendido de esto porque conozco pocas bandas que tocan postpunk en Italia y no estamos muy conectados con algunas de estas porque nos movemos en la escena DIY punk principalmente, especialmente en Italia donde tocamos 7 u 8 show en el año, debido a que los punks disfrutan de nuestro estilo y no a todos los goths les gusta nuestra actitud…Me da gusto escucharlo de ti, pero creo que es sólo la sensación de alguien que vive lejos de nuestro país y no sabe bien lo que realmente sucede aquí. Si lo dices porque conoces a Soviet Soviet and Ash Code, aunque hayamos tocado alguna vez con ellos, no tenemos contacto con estas bandas y esa escena. Sin prejuicios, esas bandas son muy buenas en mi opinión y las respeto, pero pertenecemos a mundos distintos. Hay una banda llamada “Education” ( de Roma) que son de verdad chingones, y, como nosotros, son punks. [Espero que tengas la chance de escucharlos].

Al momento que entraron en la escena tal vez no existía el auge que existe hoy en el postpunk o el goth. ¿Cómo comparas ese 2010 de este 2019 en términos de crear y compartir la música?

Koppa: Realmente no veo mucha diferencia. En Italia las cosas van de la misma forma. Tocamos para la misma audiencia desde el principio. El número de gente que se ha acercado al postpunk en la escena punk DIY, probablemente se ha incrementado un poco, pero estoy hablando de 20 nuevas personas que comenzaron bandas o van a nuestros conciertos. He visto más diferencia en Europa, pero no sé si es porque nuestro nombre creció bastante durante este tiempo o porque mucha gente más se ha acercado a este estilo de música. La mayoría de la gente nos considera una banda punk, entonces, es difícil para mi entender si lo que tocamos está en boga o no. Honestamente no me importa porque tocamos lo que nos gusta.

 

Cada grabación es diferente ¿Cuál ha sido la mejor historia de ‘New Wave Of Fear’ hasta ahora?

Koppa: Este disco fue escrito entre 2015 y 2017. Dos canciones son acerca de migrantes que tratan de tener una mejor vida en Europa porque en sus países hay guerras, miseria y pobreza. Mucha gente en Europa es racista y no quieren a los migrantes en sus países y la derecha ha estado ganando más aceptación y esto nos asusta muy cabrón porque la sombra de una dictadura fascista está a la vuelta de la esquina. Entonces tenemos algunas canciones acerca de la vida y abordamos la vida diaria, y otras canciones tienen que ver acerca de nuestra percepción de la muerte.

¿En qué están trabajando ahora, hay nueva música que venga pronto?

Koppa: Tenemos 5 nuevas canciones listas ( las vamos a tocar en México) y estamos trabajando en 3 o 4 canciones más que están en nuestras mentes, pero no las hemos ensayado juntos. Con suerte las vamos a terminar para finales de año  y a grabarlas en el próximo verano. Por supuesto que el nuevo disco será algo diferente a “New Wave Of Fear” como ha sido una constante en todos nuestros discos. Cada álbum suena distinto.

¿Tienen alguna conexión con alguna banda latinoamericana o mexicana?

Koppa: Realmente no. Conozco algunas bandas y me da gusto vayamos a compartir el escenario con algunas de estás durante la gira por México. Pero nunca hemos tenido contacto con bandas de esos lugares a excepción de Fofao, un amigo brasileño que tiene un proyecto en solitario llamad “Besthoven” que tiene años tocando punk y le gusta también el postpunk. No somos muy activos en las redes sociales, uso Facebook para promocionar los shows de mi banda y para promover a las bandas de mi sello (www.agipunk.com). No tengo Instagram. Crecí en los noventas y la única forma de conectar con gente y descubrir música era escribiendo cartas e intercambiando cintas. A medida que el internet se volvió parte la vida diaria de la gente, la magia de descubrir nueva música se ha desvanecido un poco para mi, porque ahora puedes tener acceso a todo con un simple click.

Su música es bien recibida por los fans mexicanos. ¿Qué sentimiento les provoca dar algunos shows en México?

Koppa: Sentimos que México nos está dando la oportunidad de tocar algunos shows. La música es nuestro vehículo para viajar por el mundo, esparcir algunos mensajes, conocer gente nueva, hacer nuevos amigos y vivir nuevas experiencias. Estamos muy entusiasmados de estar ahí y no podemos esperar a tocar para la audiencia mexicana. Nuestras expectativas nunca son altas porque somos punk rockers y odiamos a los rockstars y toda esa mierda, entonces, lo que sea que ocurra, estaremos felices. Queremos agradecer profundamente en nuestros corazones a César Daniel Bustamente por gestionar esta gira y ayudarnos a movernos a través de México.

 

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La gira completa por México

 

 

Interview: Horror Vacui before their tour around Mexico

[Beto Sigala]

Sometimes you have the wrong idea about some of the bands you listen to. Having internet doesn’t give you precission in terms of knowing how independent music works all the time.  Koppa the lead singer in Horror Vacui , talks in a very intense way about what it means to be a true DIY musician. His band is beyond tags, their work is far to be related with other postpunks acts from Italy. They play what they feel, and tell the things they want to say, without paying a lot of attention to any particular scene. Horror Vacui is giving some shows in Mexico during august, and of course they’ll make a stop  in Guadalajara’s Foro Palíndromo by thursday august 15th. Here, the full interview with Koppa.

Dark music is alive all around the world, maybe as it ever was before. Ho do you see yourselves, do you like the tag of a goth rock band, do you identify with any movement?

Koppa: I started planning to have a goth rock band in 2006 when me and Marzia (guitar player in Horror Vacui) were living in London. We were constantly attending a pub where all the goths were meeting up and I personally started enjoying this music around that time (while Marzia was already into the Cure, Joy Division, Bauhaus, Sisters Of Mercy and so on). At the time we were living in a squat in Brixton and were hanging out, playing and living with crusty punx from all over the world and our main listenings were focused on the crusty side of hardcore punk. If I have to identify with a specific movement, that would definitely be punk (if you can call it a movement). I don’t deny at all the goth rock tag because goth rock is what we play and what we’ve always wanted to play with Horror Vacui. Both the current and the past members of Horror Vacui play (or played) in a large quantity of bands; here are some names: Kontatto (d-beat raw punk), Campus Sterminii (stench core), Giuda (metal crust), Noia (metal punk), Death From Above (d-beat raw punk), Tuono (old school Italian hardcore), Bleeding (UK82 punk), Ed (skate-core), LMF (California HC punk), Tenebra (70’s rock), Headed Nowhere (hardcore) and the list can go on for another 20 lines… Where do we see ourselves? Somewhere in between the DIY hardcore punk scene and the goth rock/death rock/post punk/new wave one. We play for both the crowds in squats and clubs, no matter what. The only important thing is we want to make sure no right wing shit is involved in any place we play and any band we share the stage with. I don’t know if dark music is more alive now than ever because i was a little kid in the 80es when the new wave/goth rock bands were at the top of the charts, but I think there are a lot of bands around the world now that really kick ass and deserve more attention.

Recently Italian musicians are making a big splash in postpunk scene around the world. Why do you think this is happening?

Koppa: I’m actually surprised about that because I know just a few bands playing post punk in Italy and we’re not really connected with any of them because we move our steps into the DIY punk scene mostly, especially in Italy where we play something like 7 or 8 shows a year because not all the punks enjoy our style and not all the goths enjoy our attitude… I’m glad to hear this from you, but I think it’s just the feeling of someone that lives far away from Italy and doesn’t relly know what’s going on here. If you said that because you know bands like Soviet Soviet and Ash Code, even if we played together once, we don’t have any contact with these bands and that scene. No prejudices, those bands are very good in my opinion and I respect em, but we belong to 2 different worlds. There’s a band called Education (from Rome) that is really fucking good and, like us, they’re all punks, play squats etc. Hope you’ll have the chance to listen to them.

By the time you came in the scene, maybe there wasn’t the hype it’s happening right now in the postpunk or goth. How do you compare 2010 with 2019 in terms of creating and sharing you music?

Koppa: I really don’t see such a difference. In Italy things are exactly the same. We’re play in front of the same crowd since the very beginning. The number of people that approached the post punk music in the DIY punk scene probably increased a little bit, but I’m talking about 20 new people who started bands or show up when we play. I saw a difference in Europe but I don’t know if it’s because our name grew up a bit during the years or because a lot of people approached this music. Most of the people consider us a punk band, so it’s hard for me to understand if what we play is now hype or not, and, honestly, we don’t care because we play what we like even if it’s not hype at all.

 

Every recording it’s different, and humans are constantly changing, but what’s the best story around ‘New Wave Of Fear’, this far?

Koppa:Well, New Wave Of Fear has been written between 2015 and 2017. 2 songs are about the migrants who are trying to get a better life in Europe because in their countries there are wars, misery and poorness. A lot of people in Europe are racists and don’t want to welcome refugees in their countries and the far right wing is gaining a lot of consents and this thing scars the shit out of us because the shadow of a fascist dictatorship is just around the corner. Then we have some songs about life and issue we live every day, and a bunch of songs about death and the feelings we have towards it.

What are you working on right know, is there any new music coming soon?

Koppa: We have 5 new songs ready (we’ll play some of them in Mexico too) and we’re working on 3 or 4 more songs we have in our heads but haven’t practiced em together yet. Hopefully we’ll be able to finish em by the end of the year and record em before next summer. We changed line up right after the New Wave Of Fear album has been recorded so the process of writing new stuff has been a bit slow because we had to teach the old songs to the new members to keep on playing live. Of course the new record will be a bit different from New Wave Of Fear (which was a bit different from the previous record Return Of The Empire, that was a bit different from the first one that was In Darkness You Will Feel Alright which was a bit different from the demo…)

Have you ever felt a connection with any latin american, or mexican band?

Koppa: Not really. I know some bands and I’m happy we’ll play with some of them next month, but we’ve never really been in touch with any South American or Mexican bands except for Fofao, a Brazilian friend that has a one man band called Besthoven that has been going on for ages playing d-beat raw punk and has a passion for post punk too and a band I forgot the name… We’re not really active in social medias and stuff. I use facebook to promote the shows of my bands and the shows I book and to promote the records i release with my label (agipunk.com). I don’t have instagram. I personally grew up in the 90es and the only way to connect with people and to discover new muisc was writing letters and tape trading. As internet became a part of everybody’s daily life, the magic around the discovering of new music kinda faded away for people like me because you could have everything with a simple click. Same was for the relationships between people. Thanx to My Space and Facebook I could quickly connect with people I’ve been writing letters for years and, back then, every time, i had to wait for one or two months to get a reply, while, now, I can chat live with people that live 10000 km far from me, but at the same time I get requests or messages from people I couldn’t care less and sometimes even with people who have ideas I don’t share at all, so I’m a bit of an outsider of the social media thing, but that’s a different story and I kept it too long…

Your music is embraced very well by many mexican fans. How do you feel giving shows in Mexico?

Koppa: First of all we feel Mexico is giving us the chance to play some shows. Music is our vehicle to travel the world, spread some messages, meeting new people, making new friends and living new experiences. We’re really excited to be there and can’t wait to play in front of the Mexican crowds. Our expectations are never high because we’re 5 punk rockers and hate rockstars and shit like that, so, whatever will be, we’ll be happy. We wanna thank from the deep of our hearts Cesar Daniel Bustamante for booking the tour and helping us with the drive and the backline.

 

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whole mexican tour

Interview: ‘Bring Her’, the virtues of exploring one’s own nature and instincts

[Beto Sigala]

 

Nadine and Marcus are the composing members of ‘Bring Her’, a musical duo formed in the cold lands of Pennsylvania, and committed to express dark feelings that emerge as a style they call sorrow wave. Their  mix of electronics, guitar riffs, and desperate vocals of Nadine, create and overwhelming sensation of industrial sounds, urban desperation, and a connection with the dilema of the human experience. Bring Her has an acid vibe, nevertheless,  the futuristic style printed in their sound  is very enjoyable. Both members of ‘Bring Her’ (Nandine and Marcus), share their musical ideas, and the virtues of exploring the own nature, among some other clever points of view.

How did you met? How was your approach for making music together?

We met in art school and have remained very close ever since. Over the years we’ve collaborated on a bunch of art related projects including writing music together in very casual settings- mostly just experimenting with different sounds/structures. With BRING HER the approach is much more focused, we work through the song writing in a very meticulous manner. Both of us contributing equally to the process. for instance, Nadine is as involved with writing guitar parts as she is her vocals and synth lines. same goes for every other element on a track.

Was there any particular message you wanted to comunicate through music?

The virtues of exploring one’s own nature and instincts, individualism, and finding strength through a belief system that is in line with your own perspective and lifestyle- resistance against tyranny over the body and mind.

I have to work in an office to write about music i like, What do you do for living?

We are both tattooers and work together in our own private studio.

‘Bring Her’ to me has an acid sound, the vocals feel rough, desperate. How did you get to the music is recorded in your eponimous album?

Well, it’s honestly a very natural process writing songs together. We usually start with a drum beat, and work from there. We don’t try to sound like anyone else, or have a specific goal in mind for each track. Sometimes we might have a very simple idea to start, like, let’s make this song very fast, heavy, or whatever- Then we let it develop organically and see where it goes. there is a lot of listening back and editing until we hear what we like.

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Bring Her – 2019

Lately i’ve been listening a lot to The Specials and Madness. What kind of music do you like, that doesn’t have to do that much with darkwave?

We definitely don’t listen to a ton of darkwave music. we prefer to isolate ourselves from related genres besides a few favorites and some friends bands. honestly, we both enjoy a really eclectic range of music.

When i talk to independent musicians of these days, i always find some sort of resentment for how the music industry works. Do you feel the same?

We really are not concerned with who is the biggest most popular band, in fact, that can be a huge turn off and i guess because we feel that way there is no resentment toward the music industry. The business side really doesn’t have anything to do with our approach to making music. We don’t have any marketing strategy or anything like that. we choose to do things on our own terms, focusing more on DIY ethics. Our primary goal is to create interesting music, become better musicians, and ultimately become a better band. if someone feels like they are owed some fame or financial success, they are mistaken. we believe in working hard, being true to ourselves and having a good time with the people we play shows with.

This decade has been very prolific for dark music, what do you think is going to happen to the postpunk scene in a few years from now?

It is probably not going away anytime soon. all styles are being expanded upon and taken in new directions and that is where we like to focus our attention, looking for new sounds. creativity is very important to us. we are definitely not interested in hearing or making overly derivative recreations.

 

 

Tell me about the videoclip for “Curses Not Promises”.

That video was created in conjunction with our friend Tim from Poison Point. when it came time to make a video we felt very comfortable sending some raw imagery to Tim. Even though he is located in Paris, we felt we were on the same page and it would be a seamless collaboration. e personally shot the footage of Nadine singing/on bass and me on guitar then sent it to him. Tim then shot some still footage of different skulls in a natural history museum in Paris, he then combined the two rough sketches into one finished product. after only a few edits back and forth, it was finished. it is likely we will work together on another video soon.

The crazy world we’re living on must be an inspiration for any artist. How do you see all the mess around the globe, is that somenthing you care about?
Unfortunately, most of the global issues facing the world today are in the hands of our respective governments. being responsible for ourselves, the real power is in controlling your own behavior to suit your own life- impacting the people in your circle in a positive way and avoiding people who are not in line with that.

Bring Her – 2019 (Black Verb Records/Phage Tapes/ICY COLD RECORDS)

https://bringher.bandcamp.com/

Entrevista: ÄNIMA

[Beto Sigala]

¿Han visto la película ‘Encino Man’? (El Hombre de California) Pues yo soy en muchos sentidos un tipo primitivo y anacoreta como ese personaje. No salgo muy seguido y a veces me pierdo de mucha de la música que sucede en esta ciudad. Les digo esto porque recién vi a ÄNIMA en vivo cuando abrieron el show de Spectres. ÄNIMA es de esos proyectos endémicos de esta región de México que se aferran a la música oscura y sobreviven sorteando la apatía o la falta de espacios de la Perla. Cuando los dos músicos de ÄNIMA terminaron su set en aquella noche de Spectres, los vi sentados afuera del local refrescándose del tumultuoso calor humano; me dieron ganas de abordarlos y preguntarles sobre la música que hacen, pero como ya dije, soy ‘Encino Man’, por eso los busqué luego en su página de facebook y he aquí una conversa a distancia con este dueto de coldwave.

 

Yo tengo que equilibrar mi trabajo de “Godinez” con mis ratos libres para hacer esto. ¿Ustedes a qué se dedican?

Yo ( Fabián) soy músico de tiempo completo,
César ( programador, y administrador de una tienda)

¿Cuál fue la semilla de ÄNIMA, cómo fue que decidieron crear música que sonara a coldwave?

En lo que ambos coincidimos es el amor por los sonidos análogos de antaño. El motivo principal del nacimiento del proyecto es hubo un evento con El Muertho de Tijuana en Ciudad Guzmán, en el cual no teníamos una banda con las características para que pudiera abrir el evento, así que armamos varias rolas propias y unos covers, proyecto al cual bautizamos como ÄNIMA, cuando vimos que tuvimos buena aceptación de los asistentes decidimos dedicarnos más en serio a componer y grabar nuestro primer material “Stockholm”, no fue tanto que tuvimos que adaptarnos para el sonido coldwave , creo que fue más casualidad, que de manera consciente.

Hay estilos musicales muy diferentes que forman nuestro criterio y nos dan identidad. A veces nada tienen que ver con el rock o la música oscura. En su caso ¿Qué música escuchaban y tocaban antes de interesarse por el postpunk?

Tenemos gustos parecidos y bastante impares, es decir coincidimos con el rock, punk, pero a la vez no tan familiares como la música ambiental de películas, videojuegos, etc.
Hemos participado en proyectos desde metal gótico, grunge, postpunk, shoegaze, new wave.

Siempre los músicos anglos tienen más peso en el imaginario popular, pero ¿Qué toman de músicos mexicanos en específico que también sea influencia en su música?

En lo personal la mayor influencia musicalmente, ideológicamente y de más peso en nuestra música fue conocer el trabajo de Jaime Keller (Illy Bleeding), Walter Schmidt, Carlos Robledo, Size como la cabeza de todo aquello que siempre quisimos hacer.
Hay letristas que no tienen mucho que ver con la escena oscura pero en lo personal sirvieron de influencia como Arturo Meza, como de compañeros músicos contemporáneos como Iván Antillón, Iván García, Dalí Lantzeta por hacer mención de algunos.

A veces tenemos prejuicios sobre lo que nosotros mismos creamos y sucede que en muchas ocasiones hay más reconocimiento fuera de nuestro propio país. ¿Les suena familiar, les ha pasado algo así con su música?

Pues hemos tenido suerte de recibir comentarios positivos sobre nuestra música en lo local como en lo extranjero. Actualmente hay excelentes propuestas que ponen el nombre de México muy en alto en el extranjero, creo que el tabú de inferioridad por ser mexicano está quedando atrás.

Pienso en ustedes, dos músicos de Tamazula y se me viene a la mente su primera tocada, en dónde fue, y qué tan difícil fue abrirse paso, primero en su ciudad y luego en la ZMG?

En nuestro caso fue al contrario, tuvimos la suerte de entrar a la escena de GDL directamente, ya que se nos presentó la oportunidad de tocar en el cierre de la mítica Kalaka Bar, y desde ese momento hemos tocado más veces en la ZMG que en nuestra propia localidad, hasta apenas inicio de este año fue la primera vez que tocamos en Tamazula de Gordiano en dos años de proyecto.

¿Cuál pueden decir que es su máxima inspiración?

En lo personal la cotidianidad, la inspiración está ahí en todo momento, solo es necesario saber mirar, no solo observar.
La catarsis vivencial.

¿Qué es lo más reconfortante de ser un músico underground y qué es lo complicado de tratar de tirar para arriba en un mundo dominado por música plástica y la obsesión por el reconocimiento?

La libertad creativa de no estar sujetos a lineamientos. Y si tienes tal libertad la música adquiere ese aire de transparencia y honestidad. Lo más difícil de luchar es con las limitaciones que se auto imponen. En el underground hay propuestas muy honestas como irónicamente hay también plásticas cuya única obsesión es el reconocimiento y el ego.

¿Qué viene para ustedes, en qué estado está su música y sus planes a futuro?

Actualmente estamos promocionando el material más reciente: “Elegía” y recuperando el anterior el cual sentimos que dejamos de lado muy pronto y faltó mover. Tuvimos un cierre de año pasado e inicio de este bastante cargado de fechas, así que pretendemos comenzar a maquetear las ideas para las nuevas canciones que esperamos liberar en otro material este año.

Entrevista: BUDAPEST “el under permite conocer y valorar el mundo de la música, haciendo lo que uno quiere”

[Beto Sigala]

Hay una línea que nos conecta, sobre todo cuando existe un sentimiento en común, un derrotero para no seguir el camino que toman la mayoría de los humanos. A otros músicos les vale más partir de la oscuridad para llegar al auto conocimiento, y celebrar la vida con tonos pálidos, buena melancolía, pero también con energía y sentimiento a ritmo de post-punk -lo que sea que signifique esto en 2019-. Platicar con una banda argentina como Budapest, es conectar con un punto lejano de nuestra América para reafirmar que este estilo es un movimiento global que sigue creciendo y en cada región se crea con una visión distinta. Conozcan más del sonido y las motivaciones de esta banda del sur de Buenos Aires mediante esta charla a distancia.

¿Cuál fue la semilla de Budapest, cómo fue que decidieron formar una banda  que sonara a post-punk?

BudapestTenemos un punto en común, un mismo mensaje, que dentro del post-punk encontró su medio. Budapest nace como un concepto de cuatro personas con diferentes vidas y experiencias. Un conjunto de perspectivas diferentes tanto en la música, como en la forma de ver el mundo. Creo que esos son los nutrientes de todo proyecto. La diversidad y la amplitud mental. No morir en conceptos fríos y estar en constante evolución… en movimiento. Lo es así también este  género…que hasta el día de hoy se adapta sin perder su faro.

Siempre los músicos anglos tienen más peso en el imaginario popular, pero ¿Qué toman del rock argentino en específico que también sea influencia en su música?

BudapestQuien crea que la música es algo tangible, estático y ligado a un solo lugar…esta perdido. Las bandas Argentinas supieron nutrirse de las corrientes nuevas y desafiantes de los años 70’s y 80’s. Y no solo eso; pudieron lograr crear bajo esas influencias, un sonido propio dentro de cada género. Nosotros al ser músicos y consumidores de esta vertiente de amalgamas e influencias musicales, conocemos lo que hubo y lo que hay actualmente en la escena. Por ende…buscamos diferenciarnos con  nuestro sonido. Nuestras estructuras y letras. Creo que al tener conceptos parecidos a bandas predecesoras; que fueron de culto, en cierta época, no es extraño que evoquemos cierto recuerdo a ellas al tocar, y esto cree cierta nostalgia; con un concepto moderno.

El revival de post-punk/darkwave ha tenido un impulso reciente muy perceptible en la juventud, sobre todo en el mundo occidental. En Latinoamérica parece que es algo que recién vamos redescubriendo. ¿Qué pasa en la escena en la que ustedes se mueven, hay auge, hay complicidad con otras bandas similares?

BudapestEs raro explicar a cierta generación de amigos, que muchas bandas existentes y de nuestro propio país, fueron generadas dentro de estos géneros. Quizás debido a que muchas (no todas aclaro) se volvieron populares y fueron catalogadas como “Rock Nacional”. Por eso creo que se aplica perfectamente lo que decís sobre “redescubrir” nuestras raíces musicales…al menos llegar con el concepto actual del genero a cada vez más gente que tal vez no pudo conocerlo en su momento.

Hemos tenido muy buen recibimiento en la escena y tratamos de contribuir lo mas posible al circuito actual. Tratando siempre de ponernos en contacto con bandas del estilo, para fomentar  movida Underground lo más rica posible.

¿Qué tan difícil es componer es español y adaptar a la métrica del estilo post-punk?

BudapestCreo que lo difícil de componer no es el idioma o la métrica. Son parámetros más bien circunstanciales. La dificultad es encontrar la expresión justa, ósea; La impronta. Y eso creemos se logra a través de disfrutar lo que hacemos.

 

Ahora están trabajando en su material  de estudio ¿Qué es lo que ha inspirado el disco que viene en camino, tanto en su sonido como en sus letras?

BudapestAsí es. Llevamos 3 años de constante crecimiento como equipo, y buscamos volcar en este; nuestro primer disco de estudio, nuestra huella como banda del género. Queremos dejar registro de esta etapa de inicio, ya que creemos que hemos alcanzado un nivel óptimo en cuanto a sonido y composición de las canciones.

Que es lo más reconfortante de ser un músico Underground  y qué es lo complicado de tratar de tirar para arriba en un mundo dominado por música plástica y la obsesión por el reconocimiento?

BudapestEl ‘Under’ permite conocer y valorar el mundo de la música, haciendo lo que uno quiere, y como quiere. Como banda, nos gustaría tener el reconocimiento tanto del público, como de la industria de la música, sin dejar de hacer lo que a nosotros nos agrada y lo que nos represente dentro del ambiente.

Creo que ese es el equilibrio que todo artista debe alcanzar.