Reseña: ‘Damage’ de Kill Shelter

[Beto Sigala]

No veo por qué hacer un disco totalmente en solitario, cuando puedes invitar a mucha gente chingona de tu escena para hacer un álbum de darkwave memorable. Para el artista escocés Kill Shelter, hacer su álbum debut  ‘Damage’ ha sido una suerte de trabajar como productor y a la vez componer música, adapatar sue estilo de electrónica/postpunk para que proyectos como Bragolin, Antipole, Hante, y Buzz Kull entre otros, revistan al disco con muy buenos aportes musicales. Tal como el proverbio de las varas que al unirse se hacen irrompibles, Kill Shelter ha presentado una colección de tracks que tocan aspectos filosóficos de la vida, como la muerte, la decadencia, el punto de no retorno, o las despedidas. El aire de ‘Damage’ (Unknown Pleasures Records 2019) es denso, pero con instantes que purifican el aire y se valen de elementos orgánicos para darle un toque más humanizado a la oscuridad.

Así, en los once tracks del disco, aunque se reconoce plenamente el estilo vocal angustioso de Pete Burns (Kill Shelter) siempre hay un aire impredecible, justamente por el empuje distintivo que cada uno de los implicados le aporta al álbum. Quizás, por momentos, tanto navegar en mares fríos y caminar por tierras altas despobladas se torne en un ambiente empalagoso, pero al final el disco sale a flote por las individualidades que lo hacen brillar en un mundo tan artísticamente estancado como el nuestro.

 

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‘Damage’- Kill Shelter (Unknown Pleasures Records 2019)

 

Si hay un canon en esta actualidad del darkwave, la canción ‘Bodies’ lo abraza con fuerza; este track es lo mejor del disco en cuanto a intensidad, melodía y ese amarre que hace con las fuerzas oscuras. Lo mejor de esta canción es un riff tenebroso que acompaña a la voz seca de Buzz Kull -algo hay en la canción que me hace añorar los mejores años de The Sisters of Mercy”. ‘Bodies‘ tiene un caracter fuerte que será recordado cuando pasen los meses. Por estas razones, este track fue elegido por Kill Shelter como carta de presentación junto a ‘In Decay‘.

 

 

As Trees Do Fall’, es la primera canción de ‘Damage’ y es una colaboración con la sensación holandesa ‘Bragolin’; ambos estilos quedaron bien implícitos, sobre todo en la parte de la guitarra con la que Bragolin ya ha hecho su propio sello. En ‘Kiss Me Goodbye’, une fuerzas con una de las mentes más prolijas del coldwave francés ‘Hante’. ‘Get Down’ tiene el espíritu de la electrónica oscura creada en la isla británica, es una canción fría y calculadora que va in crescendo, y en la que Pete Burns comparte el crédito con el proyecto polaco ‘The Shyness of Strangers‘; juntos crean una canción potente que golpea con fuerza los oídos “Everybody hit the ground”. ‘No Regrets’ es otra dosis doble de postpunk en la que el aliado en turno es ‘Undertheskin’, otro solista europeo de bajo perfil que crea música útil para palear el color y los días soleados. ‘Sever’ llega casi en la parte final del álbum y significa un trabajo junto con la artista inglesa New Haunts; la voz de ella le da a la canción un tinte dramático en la que la parte sintética toma mucho más fuerza. Si no fuera por ‘Bodies’, diría que este es el mejor pasaje del disco.

No es fácil coordinar las ideas y los tiempos para hacer un disco como este. Pero más allá de la logística, el álbum funciona y tiene un sonido robusto que satisface el estándar del presente. El reto será para Pete Burns, en decidirse por hacer un LP sin auspicio de otros artistas o volver a involucrar a  músicos en boga; esta fórmula, por lo menos en lo que respecta a  ‘Damage’, se tradujo en ideas bien realizadas.

 

Reseña: ‘Constantly in Love’ de Solveig Matthildur

[David Rangel]

 Recientemente Kælan Mikla  entregó un poderoso y hechizante “Nott eftír Nott” (2018), por su parte Solveig Matthildur (coros y telcados) decidió explorar sus inquietudes musicales  en Unexplained Miseries & the Acceptance of Sorrow (2017) para evolver a hacerlo en abril de este año con Constantly in love . Ambos trabajos no significan una ruptura total, si no tal vez un camino inexplorado por el trío, en una faceta personal y emotiva, de cavilaciones electrónicas y delicadas que hacen que sus creaciones se sientan afines a el trabajo de ‘Them Are Us Too’  y una serie de influencias de bandas pioneras del darkwave,synthpop, ethereal  y otros géneros  y artes que han dejado huella en la tecladista.   Otra de las particularidades del disco es la presencia de cortes en inglés, que proporcionan un acercamiento y mayor familiaridad al contenido lírico del álbum.  Constantly in love  es un disco que conceptual que presenta dualidades  y perspectivas sobre un mismo tema, motivo que  vincula la gran parte de los temas.

El corte que da título al disco “ Constantly in love” , está lleno de reminiscencias noventeras,  que en sus entrañas nos ofrece texturas que nos recuerdan al trip hop, a Björk en más de una mera coincidencia de origen , de cadencia sensual , que aborda el eros en un sentido amplio, el impulso de vida freudiano , recubierto de sonidos nocturnos   y sugestivos. En la dupla “ My desperation”  / “ Your desperation”  se hace una patente tensión dialéctica entre ambas canciones,  los sonidos se recubren de zozobra,  de inquietud   y nos muestran la perspectiva de la desesperación vivida desde la intimidad del yo y lo que se percibe en un otro, pero enlazadas por un sentimiento común, ambas con la impronta de Kælan Mikla: una en la línea bailable, semi industrial y la otra de carácter más reposado sin abandonar la oscuridad inherente a ambas composiciones. Por otro lado ” Tómas ”  es más afable, de aires coldwave y que proporciona una tonalidad distinta al disco, de menor densidad y mayor color.  La penumbra   y   tranquilidad de “ My Father Thaught Me How to Cry” nos sumerge en las brumas y la sensación onírica de parajes desconocidos.  “ Constantly Heartbroken ” complementa a “Constantly in love”  en el que Solveig experimenta con su voz,  dándole matices de angustia parasómnica  acompasada de  beats  obsesivos y repetitvos.   “ Dystopian boy” acompañada de Deb Demure es una amalgama entre lo realizado por Drab Majesty y Solveig, resultando un apto para la pista de baile sumamente agradable y lo más accesible del disco. En contraparte “ Utopian Girl”  regresa al sonido Bistrol  y las voces de ensueño, bajo capas electrónicas y sintetizadores  que van ascendiendo hasta el final del tema.  “I´m Ok”  es acompañada con la voz de Dylan de Some Ember  y proporciona  un contraste interesante al trance hipnótico , catártico, que aborda la resignación ante la Dhukkha cotidiana. “The End” cierra dramáticamente,  como purificación  y cierre de las heridas que atraviesan parte del disco, dando una dimensión épica a los sentimientos que recorren el trabajo.

 

“Constantly in Love”  de Matthildur presenta una faceta de mayor gama cromática que la mostrada por el trio islandés, de mayor sensibilidad,  permite discernir el aporte de Solveig al grupo. El balance del disco es positivo, ofrece un panorama musical ligeramente más cálido, que en varios momentos del disco muestra paisajes emocionales contrastantes y emotivos, una dialéctica entre opuestos que no culmina en síntesis , sino que mantiene ambos elementos en constante tensión, que musicalmente se decanta por la electrónica pero abreva de diversas fuentes, del trip hop al ethereal/synth/darkwave de agrupaciones clásicas y que generan una impresión de conjunto sumamente atractiva, no exento de temas que por sí mismos pueden apreciarse aislados. “Constantly in Love” no es un  álbum imprescindible pero si de estándares altos. Da la sensación que el próximo paso de Matthildur solista puede consolidar a un más su sello personal, que en su trabajo anterior se mostraba más experimental y que en este va forjando un sello único, aunque aún sin la cohesión definitiva, pero muy cerca de ello.

 

Entrevista: ÄNIMA

[Beto Sigala]

¿Han visto la película ‘Encino Man’? (El Hombre de California) Pues yo soy en muchos sentidos un tipo primitivo y anacoreta como ese personaje. No salgo muy seguido y a veces me pierdo de mucha de la música que sucede en esta ciudad. Les digo esto porque recién vi a ÄNIMA en vivo cuando abrieron el show de Spectres. ÄNIMA es de esos proyectos endémicos de esta región de México que se aferran a la música oscura y sobreviven sorteando la apatía o la falta de espacios de la Perla. Cuando los dos músicos de ÄNIMA terminaron su set en aquella noche de Spectres, los vi sentados afuera del local refrescándose del tumultuoso calor humano; me dieron ganas de abordarlos y preguntarles sobre la música que hacen, pero como ya dije, soy ‘Encino Man’, por eso los busqué luego en su página de facebook y he aquí una conversa a distancia con este dueto de coldwave.

 

Yo tengo que equilibrar mi trabajo de “Godinez” con mis ratos libres para hacer esto. ¿Ustedes a qué se dedican?

Yo ( Fabián) soy músico de tiempo completo,
César ( programador, y administrador de una tienda)

¿Cuál fue la semilla de ÄNIMA, cómo fue que decidieron crear música que sonara a coldwave?

En lo que ambos coincidimos es el amor por los sonidos análogos de antaño. El motivo principal del nacimiento del proyecto es hubo un evento con El Muertho de Tijuana en Ciudad Guzmán, en el cual no teníamos una banda con las características para que pudiera abrir el evento, así que armamos varias rolas propias y unos covers, proyecto al cual bautizamos como ÄNIMA, cuando vimos que tuvimos buena aceptación de los asistentes decidimos dedicarnos más en serio a componer y grabar nuestro primer material “Stockholm”, no fue tanto que tuvimos que adaptarnos para el sonido coldwave , creo que fue más casualidad, que de manera consciente.

Hay estilos musicales muy diferentes que forman nuestro criterio y nos dan identidad. A veces nada tienen que ver con el rock o la música oscura. En su caso ¿Qué música escuchaban y tocaban antes de interesarse por el postpunk?

Tenemos gustos parecidos y bastante impares, es decir coincidimos con el rock, punk, pero a la vez no tan familiares como la música ambiental de películas, videojuegos, etc.
Hemos participado en proyectos desde metal gótico, grunge, postpunk, shoegaze, new wave.

Siempre los músicos anglos tienen más peso en el imaginario popular, pero ¿Qué toman de músicos mexicanos en específico que también sea influencia en su música?

En lo personal la mayor influencia musicalmente, ideológicamente y de más peso en nuestra música fue conocer el trabajo de Jaime Keller (Illy Bleeding), Walter Schmidt, Carlos Robledo, Size como la cabeza de todo aquello que siempre quisimos hacer.
Hay letristas que no tienen mucho que ver con la escena oscura pero en lo personal sirvieron de influencia como Arturo Meza, como de compañeros músicos contemporáneos como Iván Antillón, Iván García, Dalí Lantzeta por hacer mención de algunos.

A veces tenemos prejuicios sobre lo que nosotros mismos creamos y sucede que en muchas ocasiones hay más reconocimiento fuera de nuestro propio país. ¿Les suena familiar, les ha pasado algo así con su música?

Pues hemos tenido suerte de recibir comentarios positivos sobre nuestra música en lo local como en lo extranjero. Actualmente hay excelentes propuestas que ponen el nombre de México muy en alto en el extranjero, creo que el tabú de inferioridad por ser mexicano está quedando atrás.

Pienso en ustedes, dos músicos de Tamazula y se me viene a la mente su primera tocada, en dónde fue, y qué tan difícil fue abrirse paso, primero en su ciudad y luego en la ZMG?

En nuestro caso fue al contrario, tuvimos la suerte de entrar a la escena de GDL directamente, ya que se nos presentó la oportunidad de tocar en el cierre de la mítica Kalaka Bar, y desde ese momento hemos tocado más veces en la ZMG que en nuestra propia localidad, hasta apenas inicio de este año fue la primera vez que tocamos en Tamazula de Gordiano en dos años de proyecto.

¿Cuál pueden decir que es su máxima inspiración?

En lo personal la cotidianidad, la inspiración está ahí en todo momento, solo es necesario saber mirar, no solo observar.
La catarsis vivencial.

¿Qué es lo más reconfortante de ser un músico underground y qué es lo complicado de tratar de tirar para arriba en un mundo dominado por música plástica y la obsesión por el reconocimiento?

La libertad creativa de no estar sujetos a lineamientos. Y si tienes tal libertad la música adquiere ese aire de transparencia y honestidad. Lo más difícil de luchar es con las limitaciones que se auto imponen. En el underground hay propuestas muy honestas como irónicamente hay también plásticas cuya única obsesión es el reconocimiento y el ego.

¿Qué viene para ustedes, en qué estado está su música y sus planes a futuro?

Actualmente estamos promocionando el material más reciente: “Elegía” y recuperando el anterior el cual sentimos que dejamos de lado muy pronto y faltó mover. Tuvimos un cierre de año pasado e inicio de este bastante cargado de fechas, así que pretendemos comenzar a maquetear las ideas para las nuevas canciones que esperamos liberar en otro material este año.

Entrevista: Stockhaussen “El LP XXI es una inspiración del equilibrio”

[@betosigala]

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Estamos a unos días del Oh My Goth! Fest II que se llevará a cabo en la ciudad de Guadalajara los días 16 y 17 de noviembre en el 242F, un festival que intenta consolidarse con su propuesta que engloba a algunos de los mejores exponentes de la electrónica oscura de la Ciudad de México y de Guadalajara. El día 16, el primer día de este festival, destaca sobre todo la presencia de Stockhaussen, un músico veterano y meticuloso que invierte su inspiración para crear sonidos que van del Minimal synth al Coldwave con una inclinación firme por la música barroca. Angel Kauff es una luz brillante en la escena oscura de nuestro país y tuve la oportunidad de platicar con él, antes de que aterrice con su mundo virtual durante su presentación en el Oh My Goth! Fest II .

El año anterior estuviste en Europa y también has visitado otros países de este continente, ¿Cuál puedes sentir que es la diferencia de presentar tu música en México en comparación con otras audiencias?

Angel Kauff: Tal vez la cantidad de personas varía un poco en los eventos, tomando en cuenta el género de música que esté más activo en cada lugar, sin embargo, es muy similar una audiencia comparada con otra en cuanto a la reacción, pues la música siempre crea esa conexión especial entre todos, además, existe mucho apoyo en cada país y ciudad visitada.

En proyectos similares a lo que haces se percibe mucha influencia del post-punk seminal, sin embargo en tu música hay influencias más añejas y más complejas. ¿Cómo haces para incorporar elementos de la música barroca o culta y llevarla a la electrónica?

Angel Kauff: En mi caso, simplemente hago música imaginando algo que me gustaría escuchar, constantemente estoy generando y grabando ideas, aunque muchas de esas piezas se van descartando, pues tenemos que ser más precisos en lo que queremos, lo demás fluye solo. En cuanto a las estructuras musicales, ayuda mucho aprender por nuestra propia cuenta, aunque también ayuda mucho aprender en alguna institución, sin poner fronteras a la música o cerrarse a ella, sea cual sea el caso, entre más información y herramientas tengamos, más posibilidades existirán de terminar una pieza que te guste en su totalidad, desde pequeño comencé en la música y existe una relación especial con la música clásica, de la cual el periodo Barroco es mi preferida, así que muchas cosas que aprendí y que sigo aprendiendo, de pronto las adapto a lo que hago.

¿Cuáles fueron los sucesos musicales y personales que te movieron para hacer el LP XXI?

Angel Kauff: El LP “XXI” es una inspiración del equilibrio y la nueva era de comunicación con algunos destellos del pasado, constantemente estamos saturados de información, pues cada vez está más al alcance de cada persona, nos volvemos dependientes de las máquinas y la tecnología, pero no todo es para lo negativo, también somos humanos, así que el equilibrio siempre aparece en algún punto, muchos somos el final de un siglo y el inicio de otro.  Es importante mencionar que en este álbum hay algunas colaboraciones, ha sido un placer hacer música con ‘Rational Youth’ quién es una de mis bandas preferidas, con Lynette Cerezo (Vocalista de Bestial Mouths) a quién admiro mucho, y con ‘Cimientos Fecundos’ que cada vez me sorprenden más. También hay un bonus track de ‘INMATFABRIK’ que es un B side mío, un poco más enérgico y agresivo. El álbum será producido por Infravox Records y será posible adquirirlo en los próximos meses.

Creo que ya nadie se libra de lo abrumador que es el mundo de hoy, a ti que eres creador ¿De qué manera te afecta la saturación de información y estímulos negativos que tiene la realidad del 2018?

Angel Kauff: Hay que saber encontrar el equilibrio, la música es equilibrio.

Compartes tu tiempo con ‘Isotropía’. Por ahora ¿Qué tan distinto es moverte en ese nuevo proyecto, qué tan difícil es crear para dos o tres amos distintos?

Angel Kauff: En esta nueva era de comunicación, las personas también podemos estar más cerca entre sí en muchos aspectos, aunque estemos muy lejos físicamente, pues estamos acostumbrados a crear música en un cuarto y nos olvidamos de que también existen nuevas formas de componer música, la distancia no es un impedimento, así que aprovechamos todo lo que está a nuestro alcance, sin embargo, tenemos que generar el equilibrio y el próximo 2019 tendremos un tour en Europa en donde podremos presentar mucho de lo que hemos creado y mucho de lo que viene.

Guadalajara es una ciudad muy rara para la escena oscura, ¿Qué te produce la idea de tocar en esta ciudad?

Angel Kauff: Guadalajara es una de mis ciudades preferidas, siempre es un gusto visitarla, sea como sea, me produce mucha emoción.

Oh My Goth! Fest II  16 y 17 de noviembre. Guadalajara, Jal.

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