Reseña: ‘Damage’ de Kill Shelter

[Beto Sigala]

No veo por qué hacer un disco totalmente en solitario, cuando puedes invitar a mucha gente chingona de tu escena para hacer un álbum de darkwave memorable. Para el artista escocés Kill Shelter, hacer su álbum debut  ‘Damage’ ha sido una suerte de trabajar como productor y a la vez componer música, adapatar sue estilo de electrónica/postpunk para que proyectos como Bragolin, Antipole, Hante, y Buzz Kull entre otros, revistan al disco con muy buenos aportes musicales. Tal como el proverbio de las varas que al unirse se hacen irrompibles, Kill Shelter ha presentado una colección de tracks que tocan aspectos filosóficos de la vida, como la muerte, la decadencia, el punto de no retorno, o las despedidas. El aire de ‘Damage’ (Unknown Pleasures Records 2019) es denso, pero con instantes que purifican el aire y se valen de elementos orgánicos para darle un toque más humanizado a la oscuridad.

Así, en los once tracks del disco, aunque se reconoce plenamente el estilo vocal angustioso de Pete Burns (Kill Shelter) siempre hay un aire impredecible, justamente por el empuje distintivo que cada uno de los implicados le aporta al álbum. Quizás, por momentos, tanto navegar en mares fríos y caminar por tierras altas despobladas se torne en un ambiente empalagoso, pero al final el disco sale a flote por las individualidades que lo hacen brillar en un mundo tan artísticamente estancado como el nuestro.

 

a1657524808_10.jpg
‘Damage’- Kill Shelter (Unknown Pleasures Records 2019)

 

Si hay un canon en esta actualidad del darkwave, la canción ‘Bodies’ lo abraza con fuerza; este track es lo mejor del disco en cuanto a intensidad, melodía y ese amarre que hace con las fuerzas oscuras. Lo mejor de esta canción es un riff tenebroso que acompaña a la voz seca de Buzz Kull -algo hay en la canción que me hace añorar los mejores años de The Sisters of Mercy”. ‘Bodies‘ tiene un caracter fuerte que será recordado cuando pasen los meses. Por estas razones, este track fue elegido por Kill Shelter como carta de presentación junto a ‘In Decay‘.

 

 

As Trees Do Fall’, es la primera canción de ‘Damage’ y es una colaboración con la sensación holandesa ‘Bragolin’; ambos estilos quedaron bien implícitos, sobre todo en la parte de la guitarra con la que Bragolin ya ha hecho su propio sello. En ‘Kiss Me Goodbye’, une fuerzas con una de las mentes más prolijas del coldwave francés ‘Hante’. ‘Get Down’ tiene el espíritu de la electrónica oscura creada en la isla británica, es una canción fría y calculadora que va in crescendo, y en la que Pete Burns comparte el crédito con el proyecto polaco ‘The Shyness of Strangers‘; juntos crean una canción potente que golpea con fuerza los oídos “Everybody hit the ground”. ‘No Regrets’ es otra dosis doble de postpunk en la que el aliado en turno es ‘Undertheskin’, otro solista europeo de bajo perfil que crea música útil para palear el color y los días soleados. ‘Sever’ llega casi en la parte final del álbum y significa un trabajo junto con la artista inglesa New Haunts; la voz de ella le da a la canción un tinte dramático en la que la parte sintética toma mucho más fuerza. Si no fuera por ‘Bodies’, diría que este es el mejor pasaje del disco.

No es fácil coordinar las ideas y los tiempos para hacer un disco como este. Pero más allá de la logística, el álbum funciona y tiene un sonido robusto que satisface el estándar del presente. El reto será para Pete Burns, en decidirse por hacer un LP sin auspicio de otros artistas o volver a involucrar a  músicos en boga; esta fórmula, por lo menos en lo que respecta a  ‘Damage’, se tradujo en ideas bien realizadas.

 

Reseña: ‘Modern Mirror’ de Drab Majesty

[David Rangel]       

Las entidades alienígenas están de regreso, esta vez para ofrecer un reflejo de la vida moderna.

En la portada del tercer disco de Drab Majesty Deb Demure está rodeado de periódicos y revistas, parece recopilar información sobre el mundo,  tal vez confuso con el acontecer de un planeta desquiciado, el caos apreciado en conjunto, una visión externa de las vicisitudes que viven los humanos, perdidos y disociados en un mar de información, alienados por el uso de la tecnología y obsesionados por  el ego . La banda buscó reinterpretar el mito de Narciso en clave actual, captar los múltiples rostros de la obsesión con la propia imagen que se reflejan en la vida actual. El dueto viajó a tierras helenas y tomar la inspiración para el álbum. Cada tema busca relatar una historia en la que el narcisismo se hace presente, con la presencia constante de seres que han perdido contacto con su ser originario.

Modern Mirror abre con  “A dialogue” ecos de voces ,arpegios , reverberaciones y sonidos siderales  en los que Demure cuestiona incesantemente el amor de los humanos, tal es  el preludio del disco  y pretende mesmerizar al oyente  y llevarnos a  “The Other Side”  y su base electrónica , elegante, limpia, de aura positiva, como si de un tema radial se tratara,  pero de crítica ácida a las imposturas  y la existencia inauténtica . El sencillo “Ellipsis” sigue la línea anterior, dinámica y  que recuerda el pop ochentero, sin embargo  haciendo mofa del  cortejo en los tiempos de la tecnología, temeroso de expresarse sin la mediación de un dispositivo que permita editar o suprimir un mensaje, una forma más de alienación. “Noise of the Void” de ambiente más introspectivo , refleja los ruidos de la propia vacuidad, que en momentos de soledad se presenta desnuda e inevitable, siempre tratando de ser evitada a toda costa por las distracciones mundanas y no escuchar el mensaje de los abismos interiores.    “Dolls in the Dark”   una vez más, dentro la línea bailable nos sumerge en los paliativos de la soledad que ofrece la realidad virtual.  “Oxytocin” en voz de Mona D.  deambula por el bienestar químico y musical de la “hormona de la humanidad”  y de las emociones efímeras, que tal vez justifiquen la fugaz existencia humana.  Las revoluciones descienden hacia el final del disco con “ Long Division”  y la colaboración de Jasamine White-Gluz de No Joy, reflexionando sobre la distancia emocional y desorientación que rige las relaciones humanas.  Finalmente “Out of secuence” termina sin emitir una conclusión, no hay forma de entender la mente moderna,  ¿ es el llanto es sentimiento afín con  los tiempos que corren o es una emoción que no cuadra con la secuencia del mundo?.

 

 

Modern Mirror no presenta grandes cambios en el estilo de la banda, ligeramente menos oscuro musicalmente, conserva esa fresca nostalgia que ha caracterizado su sonido , esa mezcla de  resonancias antiguas pero renovadas  al contexto actual, puliendo cada vez más un sello que ha tenido impacto en sus seguidores ,  haciéndolos irresistibles a oídos de muchos y a otros les parecerá una repetición de lo hecho previamente por otros grupos. Si bien esta última producción dista de ser perfecta, algunos cortes se sienten muy similares, entrega un pop oscuro e inteligente, que desarrolla una estética retro-futurista ochentera y vigente en cuanto a los contenidos líricos.

 

Reseña: ‘Constantly in Love’ de Solveig Matthildur

[David Rangel]

 Recientemente Kælan Mikla  entregó un poderoso y hechizante “Nott eftír Nott” (2018), por su parte Solveig Matthildur (coros y telcados) decidió explorar sus inquietudes musicales  en Unexplained Miseries & the Acceptance of Sorrow (2017) para evolver a hacerlo en abril de este año con Constantly in love . Ambos trabajos no significan una ruptura total, si no tal vez un camino inexplorado por el trío, en una faceta personal y emotiva, de cavilaciones electrónicas y delicadas que hacen que sus creaciones se sientan afines a el trabajo de ‘Them Are Us Too’  y una serie de influencias de bandas pioneras del darkwave,synthpop, ethereal  y otros géneros  y artes que han dejado huella en la tecladista.   Otra de las particularidades del disco es la presencia de cortes en inglés, que proporcionan un acercamiento y mayor familiaridad al contenido lírico del álbum.  Constantly in love  es un disco que conceptual que presenta dualidades  y perspectivas sobre un mismo tema, motivo que  vincula la gran parte de los temas.

El corte que da título al disco “ Constantly in love” , está lleno de reminiscencias noventeras,  que en sus entrañas nos ofrece texturas que nos recuerdan al trip hop, a Björk en más de una mera coincidencia de origen , de cadencia sensual , que aborda el eros en un sentido amplio, el impulso de vida freudiano , recubierto de sonidos nocturnos   y sugestivos. En la dupla “ My desperation”  / “ Your desperation”  se hace una patente tensión dialéctica entre ambas canciones,  los sonidos se recubren de zozobra,  de inquietud   y nos muestran la perspectiva de la desesperación vivida desde la intimidad del yo y lo que se percibe en un otro, pero enlazadas por un sentimiento común, ambas con la impronta de Kælan Mikla: una en la línea bailable, semi industrial y la otra de carácter más reposado sin abandonar la oscuridad inherente a ambas composiciones. Por otro lado ” Tómas ”  es más afable, de aires coldwave y que proporciona una tonalidad distinta al disco, de menor densidad y mayor color.  La penumbra   y   tranquilidad de “ My Father Thaught Me How to Cry” nos sumerge en las brumas y la sensación onírica de parajes desconocidos.  “ Constantly Heartbroken ” complementa a “Constantly in love”  en el que Solveig experimenta con su voz,  dándole matices de angustia parasómnica  acompasada de  beats  obsesivos y repetitvos.   “ Dystopian boy” acompañada de Deb Demure es una amalgama entre lo realizado por Drab Majesty y Solveig, resultando un apto para la pista de baile sumamente agradable y lo más accesible del disco. En contraparte “ Utopian Girl”  regresa al sonido Bistrol  y las voces de ensueño, bajo capas electrónicas y sintetizadores  que van ascendiendo hasta el final del tema.  “I´m Ok”  es acompañada con la voz de Dylan de Some Ember  y proporciona  un contraste interesante al trance hipnótico , catártico, que aborda la resignación ante la Dhukkha cotidiana. “The End” cierra dramáticamente,  como purificación  y cierre de las heridas que atraviesan parte del disco, dando una dimensión épica a los sentimientos que recorren el trabajo.

 

“Constantly in Love”  de Matthildur presenta una faceta de mayor gama cromática que la mostrada por el trio islandés, de mayor sensibilidad,  permite discernir el aporte de Solveig al grupo. El balance del disco es positivo, ofrece un panorama musical ligeramente más cálido, que en varios momentos del disco muestra paisajes emocionales contrastantes y emotivos, una dialéctica entre opuestos que no culmina en síntesis , sino que mantiene ambos elementos en constante tensión, que musicalmente se decanta por la electrónica pero abreva de diversas fuentes, del trip hop al ethereal/synth/darkwave de agrupaciones clásicas y que generan una impresión de conjunto sumamente atractiva, no exento de temas que por sí mismos pueden apreciarse aislados. “Constantly in Love” no es un  álbum imprescindible pero si de estándares altos. Da la sensación que el próximo paso de Matthildur solista puede consolidar a un más su sello personal, que en su trabajo anterior se mostraba más experimental y que en este va forjando un sello único, aunque aún sin la cohesión definitiva, pero muy cerca de ello.

 

Interview: ‘Bring Her’, the virtues of exploring one’s own nature and instincts

[Beto Sigala]

 

Nadine and Marcus are the composing members of ‘Bring Her’, a musical duo formed in the cold lands of Pennsylvania, and committed to express dark feelings that emerge as a style they call sorrow wave. Their  mix of electronics, guitar riffs, and desperate vocals of Nadine, create and overwhelming sensation of industrial sounds, urban desperation, and a connection with the dilema of the human experience. Bring Her has an acid vibe, nevertheless,  the futuristic style printed in their sound  is very enjoyable. Both members of ‘Bring Her’ (Nandine and Marcus), share their musical ideas, and the virtues of exploring the own nature, among some other clever points of view.

How did you met? How was your approach for making music together?

We met in art school and have remained very close ever since. Over the years we’ve collaborated on a bunch of art related projects including writing music together in very casual settings- mostly just experimenting with different sounds/structures. With BRING HER the approach is much more focused, we work through the song writing in a very meticulous manner. Both of us contributing equally to the process. for instance, Nadine is as involved with writing guitar parts as she is her vocals and synth lines. same goes for every other element on a track.

Was there any particular message you wanted to comunicate through music?

The virtues of exploring one’s own nature and instincts, individualism, and finding strength through a belief system that is in line with your own perspective and lifestyle- resistance against tyranny over the body and mind.

I have to work in an office to write about music i like, What do you do for living?

We are both tattooers and work together in our own private studio.

‘Bring Her’ to me has an acid sound, the vocals feel rough, desperate. How did you get to the music is recorded in your eponimous album?

Well, it’s honestly a very natural process writing songs together. We usually start with a drum beat, and work from there. We don’t try to sound like anyone else, or have a specific goal in mind for each track. Sometimes we might have a very simple idea to start, like, let’s make this song very fast, heavy, or whatever- Then we let it develop organically and see where it goes. there is a lot of listening back and editing until we hear what we like.

FB_IMG_1561998842065
Bring Her – 2019

Lately i’ve been listening a lot to The Specials and Madness. What kind of music do you like, that doesn’t have to do that much with darkwave?

We definitely don’t listen to a ton of darkwave music. we prefer to isolate ourselves from related genres besides a few favorites and some friends bands. honestly, we both enjoy a really eclectic range of music.

When i talk to independent musicians of these days, i always find some sort of resentment for how the music industry works. Do you feel the same?

We really are not concerned with who is the biggest most popular band, in fact, that can be a huge turn off and i guess because we feel that way there is no resentment toward the music industry. The business side really doesn’t have anything to do with our approach to making music. We don’t have any marketing strategy or anything like that. we choose to do things on our own terms, focusing more on DIY ethics. Our primary goal is to create interesting music, become better musicians, and ultimately become a better band. if someone feels like they are owed some fame or financial success, they are mistaken. we believe in working hard, being true to ourselves and having a good time with the people we play shows with.

This decade has been very prolific for dark music, what do you think is going to happen to the postpunk scene in a few years from now?

It is probably not going away anytime soon. all styles are being expanded upon and taken in new directions and that is where we like to focus our attention, looking for new sounds. creativity is very important to us. we are definitely not interested in hearing or making overly derivative recreations.

 

 

Tell me about the videoclip for “Curses Not Promises”.

That video was created in conjunction with our friend Tim from Poison Point. when it came time to make a video we felt very comfortable sending some raw imagery to Tim. Even though he is located in Paris, we felt we were on the same page and it would be a seamless collaboration. e personally shot the footage of Nadine singing/on bass and me on guitar then sent it to him. Tim then shot some still footage of different skulls in a natural history museum in Paris, he then combined the two rough sketches into one finished product. after only a few edits back and forth, it was finished. it is likely we will work together on another video soon.

The crazy world we’re living on must be an inspiration for any artist. How do you see all the mess around the globe, is that somenthing you care about?
Unfortunately, most of the global issues facing the world today are in the hands of our respective governments. being responsible for ourselves, the real power is in controlling your own behavior to suit your own life- impacting the people in your circle in a positive way and avoiding people who are not in line with that.

Bring Her – 2019 (Black Verb Records/Phage Tapes/ICY COLD RECORDS)

https://bringher.bandcamp.com/

Entrevista: ÄNIMA

[Beto Sigala]

¿Han visto la película ‘Encino Man’? (El Hombre de California) Pues yo soy en muchos sentidos un tipo primitivo y anacoreta como ese personaje. No salgo muy seguido y a veces me pierdo de mucha de la música que sucede en esta ciudad. Les digo esto porque recién vi a ÄNIMA en vivo cuando abrieron el show de Spectres. ÄNIMA es de esos proyectos endémicos de esta región de México que se aferran a la música oscura y sobreviven sorteando la apatía o la falta de espacios de la Perla. Cuando los dos músicos de ÄNIMA terminaron su set en aquella noche de Spectres, los vi sentados afuera del local refrescándose del tumultuoso calor humano; me dieron ganas de abordarlos y preguntarles sobre la música que hacen, pero como ya dije, soy ‘Encino Man’, por eso los busqué luego en su página de facebook y he aquí una conversa a distancia con este dueto de coldwave.

 

Yo tengo que equilibrar mi trabajo de “Godinez” con mis ratos libres para hacer esto. ¿Ustedes a qué se dedican?

Yo ( Fabián) soy músico de tiempo completo,
César ( programador, y administrador de una tienda)

¿Cuál fue la semilla de ÄNIMA, cómo fue que decidieron crear música que sonara a coldwave?

En lo que ambos coincidimos es el amor por los sonidos análogos de antaño. El motivo principal del nacimiento del proyecto es hubo un evento con El Muertho de Tijuana en Ciudad Guzmán, en el cual no teníamos una banda con las características para que pudiera abrir el evento, así que armamos varias rolas propias y unos covers, proyecto al cual bautizamos como ÄNIMA, cuando vimos que tuvimos buena aceptación de los asistentes decidimos dedicarnos más en serio a componer y grabar nuestro primer material “Stockholm”, no fue tanto que tuvimos que adaptarnos para el sonido coldwave , creo que fue más casualidad, que de manera consciente.

Hay estilos musicales muy diferentes que forman nuestro criterio y nos dan identidad. A veces nada tienen que ver con el rock o la música oscura. En su caso ¿Qué música escuchaban y tocaban antes de interesarse por el postpunk?

Tenemos gustos parecidos y bastante impares, es decir coincidimos con el rock, punk, pero a la vez no tan familiares como la música ambiental de películas, videojuegos, etc.
Hemos participado en proyectos desde metal gótico, grunge, postpunk, shoegaze, new wave.

Siempre los músicos anglos tienen más peso en el imaginario popular, pero ¿Qué toman de músicos mexicanos en específico que también sea influencia en su música?

En lo personal la mayor influencia musicalmente, ideológicamente y de más peso en nuestra música fue conocer el trabajo de Jaime Keller (Illy Bleeding), Walter Schmidt, Carlos Robledo, Size como la cabeza de todo aquello que siempre quisimos hacer.
Hay letristas que no tienen mucho que ver con la escena oscura pero en lo personal sirvieron de influencia como Arturo Meza, como de compañeros músicos contemporáneos como Iván Antillón, Iván García, Dalí Lantzeta por hacer mención de algunos.

A veces tenemos prejuicios sobre lo que nosotros mismos creamos y sucede que en muchas ocasiones hay más reconocimiento fuera de nuestro propio país. ¿Les suena familiar, les ha pasado algo así con su música?

Pues hemos tenido suerte de recibir comentarios positivos sobre nuestra música en lo local como en lo extranjero. Actualmente hay excelentes propuestas que ponen el nombre de México muy en alto en el extranjero, creo que el tabú de inferioridad por ser mexicano está quedando atrás.

Pienso en ustedes, dos músicos de Tamazula y se me viene a la mente su primera tocada, en dónde fue, y qué tan difícil fue abrirse paso, primero en su ciudad y luego en la ZMG?

En nuestro caso fue al contrario, tuvimos la suerte de entrar a la escena de GDL directamente, ya que se nos presentó la oportunidad de tocar en el cierre de la mítica Kalaka Bar, y desde ese momento hemos tocado más veces en la ZMG que en nuestra propia localidad, hasta apenas inicio de este año fue la primera vez que tocamos en Tamazula de Gordiano en dos años de proyecto.

¿Cuál pueden decir que es su máxima inspiración?

En lo personal la cotidianidad, la inspiración está ahí en todo momento, solo es necesario saber mirar, no solo observar.
La catarsis vivencial.

¿Qué es lo más reconfortante de ser un músico underground y qué es lo complicado de tratar de tirar para arriba en un mundo dominado por música plástica y la obsesión por el reconocimiento?

La libertad creativa de no estar sujetos a lineamientos. Y si tienes tal libertad la música adquiere ese aire de transparencia y honestidad. Lo más difícil de luchar es con las limitaciones que se auto imponen. En el underground hay propuestas muy honestas como irónicamente hay también plásticas cuya única obsesión es el reconocimiento y el ego.

¿Qué viene para ustedes, en qué estado está su música y sus planes a futuro?

Actualmente estamos promocionando el material más reciente: “Elegía” y recuperando el anterior el cual sentimos que dejamos de lado muy pronto y faltó mover. Tuvimos un cierre de año pasado e inicio de este bastante cargado de fechas, así que pretendemos comenzar a maquetear las ideas para las nuevas canciones que esperamos liberar en otro material este año.

MANDIVULA y su EP debut ‘Nonsense’

[Beto Sigala]

A Germán Sánchez lo conocimos hasta hace poco como parte del tridente en la banda Des Âmes Libres. Este músico hispano ha regresado en los albores del 2019 con un EP de siete canciones nacido de su inspiración en solitario, bajo el nombre de MANDIVULA, un proyecto de música instrumental inmersiva que combina electrónica y orgánica en un golpe certero a la quijada que noquea por la fuerza de su instrumentación, presentada de forma cruda como si fuesen bellos paisajes futuristas de naturaleza tímida y estructuras sombrías.

MANDIVULA, de la mano del imaginario de Germán Sánchez, vio la luz en 2016 con un primer intento bautizado como Computer World, un sencillo de música fascinante que fue el preámbulo para la forma que tiene ahora el sonido del EP Nonsense de 2019.
En un tiempo como este, quizás estemos demasiado acostumbrados a proyecto relacionados con el postpunk en los que la voz llegue como una forma de anticanto formando un estribillo que en algunas ocasiones aleja del mensaje central que comunica la música por sí sola. MANDIVULA se contrapone a este principio y en su firme decisión, el creador de este proyecto ha elaborado canciones en las que no hay cupo para un parte vocal, en el que la composición de los sonidos provea la experiencia completa sin precisar de nada más.

“Me gusta trabajar con voces pero soy partidario de la fluidez de las cosas, y más en el ámbito artístico. Por ejemplo, nunca pondría un anuncio buscando músicos, me gusta trabajar con gente que conozco y con la que me gusta estar. Si hubiera surgido, hubiera habido voz, pero la idea primigenia era hacer música que hablara por sí misma, que incluso los ruidos hablaran por sí mismos, ademas te da mucha libertad creativa no atarte a ningún idioma”. Explica el mismo Germán acerca de esta identidad que ha dispuesto para MANDIVULA.

a1520885381_10.jpg

Des Âmes Libres es una banda con un camino bien trazado, por eso la necesidad de Mandívula de elegir una manera distinta de concebir sus canciones sin alejarse de su esencia. “Ha sido muy fácil realmente, sólo se trata de mirar en otra dirección, intentar explicar cosas que no puedes contar si necesitas alguna otra aprobación. Las herramientas son las mismas pero el discurso es distinto. En directo me apoya un batería muy bueno, eso no lo tenemos en Des Âmes Libres, y puedo experimentar con bases ritmicas y arreglos poco convencionales, realmente no me ha supuesto ningún problema”.

Con MANDIVULA, Germán ha explotado su veta más experimental para crear un disco con canciones de emociones confusas que tienen su centro en los tiempos de agitación personal y colectiva. Desde el track inicial ‘Disease’, pasando por ‘Void’ o ‘Glass Bones’ por citar algunos tracks de Nonsense, el EP proyecta una fuerza sónica que parte de líneas de bajo potentes, programaciones y paisajes sonoros que recrean la sensación de un mundo distópico difícil de comparar. Nonsense en un disco demandante para el escucha en el que hay que poner atención a lo que sucede con la interacción de los sonidos para al final regodearse en el espesor de sus ambientes.

Escucha ‘Nonsense’

https://mandivula.bandcamp.com/album/nonsense

Entrevista: Milliken Chamber habla de su nuevo álbum ‘Absence’

[Beto Sigala]

Miliken Chamber es un proyecto reciente conformado por dos músicos experimentados y siempre distinguidos por su fijación de crear música electrónica oscura con aires retro y algo de la redención distendida del pop que ayude a pasar los tragos amargos de la tristeza. Recién en 2017 se establecieron como la formación actual con Anna Schmidt y Kevin Czarnik con el EP ‘Lily of the Valley’ en el que se abrieron paso en una muy congestionada escena norteamericana del darkwave. En 2019 han regresado con el LP ‘Absence’, un material cohesivo, con un estilo propio y que a pocas semanas de su lanzamiento ya se siente como unos de los sonidos trascendentes de esta época que es un carrusel de información y sensaciones contradictorias. Tuve la oportunidad de intercambiar ideas con Ann, una mujer que está moviendo al mundo del darkwave con su voz y que comparte la inspiración con un músico muy talentoso como Kevin Czarnick. Es muy interesante conocer a detalle lo que motiva y le da forma a un disco como Absence.

¿Cuál fue la inspiración para la música y letras de ‘Absence’?
Ann Schmidt: Casi toda la instrumentación viene del synth pop de los ochenta. Bandas como Depeche Mode. Estamos interesado en el poder sónico de instrumentos como nuestro roland Juno-106 y el SH-101 que usamos mucho en la grabación de nuestro álbum. No es que necesariamente estamos tratando de sonar retro a algo así, pero es que sentimos que esos instrumentos siguen siendo lo mejor que hay. Con la excepción de ‘Death Will Come’ en la que la letra y la música fue escrita por Kevin, yo escribí las canciones del disco en un aire más personal que en nuestro EP anterior.
En general mi forma de escibir siempre se ha basado en mis batallas con la salud mental como una tema. Durante más de la mitad de mi vida ahora, he sufrido de un condición en la que parte de mi cerebro es híper reactiva, lo que me provoca falsas alarmas de peligro o de intensidad en una interacción. Vivir en este huracán emocional puede causar estragos en mi salud algunas veces, pero por otra parte, me da algo de lo que escribir. Los temas de ‘Absence’ van de los sentimientos de traición al aturdimiento emocional y los traumas en las relaciones humanas. Mi arte me mantiene a flote y me ayuda a usar el dolor de una manera productiva. Entre más llevo la música a mi vida, menos necesito hospitalización o medicamentos para sobrevivir.

Hay muchos proyectos alrededor del mundo dedicados al postpunk/darkwave. ¿Cómo crearon un sonido propio que los convenciera como músicos y como individuos?
Ann Schmidt: puedo decir que muchas de las ideas que tiramos no las hacemos públicas. Somos cuidadosos con el sonido y creamos eso a partir de ser muy selectivos con nuestros propios parámetros y nos apegamos a eso durante el proceso de composición. Así lo hacemos.

Ustedes tienen experiencia en hacer música por separados, pero ¿Qué tan difícil es hacer música juntos e igualar sus conceptos?
Ann Schmidt: es gracioso que preguntes porque ha sido un flujo de trabajo cambiante. Kevin ha sido principalmente un solista con muy pocas colaboraciones. Incluso en proyectos en los que Kevin ha colaborado con otros, él termina por escribir los componentes principales dentro de esos proyectos y permanece en control, siendo selectivo y críticos de cualquiera que contribuya con su sonido, lo que le ha traído buenos resultados. Así trabajamos en Milliken Chamber también, y estoy agradecida y feliz con eso. Él me supervisa para que yo saque lo mejor de mi para este proyecto. Yo disfruto de este ambiente colaborativo de creación y me siento como una artista más completa, como una expresión bien capturada. Estoy orgullosa de mi trabajo cuando es sólo la parte orgánica del sonido. Sin embargo, últimamente, Kevin ha estado enseñándome más sobre esto y ayudándome a refinar mi estilo escuchando, razonando y mejorando. Milliken Chamber estuvo en una brecha inesperada en nuestros dos primeros trabajos. Por un rato, la instrumentación no estaba funcionando porque sentía que Kevin estaba metiendo más capas de las que yo podía manejar. No me vibraron muchas de las ideas de Kevin entre 2017 e inicios del 2018 y no era porque no me gustara el sonido que había creado, pero realmente era porque no había espacio para mi voz en esos tracks, entonces Kevin se vio en la necesidad de crear un proyecto alterno llamado Belladona Grave y sacó un LP doble que generó buena respuesta. Nosotros somos compañeros en la vida así como en la banda, por eso hemos hecho sacrificios y tomado elecciones juntos como escoger entre una gira y una vacación o decidiendo qué tanto espacio le dedicamos a nuestra vivienda para montar un estudio casero que construimos.

 

¿Qué crees que pase con este auge del darkwave, se ven haciendo música en diez años adelante?
Ann Schmidt: para mi como cantante con formación en el teatro, el hecho de cantar en nuestras canciones se siente como si estuviera haciendo un tipo de anti canto. Mi estilo es muy reservado en comparación con todo lo demás que he hecho. Es muy interesante, pero algunas veces es difícil para mi hacer algo a propósito que se sienta defectuoso en la parte vocal. Es la forma en que aprecio a muchos cantantes de este género como escucha, y me parece fascinante y adictivo. Darkwave es nuestro estilo favorito, realmente lo amamos. Lo queremos tanto que hasta hicimos esta banda y estamos emocionado de que ha tenido muy buena recepción. En diez años a la fecha espero que sigamos haciendo música, sería un sueño sobrevivir de nuestro arte. A finales de 2018 cuando nos mudamos de Michigan a Los Ángeles, ambos interrumpimos nuestras carreras de cinco años viviendo de forma decente, para dejar de crear arte en el mundo corporativo y ahora crear arte para nosotros mismos.

Milliken chamber es el punto medio entre la electrónica oscura rebuscada y un pop ejecutado con fineza; todo esto envuelto en masas bien construidas de sonidos sintéticos. En este punto del 2019, hay otros proyectos que oscilan en el mismo universo y que se llevan los reflectores, pero “Absence” es un disco que aunque todavía no tenga la atención mediática debida, resalta por su potencial enorme. Esta banda ha hecho muchas canciones en este álbum con valores de sentimiento y estética muy altos. Por lo pronto vale la pena decir que Milliken Chamber ya es de los sonidos sobresalientes de este año que camina con prisa.