Interview: ‘VHS DEATH- Llorona’

[Beto Sigala]

VHS DEATH is the stage name of Natalie Wardle. Her solo project is an e.b.m, deconstructed club and post-industrial act. Debut album ‘Llorona’, is a collection of tunes that mix intensity, moody episodes and melancholic vibes that embrace the darkness in a very introspective way. I had the chance to interchange some ideas with Natalie, and she took the time to explain her feelings about this album and some other stuff.

What inspired you the most to make your own music?

Coming abstractly from a diarist point of view mainly. Music has always been my main outlet for emotional catharthis, an a way to make reflect on my own sense of reality.

The first album is like an opera prima, maybe is the most primal state for an artist for coming out to the world and try to succeed in a scene full of everything. How can you describe composing ‘Llorona’?

I’m glad you think that. It started out as this myth I was told about by Vinny (my previous bassist before becoming VHS DEATH), who was Mexican from Texas an i grew up with the fearful tale of the mourning Llorona searching for her children, who she drowned in he river as revenge for her husband abandoning her. This haunting image really resonated with us both having experienced trauma from childhood parental separation and death, as well as previous toxic relationships ending. This naturally lead us to making it the theme, as I wanted Vincent’s roots in the Mexican occult to shine through on these compared to the previous ones.

How was to cover Everything But The Girl and a song that is very important for many people in the world?

This was a nostalgic song for me, growing up as a kid in he nineties. That sense of dissonance, an reliving certain disturbing events over an over-getting stuck in my own head, the singer’s introversion was alluring to me. The realness within that house pop anthem is rare. An very ahead of its time, as this sense of disconnection is ever increasing, as a result of our online interactions disrupting the effect of our real life connections. The unhealthy connections we falsely maintain online which would otherwise be consigned to the past. Haunting us much like Llorona.

I work in an office, and sometimes I find the time to write about the music i like. What do you do for living?

Fortunately off the back of this, I’ve now been offered multiple paid gigs, as well as djing an promoting a few shows, I also help organise electronic music festivals and warehouse events

Tell about showcasing ‘Llorona’ live and the shows coming this fall and winter.

It has been an insightful, an reflective experience so far. I’ve learnt it really is about maintaining the connection with the audience sharing a feeling, a kind of melancholy intimacy. The visual elements of projections an the performance art itself is something that pulls me more an more as a form of extension to the art itself. I’m really looking forward to the next one’s. Most definitely Deathwave Festival in OC, USA next year (curated by Deathwave Records).

 

‘Llorona’ is being released on the Spanish record label Diffuse Reality. Listen to this EP in the link below.

https://soundcloud.com/videodrome20/albums

 

 

 

 

 

Reseña: Cigarettes After Sex – Cry

[David Rangel]

El cuarteto texano Cigarettes After Sex ha publicado, tras dos años de extensas giras, su más reciente producción Cry. 

La banda ha disfrutado de la aceptación entre los sectores melómanos más variopintos, con su aura melancólica , que muchas veces suenan a una versión andrógina , dream pop de Cowboy Junkies o Mazzy Star, que narran aventuras románticas, sexuales , polaroids de las relaciones afectivas contemporáneas. Tales historias son muchas veces la antítesis del anticuado y cursi “ old fashioned lover boy” descrito por Queen, que para aquella época ya era un personaje extraño, anacrónico , aunque  la música de los texanos no esté exenta de pasajes estrictamente apegados al canon del eros del pop clásico. El disco abre con “ Don´t let me go” de aires retro, que remite a Julie Cruise y por asociación a David Lynch, tema que no desentonaría en alguna escena de Twin Peaks. En él ,Greg Gonzalez añora un amor antiguo ,lejano en el tiempo : “When I was young I thought the world of you /You were all that I wanted then /It faded & I never saw you again,
But I won’t forget the love we had. ”. En el track dos “ kiss it of me” , el vocalista nos presenta la historia de un frustado amante que reclama:
“ Could you love me instead of all the boyfriends you get?
Know I’d make you forget about all of those rich fuckboys ? “. Una historia en la que cuestionablemente el protagonista lamenta ser el chico bueno, enamorado de la persona incorrecta y frívola. Más estándar en contenido, más accesible y radial “ Heavenly” es una canción pegajosa y reminiscente al pop de los años cincuenta. Soñadora y digna de un jukebox en medio del desierto texano en la que Gonzalez susurra : “Because this is where I want to be/Where it’s so sweet & heavenly /I’m giving you all my love”. “ You are the only good thing in my life” aborda a un hombre en crisis, en el que su amante es lo único bueno en su vida, no es un romance, pero por momentos parece lo más cercano al amor. “Touch” de gran parecido a “Truly” de su anterior disco, se mete en la piel de una pareja que una vez más repite el leitmotiv : una relación carnal es confundida con un vínculo profundo “Couldn’t say you didn’t want me then when we were lying in my bed that night /You were acting like a different person as if suddenly you wanted to just be friends” . “ Hentai” , musicalmente soñadora, tiene como escenario una conversación post coital sui generis “There was a hentai video that I saw /I told you about the night that we first made love /About a girl, who as soon as she made you come /Could show you the future & tell you your fortune” y en medio de la atmósfera idílica  una romántica , muy.a la Morrissey ,idea de morir en un accidente aéreo en medio del mar.

thumb_1446_default_wide

 

Por otra parte el corte que da nombre al disco “ Cry” juega con la honestidad, él confiesa que tarde o temprano dejará a su pareja porque “My heart just can’t be faithful for long I swear I’ll only make you cry “, una dudosa confesión amorosa envuelta en terciopelo musical y cantada inocentemente por un Casanova moderno, una estampa del amor líquido descrito por Bauman. “Falling in love” es la contracara de “Cry” , de cadencia slowcore y guitarras que nos recuerdan a Low, la letra se decanta por el candor de enamorarse y el deseo de estar junto al otro :” Falling in love /Deeper than I’ve felt it before with you, baby / I feel I’m falling in love with all my heart”.

“ Pure” cierra el disco con el tema que musicalmente es ligeramente diverso, en él se describe un encuentro sexual y se enuncian las circunstancias edulcuradas con pizcas de sentimiento: “ When it’s pure, only your love could get me to fall
When it’s deep, gets so hot & it’s so beautiful”.

Musicalmente “Cry” pierde un poco de frescura respecto a su disco debut y los ep´s. Por periodos el disco se siente que tiene pocas variaciones, que camina en una misma dirección, excepto por los sencillos más accesibles y de sonido más animado. Tal vez se siente muy apegado a la fórmula que ellos mismos desarrollaron, un pop melancólico, exquisito y elegante pero que en esta ocasión no se arriesga a salir de la zona de comfort . Líricamente , el contraste de las historias amorosas –eróticas del primer disco brillaban por hablar de todo aquello que el ideal romántico omite, esta vez, la contraposición de las postales musicales es más tóxico que placentero. Quizá el intento de presentar las múltiples caras que asumen los individuos y las aristas de las relaciones humanas, provoca un efecto extraño. Esta vez la tristeza y el cigarrillo post coital, tiende más a una sensación ambivalente y no al llanto.

Gal y yo

Estaba ahí sentado en medio de la oscuridad de la sala con un vaso de coca light y los restos de unos nachos con queso, cuando el halo de luz de la pantalla de cine me dejó verte por primera vez. ¿Quién era esa mujer enigmática que no tenía el mismo tipo de Linda Carter y a los ojos de un simple mortal como yo se veía como una diosa griega? Luego lo supe, tu traje de Diana de Temiscira me dejó mirar las mieles absolutas de la redención en vida. Eras la Mujer Maravilla que junto al huérfano y al alienígena, brillabas con toda la luz de las fuerzas etéreas.
Luego supe que eras una tal Gal Gadot, de Israel, y que fuiste modelo y luego actriz, pero como yo me quedé estancado en ‘+ Rápido y + Furioso’, nunca supe que eras uno de los personajes de la mejor saga de los carritos chocones jamás creada. Luego vi todas esas películas, incluso una que estás en Río de Janeiro y sale La Roca. Te vi, con tus pocos diálogos y haciendo ver a las demás actrices como muñecas de tianguis. No precisabas decir mucho, lo suficiente, y poner el ceño fruncido o sonreír para que el mundo se detuviera durante eones.
Luego comencé a seguirte en Instagram, en esa vida que parecía mejor que cualquier otra vida de cualquier bella famosa en esa red social. Yo comentaba tus fotos con frases de humor sarcástico y halagos sinceros con pocas esperanzas, hasta que un buen día, te fijaste en mi. Lo supe después cuando me confiaste en secreto que te preguntabas “quién era ese gordito barbón misterioso y galante que usaba playeras de Star Wars en sus fotos”. Por eso comenzaste a seguirme en mi modesta cuenta de Instagram y fue así como comenzó un pequeño idilio en el que yo te enviaba versos de poemas como: ‘No es que muera de amor, muero de ti amor’ y algunos memes del gato blanco que pudieras entender en tu contexto.
Tuviste que enfrentar la tormenta de dejar tu vida estable de pareja y yo hice lo mismo para estar juntos. Cuando te conocí en persona, fue tal como ver agua corriendo de un manantial rodeado de ángeles, y a tu mirada supinada en donde colisionan los astros, no le importó mi baja estatura, por eso tomaste mi mano de enano y empezamos a vivir del amor profano.
Yo era ese loco que te hacía reír, y te llevaba café con leche a la cama, o cocinaba huevos fritos con las orillas quemadas, pero nada de eso importaba. Íbamos a las fiestas con todos esos gringos locos y la plana mayor de Hollywood. Me presumías en cualquier entrevista que dabas y no te importaba que me rehusara a tirar mis vans rotos y mi playera gastada de Joy Division. Me escuchabas, tratabas de entenderme, sabías que yo, aunque era un profesionista mediocre, también era amoroso y tenía buenos sentimientos; vivías la esperanza de que yo iba a triunfar con alguna de mis ideas millonarias, aunque de eso no dependiera el amor. A mi, al contrario, sólo me molestaba de ti que hablaras en Yiddish con tu familia, porque no entendía ni un carajo, pero trataba de entenderlos.
Pero así como si fuese la peor de las pesadillas, al paso de los años algo sucedió, y la rutina nos fue consumiendo. Esos meses de rodaje en los que no te miraba me fueron alejando de ti. Tú te volviste apática y paulatinamente en tus ojos podía sentir que me interpretabas como un adolescente que no quiso madurar. Nos fuimos distanciando, al grado que aborrecías mirar conmigo Rick y Morty, y yo no podía soportar esos papeles insulsos en los que te ponían a besar a rubios mamados como Chris Hemsworth. Por eso mi venganza fue seguir a Eva Green en Instagram. Y todo ese amor tan puro, con el tiempo se convirtió en gritos y descalificaciones, como ha de ser siempre la vida de pareja. Todo, como la flor, se marchitó.
Luego un codazo de mi mujer me movió el brazo y tiré un poco de mi coca. Volví a la sala justo a tiempo para ver cómo te madreabas a ‘Doomsday’ con un poco de ayuda del millonario con problemas existenciales y del alienígena metrosexual que se quedó sin planeta. Eres tan chingona, más chingana que la Viuda Negra y la Capitana Marvel juntas. Supe que eras Gal Gadot, y me consuela saber que tal vez lo nuestro no hubiera funcionado.

Entrevista: Werner Karloff “Pienso que se tiene que aprender del pasado para poder hacer una prospección más efectiva al futuro”

[Beto Sigala]

La electrónica de Werner Karloff es tan vertiginosa como la vida de la CDMX; compases acelerados, sintetizadores, postmodernidad, y un gusto firme para reflejar pasajes urbanos, la industrialización, la deshumanización descontrolada. Werner es una mente prolífica del ‘under’ mexicano cuyos orígenes se remontan a ambientes fabriles en las que lo cotidiano se vivía en momentos oscuros y monótonos, pero además en su música hay una bien definida influencia de la electrónica alemana de los ochenta, en la que vienen implícitos el punk y el postpunk. Werner Karloff visitará la ciudad de Guadalajara el próximo 21 de septiembre y se estará presentando en Sin lágrimas/No cabaret 02 en el Segundo Piso de esta ciudad. Antes de que su envión de música aterrice en Guadalajara, Werner nos compartió algunos aspectos de su música y de su vida personal.

 

¿Cómo fue que descubriste el estilo que tienes ahora, qué tuvo que pasar para que adoptaras tu nombre actual y llegaras a los sintetizadores y programaciones?

Werner Karloff: Empecé a escuchar punk ingles de la ola del 77 cuando tenía 16 años, eso me dio la pauta para conocer el post punk y el new wave con ejemplos como Tubeway Army de donde salio Gary Numan o Buzzcocks de donde salió Howard Devoto quien crearía Magazine que fue la banda que me abrió el panorama para seguir buscando música , Magazine fue el preámbulo para que algún día me decidiera a crear alguna vez música, pasaron los años y yo seguía coleccionando y escuchando música , hasta que en 2011 me empecé a encontrar proyectos que tenían un sonido electrónico sin ser new wave pero con reminiscencias de post punk y hasta de Italo disco, de alguna manera había estado buscando esa comunión de todos los estilos que me gustaban y me encontré con el termino Minimal synth o Minimal wave, fue cuando escuché el proyecto Stratis , Lineas Aereas , Das Ding y Phillipe Laurent ( estos últimos dos fueron los primeros lanzamientos del sello Minimal wave) que me decidi por fin a hacer música con sintetizadores , use el nombre ‘Werner’ por el actor alemán de expresionismo alemán Werner Krauss y Karloff por Boris Karloff actor de cine de películas de terror clásicas, así con el tiempo practicando, escuchando, estudiando es que poco a poco he podido dominar mis instrumentos .

Así como habemos muchos seguidores de hacer música de la forma en que se hacía en el pasado, también hay muchos detractores de los revival. ¿Cómo respondes creativamente a los que opinan que todo debe ser progresión sin mirar al pasado?

Werner Karloff: Pienso que se tiene que aprender del pasado para poder hacer una prospección más efectiva al futuro, no se trata de copiar o hacer lo mismo que hace 30 años sino de aprender de todos ellos que nos antecedieron y crear nuestro presente musical basado en nuestra realidad .

Tu estilo tiene mucho que ver con la impronta de la electrónica alemana de los ochenta, pero además de eso ¿Qué refleja tu música del México actual?

Werner Karloff: La mayoría de mis letras son pasajes cortos de cosas que veo o he vivido en la ciudad de México, años antes de hacer música estuve trabajando varios años en una pequeña fábrica, lo que me llegó a pasar ahí me hizo sentirme identificado por ejemplo con la realidad que tenían muchos de los miembros de bandas de Uk y Alemania, esa precariedad, bajos salarios, accidentes, el tener que juntar con mucho esfuerzo para un instrumento, mis primeras letras hablan mucho de lo que pasé en esos años.

 

La escena de la electrónica en México es muy diversa y muy amplia, pero a veces poco difundida ¿Has sentido alguna vez que tu música es más apreciada en otras partes del mundo que en tu propio país?

Werner Karloff: Si pasó al principio pero todo es un proceso y un aprendizaje, como artista y también como público, creo que todo el trabajo que he hecho estos años por fin esta dando resultados, cuando empecé a tocar casi nadie conocía el estilo o el termino, no había eventos de esta música, y la otra escena mas próxima la gótica / post punk también tenía cierto estancamiento con proyectos que iban y venían que no lograban un sonido y estilo sólido a mi parecer, tuve que ir primero a tocar a Alemania para que poco a poco se fueran abriendo mas puertas para mi y para mi colegas mas próximos, ahora ya hay mas lugares con apertura a estos estilos, proyectos se están gestionando y mejoran su calidad, hay más público y más gente sigue este tipo de música, por mi parte ya tengo más apertura para tocar seguido fuera de la ciudad en otros estados donde ya se está expandiendo lo que pasa en ciudad de México, en fin, sí costó trabajo llegar a este punto pero era necesario dar pauta para tener este crecimiento musical en México .

 

La vida de la mayoría de los músicos ‘under’ es un dilema al tratar de mediar entre buscar el sustento y tener la libertad para componer y hacer tocadas ¿Qué tal ha sido para ti gestionar tu música de manera independiente?

Werner Karloff: Pues sí es difícil, en estos momentos sí estoy dedicado a los live set y a grabar, también tengo una pequeña tienda de viniles con dos amigos y también es un soporte para mi, yo tuve que renunciar a mi anterior trabajo porque ese mismo año iba a tocar dos veces en Europa, tenía la oportunidad de regresar pero empezaron a salir más eventos fuera del país, entonces poco a poco fui gestionando la manera de poder percibir lo necesario para mis gastos, esto es como el freelance por así decirlo , hay temporadas buenas y otras regulares, entonces siempre trato de agendar mis fechas cada mes y hacer prospección del siguiente para tener todo calculado .

¿Qué representa para ti hacer un performance en Guadalajara, o en cualquier otro lugar que no sea la CDMX?

Werner Karloff: Como mencioné en una pregunta anterior, esa expansión que se está dando en ciudad de México está llegando a otra ciudades, me gusta tocar en otras ciudades porque se que pongo mi grano de arena para hacer crecer esas escenas, el tener esa retroalimentación me gusta mucho, siempre aprendo mucho y si algo de lo que hago es el aliciente que alguien necesitaba para poner en marcha su proyecto que mejor.

 

69980412_2572963952742354_8227513719576330240_o

 

Flexiones II

Estoy haciendo coperacha para el amazonas. Supe que algunos gobiernos reunieron 20 millones para el combate a los incendios. También me enteré que Netflix pagó 100 millones para poner ‘Friends’ en su plataforma.
Dave Grohl acaba de convertir el agua en vino.
Alguna vez vi en Argentina, allá por el 2005, muchos monumentos pintarrajeados en señal de protesta. Así sucede cuando tu país es una estado fallido, así debe pasar cuando te sientes olvidado.
¿Les han recordado hoy, por enésima vez, que viene un nuevo disco de Tool y que será lo mejor del universo?
Estoy más preocupado por el futuro de Spider Man que por la falta de empatía entre los humanos.
Salió un nuevo trailer de Star Wars, es maravilloso, nadie está harto de esas películas, y yo espero con ansias ver en 2025 la revancha de los Ewoks.
“Le llamo para ofrecerle la mejor tarifa telefónica. ¿Con quién tengo el gusto?”. Cuelgo, y digo en voz baja: “Gracias, no estoy interesado”.
Estuve hurgando en Netflix algo decente para mirar, hasta que por fin me quedé dormido. Mañana quizás tenga tiempo de ver “Blade Runner” otra vez.
Alguien en Marketplace se empeña en cambiarme mi bicicleta por un Smartphone. Aprende algo dinero.
Estuve casi diez minutos formado en la fila de un Oxxo, con una coca y unos tostitos en la mano, mientras los que estaban adelante en la fila hacían depósitos o pagaban cuentas. De saber que iba al banco no hubiera salido de mi casa en chanclas.
El mundo se estropeó cuando Little Caesars le vendió su alma a Uber Eats.
Mientras me mojaba en la tormenta, recordé los primeros días de junio cuando añoraba que llegaran los aguaceros.
Vi a un tipo que vestía una playera con el lema “A FIlm By Quentin Tarantino”. Si mi vida fuera una película la hubiese dirigido Juan Orol.
Bueno, la diferencia es simple: Celso Piña vendía muchos discos, los rockeros no.
Ya faltan 118 días para navidad.

Reseña: “Bind” de Darkswoon

[Beto Sigala]

La vida de adulto es navegar contra corriente, buscar sustento y discutir cotidianamente con tus semejantes. Pocas veces hay un espacio para abandonar el ruido, el ajetreo y tantos paisajes urbanos me producen a mi, añorar la naturaleza que en los días entre semana parece demasiada lejana. En los momentos aciagos, agradezco que tengo una ventana translucida que me permite ver un jardín está a unos treinta metros de donde vivo; es un rectángulo de unos 100 metros cuadrados en el que sobreviven unos pinos viejos. Cuando el viento los agita se escucha una música tranquila y es ahí cuando todo lo malo se esfuma en ese acto de contemplación. Algo de est hay en la música de Darkswoon (Jana Cushman, Rachel Ellis, Andrew Michael Porter), una banda originaria de Oregon en los Estados Unidos (un estado con una naturaleza soberbia) que se dedican a forjar un estilo que equilibra el shoegaze con electrónica minimalista y toques de postpunk.

“Bind” es su más reciente álbum; un suspiro prolongado muy emocional, lleno de beats, programaciones, guitarras y sintetizadores que asemejan a una naturaleza verde y lluviosa, pero también a bosques aislados y sentimientos profundos que aguardan en cavernas a la espera de ser revelados. El sonido que ha logrado Darkswoon en “Bind”, es suave, pero nunca pasmoso: algunos compases son incluso bailables, pero sin salir de la curva de un género muchas veces psicótico como el Shoegaze. “Bind” es un disco lisérgico, inspira fuertes imágenes y resulta ideal para alejarse el caos urbano. Jana Cushman, con su actitud cool y voz melancólica, es una red que te inmoviliza. que fascina como si fuese una ninfa perdida en un paisaje esmeralda.

a0776211050_10
 Icy Cold Records/Manic Depression Records 2019

 

‘Red Ferrari’ es una secuencia suave utilizada como marco para una melodía de guitarra que en su repetición va creciendo sin sobresaltos y es el vehículo para la hermosa tesitura vocal de Jana Cushman; una mezcla de melancolía y furia. ‘Red Ferrari’ es de ese tipo de canciones que crean imágenes de bosques lluviosos y caminos desolados. ‘This Flesh’ tiene una ambientación más electrónica -las programaciones parecen extraídas de algún videojuego dramático de arcadia que por alguna razón encontró la forma de salir al mundo real.

‘Human Faults’ podría ser una canción de house oscuro, con un aire más bailable, pero sin descuidar las cuotas de melancolía, con un bajo entrecortado, y arpegios de guitarra que sobresalen sin llegar a la saturación. ‘Human Faults’ es una canción muy radiable con algo de espíritu pop. Sin embargo, ‘Emoto’ es todo lo contrario y baja las revoluciones para estacionarse en el shoegaze y sumergirnos de nuevo en la desolación y los remordimientos; sus notas dejan estelas de música tranquila con orquestación minimalista muy agradable al oído. ‘Animal’ camina la misma vereda del ‘Human Faults’, pero con más trabajo en la sección rítmica.

 

‘Fireplace’ rompe la suavidad y se presenta como una canción más épica y en la que lo refinado de la guitarra se transforma en estridencia, rosando con decisión el rock industrial, que también en el estilo de Darkswoon suena bien logrado; colocado, pero sin la necesidad de volverse rápidos. ‘Parting Embrace’ es fría, pero tenaz en su onda oscura; una despedida firme, un discurso triste y enérgico que funciona por los tonos vocales de Jana.

El amor es una cueva oscura y acogedora y así como hay distintas fases en el amor de pareja ‘Love Is A Warm Dark Cave’, tienen varios momentos en sus nueve minutos de reproducción de electrónica fina y envolvente, que funcionan como el capítulo final, culminando en una montaña elevada de sensaciones.

Aguanté varias semanas para escribir sobre Bind de Darkswoon, en mis manos sentí que tenía un ejemplar distinto, tal como si fuesen  esos pinos grandes y hermosos que miro a través de mi ventana y sobreviven al caos de la ciudad. Hay miles de kilómetros que separan al estado de Oregon con sus pletóricos paisajes naturales, de este lugar llamado Jalisco, pero al escuchar Bind de principio a fin, sentí que se tendía un vínculo fuerte con la música que hacen – deben ser los bosques luviosos hablando a través de notas musicales-. Ya estás demás decir si algo es bueno o malo en esta era del cinismo, pero yo a “Bind” lo encuentro con suspiros de genialidad, con un sonido muy fresco y muchas cualidades para conmover.

 

 

Antipole lanza un videoclip para anunciar su nuevo álbum ‘Radial Glare’

Antipole es una onda fría que llega de Noruega con una fuerza descomunal y ha ido formando redes en el continente europeo desde hace años. Su trabajo en la parte musical es prolífico y es de los proyecto actuales que mejor han capitalizado el postpunk revival. Karl Morten Dahl, el líder de esta agrupación es una suerte de relacionista público que siempre está trabajando tanto en su música -canciones inéditas, remixes, compilados-  como en la difusión de la misma; es de los proyectos ejemplares de esta época y ni qué decir de su sonido, siempre superlativo y fiel representante de los vientos gélidos de la cultura nórdica.

También te puede interesar: ‘Damage’ de Kill Shelter

Justo en este día de verano, Antipole ha revelado su nuevo sencillo titulado ‘Syndrome’, una nueva colaboración con el productor musical Paris Alexander y Eirene, como una forma de promocionar su nuevo álbum que viene en camino con el nombre de ‘Radial Glare’, y saldrá a la luz el próximo 15 de septiembre, auspiciado por el sello Young & Cold Records.

Pueden escuchar y ver este fantástico videoclip en blanco y negro con las apariciones de Anne-Christel y Nina Florr aquí.