A veinte años de Mezzanine

71mFt4ktPZL._SL1242_.jpg

[Por Beto Sigala]

En la superficie Mezzanine de Massive Attack es la joya más grande del mundo del trip hop, aunque sería injusto para la música dejarle en esa solitaria etiqueta. Nadie duda que ellos izaron la bandera de ese género y que su influencia permeó a varias generaciones de músicos posteriores, pero Mezzanine fue y sigue siendo algo más eterno en el historial de toda la música que se ha creado en los últimos cuarenta años.
A veinte años de su lanzamiento en el mercado, a Mezzanine en sus inicios lo entendimos como un álbum que se basaba en la electrónica y el dub para incrustarse de lleno en la memoria colectiva de los noventa y ya con miras indiscutibles para erigirse como una premonición de la sonoridad del nuevo milenio. Además de que en sus alcances, lideró la revolución electrónica en el mainstream de finales de los noventa.
Este álbum va mucho más allá; su música le gusta a un darkie, o a un rockero, tanto como le puede gustar a un chico reggae, porque precisamente en sus tracks suena la postmodernidad, y tiene el balance de oscuridad y luz necesarias para ser considerado una obra maestra universal.
Su elaboración partió a Massive Attack desde sus entrañas. Tricky, aunque nos dejó el Blue Lines, siempre deambulaba por su estilo monótono al frasear y los ritmos de los trabajos anteriores de esta banda eran más orgánicos, más cercanos a la raíz del hip hop, más funk. Esta reinvención con samplers, guitarras, cajas de ritmo, y otros elementos propició la salida de Andrew Vowles quien no se pudo acostumbrar al halo de oscuridad y paranoia que circundaba a esta nueva versión de Massive Attack.
En la parte vocal, muchos en Inglaterra conocían el vibrato agudo de Horace Andy, una de las voces más reconocidas del reggae roots, pero nadie se podía imaginar como sonaría su voz en un coro suave que se traduce en notas sobre la desesperación y la suspicacia en tracks como ‘Angel’ y ‘Man Next Door’. Andy además es uno de los personajes del video de Angel, un cortometraje genial y sencillo que expresa bien el sentimiento paranoico de esta canción. Y luego en otro extremo, la hechizada voz de Elizabeth Fraser de los Cocteau Twins en ‘Teardrop’, el track más comentado del álbum que llamó mucho la atención por su innovador videoclip en el que un feto en 3D es es el personaje.

 

En 1998, mientras el auge del rock alternativo se difuminaba entre la agonizante década, los proyectos más orientados a la electrónica iban cobrando mayor fuerza en la juventud de esos días. Quizás Massive Attack junto con otras bandas, le dieron un carácter más serio y artístico a la corriente popular de la electrónica que hasta antes era más socorrida como música bailable. Mezzanine, sin ser un disco experimental, fue capaz desde su lanzamiento de ampliar el rango del trip hop cuyos rasgos fundamentales se hicieron más promiscuos y también más interesantes para el escucha común.

Los tiempos de hace veinte años, aunque eran de mucha expectativa, aún no eran tan sombríos como la realidad del 2018. Antes de que llegaran los 2000, el Y2K, la guerra de los balcanes, el escándalo sexual de Clinton, los teléfonos móviles y una gran esperanza de que el internet se constituyera como un espacio de libertad para compartir y generar conocimiento, eran algunos de los dilemas de la humanidad. Mezzanine pudo captar esa mezcla de incertidumbre y búsqueda de redención moderna que implicaba la llegada del nuevo milenio, todo recubierto por un velo oscuro. En lo musical nos dio mucho y sus tracks se van construyendo como un robot que utiliza muchos componentes para al fin caminar con libre albedrío en el mundo animado. A veces es dub, a veces es trip hop, en otras ocasiones es darkwave, otras es electro rock, pero, a pesar de los densos muros de su construcción siempre es fascinante.
El otro día pensaba en si el reggae podría fusionarse con el darkwave para hacer una corriente oscura de la música jamaiquina y cuál sería el resultado. No pude llegar a muchos ejemplos ni a muchas conclusiones, pero sin duda me vino a la mente Mezzanine, Horace Andy y los remixes que ha hecho Mad Professor para Massive Attack, tal vez este disco sea la fusión más afortunada entre en el dub y el darkwave.

A veinte años de su lanzamiento suena tan vigente como el día que vio la luz, es un clásico que se debe revisitar cada que avanzamos o retrocedemos en el tiempo.

 

Golden Crack con nuevo video y en la atesala de su nueva producción

carck

De la atribulada capital de Chihuahua nos llega la música de Golden Crack quienes en este nuevo videoclip se empeñan en mandar todo a la mierda como una catarsis que nos lleve a la reconstrucción desafiando al stablishment rompiendo definitivamente con lo que nos ha llevado al caos. Esta ruptura en una nueva forma que plantea Golden Crack llega acompañada de un infeccioso estribillo de buen Electro Rock en este videoclip que recién acaban de estrenar como promocional de su sencillo ‘New Path Of Living’.

El estilo de Golden Crack es como un motor de alto octanaje y letras en las que rige un lenguaje universal, pero que representan bien el sentimiento de este país violento. “Ghost Nation” de 2016 es la prueba de esta máquina bien aceitada en cuyos tracks hay siempre música prolija en la que las guitarras nunca pierden importancia pero se van mezclando en cada canción con elementos más sintéticos. “Ghost Nation” ha sido una buena revelación que tiene momentos muy álgidos como en tracks como ‘Rebelations’, ‘Moon’ o ‘They Will Not Belong’.

El mes de mayo es un espacio importante en el calendario de esta banda ya que lanzarán la primera parte de su nueva producción Something’s Missing” en la que está incluido el tema New Path Of Living’. La convulsión de México y el mundo es un asunto que nos satura y cada vez más los artistas fijan su inspiración en un planeta al borde del colapso. La música de Golden Crack es una buena banda sonora para estos tiempos aciagos.

‘Bury Me Here’ de Wire Spine

a1392811089_10.jpg

[Por Beto Sigala]

Canadá ha levantado la mano en el universo actual del darkwave. Proyectos como Strvngers o Markus Midnight y más recientemente Wire Spine, nos hacen pensar en la buena apropiación que han hecho los músicos de aquel país por la electrónica oscura.

Para mi, Wire Spine es el caso que más me produce fascinación desde que escuché las primeras versiones de los temas ‘Soylent’ (Con claras alusiones a la decadencia de la raza humana) y ‘Burn you’, un track del que hicieron un videoclip y que les ha dado acceso a mayores audiencias en América del Norte.

A finales de marzo vio la luz su primer esfuerzo plasmado en el  LP “Bury Me Here”  de  quince tracks en el que registran por fin el cúmulo de maduración creativa que ha tenido este proyecto desde su formación, hasta la materialización de este álbum plagado de momentos ásperos, de EBM old school y una electrónica audaz que siempre ronda por el espíritu del goth.

Robert Katerwol y Jesi Tekahionwake han escrito temas sobre lo inhabitables que se vuelven los parajes urbanos y la insoportable mente humana, pero también tiene ejercicios de sordidez que resultan en invitaciones a mover la cabeza con sus beats y la voz de Jesi, siempre tan lejana, siempre “cool” que llega a los oídos en cada track como un oscuro discurso sobre el silencio, la degradación y la indolencia.

Ahora ‘Soylent’ y ‘Burn you’ siguen siendo los gigantes del disco, pero van acompañados de otros temas segmentados mediante tracks instrumentales más cortos que le dan aún un aire más atmosférico a la colección total de temas incluidos en el álbum. ‘Silent Signals’ es un tema de amor pasional, sin los lugares comunes del amor pasional y ‘Naomi’ es un tema que suena a darkwave de la vieja escuela, como si Soft Cell se hubiese rendido finalmente al lado oscuro; su melodía es suave, pero a la vez es un gancho para la memoria. El disco cierra con ‘Hellraiser’ un digno homenaje al clásico de horror de los ochenta; es un tema de electro pop oscuro que acelera el pulso y se sobrelleva con los alaridos de Jesi.  Y en el acto final  aparece ‘Sacrifice’ con tintes más acelerados y una voz llena de echo que intensifica la sensación de los compases.

Wire Spine ha construido su carrera con pasos sólidos, certeros. Bury Me Here es un golpe de mazo sensorial. Tan lúcido y preciso como si fuesen veteranos con décadas en la música. Por eso esta banda ha encontrado en la escena de California un lugar para propagar sus semillas. Su música es emocionante y su acto en vivo ya ha deleitado a muchos en Norteamérica. Wire Spine es una fuerza incontenible en el mundo del darkwave.

 

 

 

 

35 años de Power Corrutpion & Lies de New Order

pCAL_1370285793.jpg

A 35 años del lanzamiento de Power Corrutpion & Lies ¿Qué se puede decir que no suena obvio y repetitivo? No mucho.

Sabemos el hecho de que es el álbum definitorio del sonido de New Order y el mundo comprendió que no es lo mismo Joy Division que New Order y también se clarificó que Ian Curtis y Bernard Sumner son genios musicales con similitudes, pero con intereses distintos. Nos queda la espina de cómo sonaría Joy Division si hubiese continuado en la fiebre de la música electrónica de los ochenta.

Power Corrutpion & Lies de 1983 es la amplificación del sonido post punk con los ritmos más bailables en una década en que los djs cobraron más importancia en la música y los elementos para elaborar música electrónica dejaron de ser instrumentos de experimentación para cobrar verdadero protagonismo. Este disco explota tanto lo orgánico como lo sintético y su legado se puede entender tácitamente en tracks como ‘Age Of Consent’ o ‘5-8-6’ con esa línea de bajo fuerte y una secuencia que nos recuerda a ‘Blue Monday’.

El nombre del disco está inspirado en un grafiti del artista alemán Gerhard Richter quien vandalizó el exterior de la Kunstahlle con ese texto que se inmortalizó gracias a la visión de Sumner al elegirlo como el título para su disco. Y aunque su portada no es referente de la música de New Order , y tiene un aire de mucha subjetividad a la postre se convertiría en un símbolo distintivo y una de las portadas más recordadas de los ochenta. Esta mítica portada fue desarrollada por el artista Peter Saville cofundador de Factory Records y quien ya había trabajado en las legendarias portadas de Joy Division;al final de proceso de su creción Peter determinó que las flores de la portada Power Corrutpion & Lies son un elemento seductor que lleva a la concupiscencia.

Siempre en los anecdotarios de una banda que sigue generando tanto culto como Joy Division, pensamos amargamente en lo que pudo ser de no haber encontrado un fin trágico. Muchos de los Ian Curtis renunciaron al estilo de New Order, sin embargo esa bifurcación en el sonido de los miembros de la que era una joven banda en 1983 lograron crear algo igual de innovador y pujante conservando rasgos de su origen, pero también con la capacidad de renacer y ser algo muy distinto. Power Corrutpion & Lies es la ruptura y se puede representar como una encrucijada; dos caminos a elegir, por un lado la oscuridad y en el otro el synthpop. New Order tomó el camino del pop, pero lo hizo con una inventiva genial.

¿A 35 años de Power Corrutpion & Lies, cuál sería su legado mas importante? Tal vez el hecho de que su contenido encontró la trascendencia y eso se prueba en el hecho de que muchos jóvenes revisitan un disco como este que se hizo diez o quince años antes de que nacieran. El synthpop clásico camina entre los vivos.

 

Viejas canciones de protesta para estos tiempos

SProdukt_88875112701.jpg

Son tiempos aciagos, el mundo es un lugar sombrío y lleno de contrastes, es una distopia en muchos sentidos y la enorme mayoría de políticos mexicanos conforman un harto de bestias insensibles que actúan como mafiosos, a los que ya no les importa nada más que su beneficio personal. En México el poder se pasea entre unas pocas manos y los mexicanos estamos cada vez más confundidos y divididos por payasos que al recibir el voto se olvidarán de facto de la gente que los apoyó. Estamos hastiados de campañas interminables y discursos vacíos, por eso la música siempre es un respiro entre tanta porquería que circula en las redes sobre falsos mesías, dimes y diretes. Este playlist es un momento para mandar a la mierda todo.

The Replacements – Bastards Of Young (1985)

Esta canción es de 1985 y centra su temática en una juventud despreciada y olvidada, de padres que tienen hijos para pedir la subsistencia y de las mentes y almas que devora el capitalismo en sus principios. Si lo ponemos en nuestro contexto, es vigente la forma en que hemos perdido generaciones enteras de jóvenes que hemos nacido, crecido y moriremos en una crisis económica y de valores espirituales.

Midnight Oil – Beds Are Burning (1987)

Los “Maories” son el grupo autóctono de Australia; esta comunidad como casi todas las poblaciones que son conquistadas, han sido sometidas a la pérdida de sus identidades y segregadas en la falta de oportunidad. Este tema es tan familiar en América Latina, donde los nativos de este continente viven en condiciones de miseria y son despreciados por el color de su piel. México es un ejemplo del maltrato histórico que le hemos dado a los pueblos indígenas.

The Clash – The Guns Of Brixton (1979)

Nadie como The Clash para entrarle a los temas políticos. El London Calling es un disco alucinante del punk que aborda la profunda crisis política y social de Reino Unido a finales de los setenta.  La canción London Calling es el máximo himno se la furia, pero sin duda Guns Of Brixton es un reggae preciso para hablar sobre la brutalidad policíaca. ¿Les suena familiar?.

Dead Kennedys – California Uber Alles (1987)

Esta es sin duda una de las canciones más agudas e inteligentes de Jello Biafra, el líder de los Dead Kennedys. “La tierra de la libertad” no es ese lugar mágico que nos vendieron tanto en el cine y California, la meca del dinero, es un lugar impío para los hombres comunes. El fascismo siempre tiene la capacidad de mimetizarse con la democracia y nadie como los Kennedys para hacer un retrato sobre la represión.

Tears For Fears – Everybody Wants To Rule The World (1985)

Es un tema tan buena onda y que produce tanta nostalgia que a veces nos olvidamos de su oscura esencia y su profundidad, que en realidad tiene que ver con esa enfermiza hambre de poder entre los seres humanos. La gente se mata por eso, difama por eso, hace lo que sea por el poder, pero la gente debe tener esa capacidad de emanciparse de eso, por lo menos intentar liberarse de los yugos de lo que está mal en el mundo de forma colectiva. Los discursos políticos están tan desgastados y todos quieren ser dueños de su fracción de mundo.

The Specials – Ghost Town (1980)

Las calles de mi ciudad van quedando vacías por el miedo, negocios familiares que no se sostienen y se ven forzados a cerrar y un país que es azotado todos los días por la vara del crimen. Es como si The Specials se hubiese inspirado en el Tamaulipas desolado por los cuernos de chivo, o en las poblaciones de Chihuahua abandonadas por sus moradores. Muchos de nuestras ciudades han quedado fantasmas , a veces por las crisis económicas y  en otras ocasiones por el terror de la violencia.

Patti Smith – People Have The Power (1988)

La poesía también es una forma de catarsis y la música de Patti Smith siempre ha tenido ese elemento poético. People Have The Power, no es una canción tan grande ni tan conocida, pero expresa bien el deseo de la utopía en la que al fin la gente tiene ese poder de cambiar su entorno y acabar con lo negativo. Este discurso está ahora tan gastado que es un lugar común cuando se quiere alentar los valores de la democracia. Patti Smith al menos escribió un sueño muy poético sobre esta posibilidad, aunque cada vez se vislumbre más y más difícil.

Sex Pistols – Pretty Vacant (1977)

La falta de oportunidad es el lugar más común de nuestras juventudes. Los Pistols agendaron esta locura colectiva en 1977, cuando su país estaba sumido en la gestión de Doña Margara. Para latinoamérica este debe ser un himno que representa bien el sentimiento de sentirte abandonado una y otra vez por la patria, porque aunque busques debajo de las piedras, no encuentras en qué ocuparte. Para mi, por más que Anarchy In The Uk nos haya legado la frase “No Future”, Pretty Vacant es la canción más interesante de los Pistols.

 

Norwayy estrena el videoclip de ‘We Must’

a1390027927_10

En un mundo consumido por la violencia de todo tipo, la mujer de hoy siempre busca emanciparse de la negatividad que hemos creado los hombres en una sociedad de valores confundidos y desigualdad. Una buena manera que tienen las jóvenes de librarse del yugo de un mundo injusto es mediante el arte, mediante un discurso positivo que sea capaz de permear a cualquier ser humano que lo escuche. Norwayy, un proyecto integrado por mujeres tapatías del siglo XXI, crea con su música un sentimiento de buena onda; que no es la buena onda insulsa del pop en el mainstream actual, sino un respiro de entre las tragedias, un elemento liberador de música emocional, pero entretenida, tal como una tarde de redenciones con sensibilidad femenina.

Norwayy tiene un EP homónimo de 2017, una colección de seis tracks que ejemplifican bien el potencial de este proyecto  joven, pero que a la vez es sabio en lo que compone y profesa. De este EP se desprende el track ‘We Must’, un tema que recientemente estrenó el videoclip dirigido por Karla Daniela Oceguera y protagonizado por chicas skate que deambulan por lugares de la ciudad de Guadalajara con sus patinetas y con un alarido de libertad.

 

Nuevo sencillo de Mazzy Star

7f84bfb2a325030675449d717710866727fb318c.jpg

Hope Sandoval ha estado muy entretenida en los últimos años con su proyecto The Warm Inventions. En 2016, The Warm Inventions, hicieron un disco que voló por abajo del radar, pero que se las ingenió para generar revuelo entre sus seguidores y que además captura la buena melancolía del estilo de esta cantante, aunque también se puede asociar mucho con Mazzy Star.

A pesar de que Hope ha estado últimamente más ligada a su proyecto alterno, pudo encontrar el tiempo para trabajar con Mazzy Star, que desde el año anterior dieron señales de vida, despues de casi cinco años sin música nueva, cuando se detuvo la actividad de esta banda con la promoción del álbum ‘Seasons of Your Day’, un fonograma que nos acercó sónicamente en este siglo al mágico sonido nostálgico de esta agrupación norteamericana.

Mazzy Star presentó hace unos días el sencillo ‘Quiet, The Winter Harbor’, ideal para una depresión de tarde, mirando una postal invernal; muy adhoc al mundo sentimental que ha desarrollado esta agrupación desde sus orígenes.

El nuevo EP de Mazzy Star, tiene fecha de lanzamiento para el 1 de junio y así mismo, la banda tendrá tres presentaciones en el Opera House de Sidney como parte del festival VividLIVE.